Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 01/05/2022 hasta el 31/05/2022
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré; tampoco el 1, 15 y 16 de mayo.

 

PROGRAMA

 

MAYO DE 2022

 

Este mes desembarcan en el Doré ciclos dedicados a: Tony Leblanc, con seis películas seleccionadas por Santiago Segura; las comedias postbélicas de la productora británica Ealing, representadas por 10 títulos en mayo y junio; Jonas Mekas, un nombre fundamental del cine experimental, al que se dedican seis sesiones organizadas por DocumentaMadrid; la directora de fotografía Caroline Champetier, que desde los años 80 ha colaborado con Godard, Téchiné, Rivette, Doillon o Leos Carax; y a Hermína Týrlova, maestra de la animación, con algunos de sus mejores cortormetrajes en tres sesiones.

 

Martes 3 de mayo


18:00 · Sala 1 · Flores en la sombra

Souvenirs de Madrid (Jacques Duron, 2009). Francia. DCP. VOSF. Color. 56’.

Ensayo documental que recorre el centro del Madrid de los 90, recogiendo una sucesión de instantes de la vida cotidiana.

«¿Un documental? Más bien una serie de instantáneas, cuyo conjunto constituye un documento sobre el Madrid de 1995-1997. ¿Una historia? No, cien historias entrecruzadas cuyos personajes pasan alternativamente o simultáneamente frente a la cámara. ¿El protagonista? La Ciudad, Madrid; no en una visión panorámica o arquitectónica, sino considerada como un organismo vivo, como la célula que acoge a estos seres que pululan por sus calles». (Jacques Duron).

Presentación a cargo del director, Jacques Duron, de la montadora, Fabienne Morel, y de Juan Cavestany, cineasta. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 120'.


21:30 · Sala 1 ·
Sesión especial

Gente en sitios (Juan Cavestany, 2013). Int.: Alberto San Juan, Adriana Ugarte, Antonio de la Torre, Santiago Segura, Maribel Verdú, Coque Malla, Irene Escolar, Ernesto Alterio, Carlos Areces, Javier Gutiérrez, Raúl Arévalo, Roberto Álamo. España. DCP. Color. 79’.

Conjunto de sketches sin conexión aparente que revelan la comedia, el drama, el terror o el surrealismo de la España moderna.

«A veces miro a la gente desde detrás de una esquina, no como un psicópata sino con una curiosidad genuina, con el ánimo de documentar el momento, y con la fantasía universal de ser otro. Una fantasía no solo de deseo: puede ser de rechazo o extrañamiento. ¿Cómo es la vida del otro? ¿Cómo sobrevive? ¿Cómo sería yo si en vez de ser yo fuera ese? Un posible hilo conductor de Gente en sitios serían las preguntas “¿cómo ser?”, “¿qué hacer?”». (Juan Cavestany).

 

Miércoles 4 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Umbracle (Pere Portabella, 1972). Int.: Christopher Lee. España. DCP. VOSE. B/N. 85’.

Ensayo fílmico que, partiendo de fragmentos con Christopher Lee deambulando por Barcelona, construye una feroz crítica política y artística.

«Umbracle es un film realizado a partir de bloques secuenciales muy sólidos, muy contundentes, cuyo significado surge entre los planos que separan cada bloque concreto. En mis películas he roto con todos los códigos de la narrativa establecida, que es lo fundamental (y no los argumentos), profundizando en el cine y, al mismo tiempo, sirviéndome del cine. Aunque dialogo con las otras artes, evito convertir el cine en una forma subsidiaria de otros lenguajes artísticos. También puedo considerarme como un cineasta multidisciplinar, no soy alguien de un único universo, estoy abierto al resto del mundo, a otras formas». (Pere Portabella).

Antes de la proyección de Umbracle se podrá ver el cortometraje No contéis con los dedos (Pere Portabella, 1967).

Duración total de la sesión: 113’.


20:00 · Sala 2 ·
Generación TV-USA

Bob, Carol, Ted y Alice (Bob & Carol & Ted & Alice, Paul Mazursky, 1969). Int.: Natalie Wood, Elliot Gould, Robert Culp, Dyan Cannon. EEUU. DCP. VOSE. Color. 105’.

Una pareja que acaba de acudir a unas sesiones de autodescubrimiento trata de convencer a otra pareja de amigos para que se abran más y exploren sus sentimientos.

«Las escenas de Elliot Gould y Dyan Cannon son pequeños milagros de ritmo; Cannon resulta también notablemente graciosa en sus escenas con el analista. Se puede sentir algo nuevo en el espíritu cómico de esta película, en la forma en que Mazursky llega a la risa jugando con la cadencia de los clichés, los actos defensivos y las pequeñas agresiones verbales». (Pauline Kael).


21:00 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

Whisky a go-go (Whisky Galore, Alexander Mackendrick, 1949). Int.: Basil Radford, Joan Greenwood, Catherine Lacey, Bruce Seton, James Robertson Justice, Gordon Jackson, John Gregson. Reino Unido. DCP. VOSE. B/N. 82’.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de escoceses busca cómo burlar a las autoridades y hacerse con el cargamento de whisky de un barco recién naufragado.

«Irónicamente, el cine de la Ealing quería recuperar el espíritu colectivo que reinaba durante el periodo bélico, valores genuinamente británicos que parecían haberse perdido con la llegada de la paz. Y es que la Ealing capeó como nadie ciertas contradicciones, que con humor no lo parecían tanto; una velada crítica al estado del bienestar laborista con un retorno del colectivismo bélico y todo mezclado con la idiosincrasia británica tendente a la individualidad y a lo excéntrico. El “milagro” de la Ealing fue asumir todo ello sin que se notara el desajuste». (Llorenç Esteve).

Segunda proyección en junio.

 

Jueves 5 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Generación TV-USA

Punto límite (Fail Safe, Sidney Lumet, 1964). Int.: Henry Fonda, Walter Matthau, Fritz Weaver, Dan O’Herlihy, Larry Hagman. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 112’.

En la base aérea de Omaha, EEUU, una alerta nuclear causada por error hará estallar la tensión militar con Moscú.

«Esta tensión entre la despiadada eficiencia de la maquinaria nuclear y el desbarajuste de la existencia humana también marca la estética de Punto límite. A la productora se le negó cualquier tipo de apoyo por parte del ejército estadounidense, hasta tal punto que ni siquiera se les permitió accede a material de archivo de aviones o instalaciones. Por tanto, Lumet (uno de los directores estadounidenses con más recursos) tuvo que coger el escaso metraje que pudo encontrar y repetirlo una y otra vez, a menudo usando trucos de montaje y etalonaje para fingir que eran planos diferentes. Esa repetición acaba por favorecer a la película: ver el mismo avión despegar cinco veces refuerza la idea de que estamos viendo una enorme y complicada maquinaria cobrar vida». (Bilge Ebiri).


19:30 · Sala 2 ·
El humor posbélico de la Ealing

La bella Maggie (The ‘Maggie’, Alexander Mackendrick, 1954). Int.: Paul Douglas, Alex Mackenzie, James Copeland, Abe Barker. Reino Unido. DCP. VOSE. B/N. 92’.

El capitán de una destartalada embarcación que recorre la costa escocesa engaña a un rico estadounidense para que contrate sus servicios por una suma de dinero disparatada.

«La sátira no estaba muy oculta. Sería una lástima, sin embargo, que se creyera que hay alguna intención maliciosa detrás. Puede ayudar a aclarar las cosas saber que tanto el protagonista como yo somos americanos. El salvaje e injusto tratamiento que recibe el americano, la manera sibilina de insultarle, unida a la injuria y a la indignación de hacer creer que este personaje está moralmente equivocado, formaban, para nosotros, parte de la gracia del chiste. Algunos críticos británicos también tildaron de intolerable la manera que tratamos al Sr. Marshall… Esto simplemente demuestra lo peligroso que es intentar ser gracioso cuando están en juego las relaciones internacionales». (Alexander Mackendrick).

Segunda proyección en junio.


20:30 · Sala 1 ·
Caroline Champetier. El sentido de la luz

Grandeza y decadencia de un pequeño comercio de cine (Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma, Jean-Luc Godard, 1986). Int.: Jean-Pierre Mocky, Marie Valera, Jean-Pierre Léaud, Caroline Champetier. Francia. DCP. VOSE. Color. 92’. Copia restaurada.

Regresando a los temas ya tratados en El desprecio o Pasión, la película relata la discusión entre un director, un productor y una actriz durante la filmación de una película barata.

«Si siento una especial conexión con el encuadre es también porque el momento de encuadrar es el momento en el que se modifica el ritmo de las acciones en el set, cuando el tiempo pasa a ser el de los actores, cuando me convierto en espectadora. Por eso todos mis sentidos se entregan al acto de encuadrar, un acto que, desafortunadamente, está hoy en el punto de mira. Al encuadrar y al observar el encuadre sentimos algo casi espiritual. El lugar del espectador, ya seas tú o yo en ese preciso momento, es un lugar de gracia porque está recibiendo algo. Es posible que esto sea lo que quería decir Godard cuando comentó que el cine se podría haber convertido en una religión». (Caroline Champetier).

Tras la proyección tendrá lugar una charla a cargo de la directora de fotografía, Caroline Champetier, en torno al proceso de restauración de la película y el trabajo con el director Jean-Luc Godard.

Duración total aproximada de la sesión: 130’.

 

Viernes 6 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

El hombre vestido de blanco (The Man in the White Suit, Alexander Mackendrick, 1951). Int.: Alec Guinness, Joan Greenwood, Cecil Parker, Michael Gough. Reino Unido. DCP. VOSE. B/N. 85’.

Un joven inventor descubre un nuevo tejido que no se mancha y no se rompe. Sin embargo, en lugar de alegría su descubrimiento solo le trae la ira de los trabajadores y empresarios del sector textil.

«Viendo su segunda película uno tiene, por momentos, la impresión de estar ante uno de esos mecanismos perfectos de relojería dramática que son las comedias de Lubitsch de los años 30. La fluidez y precisión con la que avanza el relato, la gestión del fuera de campo (véase el inteligente uso que de este recurso se hace en el fragmento que se ocupa de las sucesivas explosiones provocadas por el experimento), y, sobre todo, la impresión de estar contemplando un relato al que no le sobra ni uno solo de los planos que lo componen remiten, como digo, a la manera de hacer del cineasta berlinés». (Asier Aranzubia Cob).

Segunda proyección en junio.


19:30 · Sala 2 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Vampir-Cuadecuc (Pere Portabella, 1970). Int.: Christopher Lee, Herbert Lom, Soledad Miranda, Jack Taylor. España. DCP. VOSE. B/N. 67’.

A partir de materiales filmados durante el rodaje de El conde Drácula, de Jesús Franco, la película construye toda una serie de reflexiones y agresiones cuya diana es la narrativa cinematográfica convencional.

«Este film que vais a ver se ha hecho aprovechando el rodaje de un film español. La historia es esta, como podría haber sido otra; los autores nos la creemos tan poco como sus propios productores. El resultado de nuestro film quiere ser una tentativa de poner al descubierto el poder de sugestión del espectáculo cinematográfico, básicamente nefasto cuando no atiende a otros fines que el lucro y la dispersión. El hecho de desenmascarar el tema equivale para nosotros a denunciar un tipo de cine que creemos artística y humanamente caduco y castrador; y sobre todo denunciar la sociedad que cínicamente hace de él un instrumento para su continuidad». (Joan Brossa y Pere Portabella).


20:30 · Sala 1 ·
Caroline Champetier. El sentido de la luz

Un couple parfait (Nobuhiro Suwa, 2005). Int.: Valeria Bruni Tedeschi, Bruno Todeschini, Nathalie Boutefeu, Louis-Do de Lencquesaing. Japón, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 104’.

Tras varios años viviendo en Lisboa, una pareja decide divorciarse. Pero antes acuden como pareja a la boda de un amigo, donde dan la inesperada noticia.

«La proyección de las pruebas para A tout de suite, de Benoît Jacquot, había seducido a Suwa: la flexibilidad y la ligereza del encuadre, que tenía algo de aéreo también en el color (la película se terminó en blanco y negro), hizo que nos inclináramos por la cámara DVX 100 de Panasonic, que obliga a una manera de filmar en movimiento y cercana a los actores. Es un cuerpo que juega con el de ellos. Algunas secuencias de Un couple parfait piden sin duda esa energía en el encuadre; sin embargo, me parece imposible introducir “este cuerpo adicional”, por ejemplo, en las escenas de la habitación de hotel, en las que todo sucede en el espacio entre dos cuerpos que se alejan, se acercan, se golpean, se alejan de nuevo. Allí es necesario retirar la cámara, es decir, hay que elegir un lugar preciso desde el que se capte con cierta amplitud el espacio y donde los actores entren, salgan o permanezcan en campo. Hacen falta planos en los que la duración introduzca, igualmente, algo de humor en los personajes». (Caroline Champetier).

Presentación a cargo de la directora de fotografía, Caroline Champetier. Tras la proyección de la película tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 160’.

 

Sábado 7 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Filmoteca Junior

Haru en el reino de los gatos (Neko no ongaeshi, Hiroyuki Morita, 2002). Japón. DCP. VOSI/E. Color. 75’.

Una de las pocas producciones del Estudio Ghibli que no está dirigida por Hayao Miyazaki (El viaje de Chihiro) o Isao Takahata (La tumba de las luciérnagas), narra la historia de una joven que salva a un gato de ser atropellado y acaba viajando al mágico país del Rey de los Gatos para casarse con su hijo.

«Es una sucesión magistral de imágenes, que estimulan la curiosidad del espectador a través de la curiosidad de la propia protagonista. La fantasía emerge lentamente, con cuidadosos pasos felinos, hasta que se abren las compuertas e inunda la pantalla». (Ben Sachs).


19:30 · Sala 2 ·
The Women’s Event

The Hornsey Film (Patricia Holland, 1970). Reino Unido. DCP. VOSE. B/N. 60’.

«Una revuelta estudiantil narrada por los propios estudiantes, The Hornsey Film reconstruye los debates y acontecimientos que llevaron a la ocupación del Hornsey College of Art entre mayo y julio de 1968. A lo largo de seis semanas, la publicación y distribución de más de setenta documentos dio pie a un debate sobre la educación artística más allá de los confines de la universidad. Rodada por los estudiantes y el equipo docente pocos meses después del suceso, la película da voz a sus demandas en favor de una mayor autonomía frente a las estructuras educativas, así como reflexiones sobre las repercusiones personales y colectivas de su fallida revolución. […] El cierre reciente del Centre for Research in Modern European Philosophy en la Middlesex University, en julio de 2010, junto a otros intentos de privatizar aún más la educación, hablan sobre la validez de muchas de sus reivindaciones en contra de un modelo de universidad corporativa». (Marysia Lewandowska).

Antes de la proyección de The Hornsey Film se podrá ver el cortometraje Fakenham Film (Susan Shapiro, 1972).

Duración total de la sesión: 70’.


20:30 · Sala 1 ·
Caroline Champetier. El sentido de la luz

Holy Motors (Leos Carax, 2012). Int.: Denis Lavant, Edith Scob, Eva Mendes, Kylie Minogue. Francia, Alemania, Bélgica. DCP. VOSE. Color. 115’.

Un día en la vida de Monsieur Oscar, un hombre extravagante y misterioso con múltiples identidades.

«Desde un punto de vista cinematográfico, el guion estaba construido sobre imperativos técnicos contradictorios. […] Tuvimos que encontrar una cámara que pudiera sumergirse en la oscuridad casi absoluta, recoger la luz del día en exteriores, amaneceres, y permitir tomas en movimiento realizadas desde la pequeña cabina de una grúa o una dolly, al tiempo que aceptase el trabajo de efectos digitales. Todo esto se tenía que lograr con la ergonomía de una cámara como la DVX100 pero con un gran sensor. ¡Cada escena nos exigía resolver un desafío técnico que era, en muchos casos, el opuesto del anterior!» (Caroline Champetier).

Presentación a cargo de la directora de fotografía, Caroline Champetier.

Duración total aproximada de la sesión: 150’.

 

Domingo 8 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Caroline Champetier. El sentido de la luz

Las inocentes (Les innocentes, Anne Fontaine, 2016). Int.: Lou de Laâge, Agata Buzek, Agata Kulesza, Vincent Macaigne. Francia, Polonia. DCP. VOSE. Color. 115’.

Una joven médica, enviada por la Cruz Roja a la frontera polaco-alemana en los meses posteriores al final de la Segunda Guerra Mundial, decide ayudar en un convento de monjas tras descubrir que todas están embarazadas.

«Esta es mi tercera colaboración con Caroline, probablemente la persona más entregada y trabajadora que conozco. Por supuesto, habíamos hablado ampliamente sobre referentes pictóricos y estudiado obras del pasado, pero el reto era conseguir que todo pareciese vivo, que retuviese la belleza sin volverse estático. La pasión de Caroline fue clave para conseguir que la película fuera algo vivo y en movimiento». (Anne Fontaine).

Presentación a cargo de la directora de fotografía, Caroline Champetier.

Duración total aproximada de la sesión: 140’.


19:00 · Sala 2 ·
Generación TV-USA

Quiero la cabeza de Alfredo García (Bring Me the Head of Alfredo Garcia, Sam Peckinpah, 1974). Int.: Warren Oates, Isela Vega, Robert Webber, Gig Young. EEUU, México. DCP. VOSE. Color. 112’.

Un pianista estadounidense que malvive en México a base de tocar en un tugurio para turistas recibe el encargo de un cacique local que podría sacarle de la miseria: conseguir la cabeza de un hombre al que ambos odian.

«Quiero la cabeza de Alfredo García es simplemente una de las mejores películas estadounidenses, un grito prolongado y doloroso dirigido a una sociedad donde todos los valores han sido suplantados por etiquetas con su precio y en la que Warren Oates, el cada vez más desquiciado pianista de cantina, interpretado como si fuera una divinidad, un ser al que el dolor ha convertido en un suicida temerario y que intenta repetidamente determinar el precio de las vidas humanas tras el cañón de su pistola». (Nick Pinkerton)


21:30 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

A Run for Your Money (Charles Frend, 1949). Int.: Donald Houston, Meredith Edwards, Moira Lister, Alec Guinness. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 85’.

Dos hermanos de un pueblo de Gales viajan a Londres para asistir a un partido de rugby tras ganar un sorteo.

«Fundamentalmente eran buenas historias en sí mismas y nunca se sugirió que hubieran sido escritas en torno a grandes personalidades, esquemas predefinidos o rutinas cómicas. Si se compara las comedias de la Ealing con Chaplin, yo señalaría una diferencia fundamental de planteamiento: mientras que “el maestro” se convertía en esa figura simbólica del hombre corriente introducido en un contexto irreal, los poco convencionales personajes de las comedias Ealing vivían en el contexto realista de sus tareas diarias. Estas comedias reflejaban el estado anímico de la nación y sus condiciones y aspiraciones sociales». (Michael Bacon).

Segunda proyección en junio.

 

Martes 10 de mayo

 

18:00 · Sala 1 · Generación TV-USA

The Iceman Cometh (John Frankenheimer, 1973). Int.: Lee Marvin, Fredric March, Robert Ryan, Jeff Bridges, Bradford Dillman, Clifton James, Moses Gunn. EEUU. DCP. VOSE. Color. 239’.

Un grupo de borrachos se reúnen a diario en un tugurio de mala muerte. Un día, uno de ellos aparece y anuncia que ha dejado de beber, alterando por completo las vidas de los presentes. Adaptación de la obra de teatro homónima de Eugene O’Neill.

«La obra de O’Neill no solo era pura desesperanza, sino también tan larga que no llegó a producirse hasta 1946, siete años después de que fuese terminada. Se representa con poca frecuencia a pesar de ser la obra más ambiciosa del más grande los autores teatrales americanos. Eso hace que esta producción del American Film Theater suponga una aún mejor noticia. Era demasiado difícil convertir la obra en una película comercial al uso, pero ahora quedará para siempre conservada, con unas interpretaciones brillantes y una dirección virtuosa, como la versión fílmica definitiva». (Roger Ebert).

Sesión gratuita hasta completar el aforo; requiere reserva de butaca a través de la plataforma de venta online o en taquilla.


20:00 · Sala 2 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

El sopar (Pere Portabella, 1974-2018). España. DCP. VOSE. Color. 60’.

El día de la ejecución de Salvador Puig Antich, cinco presos políticos se reúnen a cenar y comparten sus experiencias en prisión. Esta versión, remontada por Pere Portabella en 2018, incluye una filmación al abogado de Puig Antich, Oriol Arau.

«Esta historia, por momentos llega de intriga, llega hasta hace bien poco. Indagando en torno a cómo la sombra de Puig Antich impregna El sopar, los profesores Jordi Balló y Alan Salvadó removieron al propio Pere Portabella, que añadió dos adendas fílmicas a su película: en la primera, el cineasta regresa a la masía donde rodó aquella cena; en la segunda, recupera el material que filmó en el despacho de Oriol Arau, abogado de Puig Antich. Esta segunda adenda fílmica supone la explicitación de aquel fantasma que sobrevuela toda la película. En esta escena, el letrado lee el expediente del joven anarquista, con tono quirúrgico, frío. El tono importa, pues pone en evidencia que lo que se discute a lo largo de la cena tiene que ver tanto con lo político como con el humanismo». (Violeta Kovacsics).

 

Miércoles 11 de mayo


17:00 · Sala 1 · El humor posbélico de la Ealing

Clamor de indignación (Hue and Cry, Charles Crichton, 1947). Int.: Alastair Sim, Jack Warner, Valerie White, Harry Fowler. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 82’.

Primera comedia de la Ealing, narra cómo un grupo de adolescentes investiga a una banda criminal tras descubrir su método de comunicación: los cómics semanales.

«El invierno de 1945-1946 fue excepcionalmente duro. Sufríamos los racionamientos con más severidad que durante la guerra. Clamor de indignación se proyectó por primera vez durante la semana más fría y aciaga de un febrero ruin. No había calefacción en la conferencia de prensa: los críticos estaban arrebujados en sus gabardinas y el suministro de bebidas estaba irremediablemente limitado. No podíamos creer que nuestro pequeño esfuerzo pudiera aliviar el pesimismo general. Sin embargo, nuestra película proporcionaba algo que se había convertido en otra rareza, la risa, y tuvo un recibimiento tan gozoso que se convirtió en un éxito instantáneo.» (T.E.B. Clarke).

Segunda proyección en junio.


19:30 · Sala 2 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Nocturno 29 (Pere Portabella, 1968). Int.: Lucia Bosé, Mario Cabré, Ramón Juliá, Luis Ciges. España. DCP. VOSE. Color y B/N. 78’.

Primer largometraje experimental del director, es una historia no-narrativa construida a partir de 29 fragmentos crípticos del día a día de una pareja adúltera. 29 eran también los años que llevaba la dictadura franquista en el poder cuando se rodó la película.

«En el cine las mejores películas son aquellas en las que se lleva a cabo una violencia hacia el mismo cine; Dreyer violenta el cine, así como Artaud violenta la escritura. Esto plantea una última pregunta: ¿Qué significa dominar lo específico de un lenguaje, qué quiere decir conocer un medio? Para mí conocer un lenguaje significa pensar y visualizar imaginativamente a partir del medio, recortar al máximo la distancia que hay entre los proyectos y el estadio de las ideas y el camino que se utiliza para su realización. El resultado de esta dialéctica ha de ser que el objeto creado se acerque al máximo posible a los proyectos iniciales, aunque sometidos a todos los «traumas» y alteraciones del propio proceso de creación hasta su materialización final. Para que esto ocurra es indudable que existe una parte objetiva que es necesario conocer y dominar». (Pere Portabella).


20:30 · Sala 1 ·
Tony Leblanc según Santiago Segura. La risa por delante

Los tramposos (Pedro Lazaga, 1959). Int.: Tony Leblanc, Concha Velasco, Antonio Ozores, Laura Valenzuela, Venancio Muro, José Luis López Vázquez, Carlos Díaz de Mendoza. España. 35 mm. Color. 81’.

Un timador de poca monta se enamora de la hermana de su compinche. Como ella desaprueba su modo de vida, los dos buscan formas, a cual más disparatada, para ganarse la vida de forma honrada.

«Para muchos yo pasé a la historia del cine español con la secuencia del timo de la estampita de este film. No me fue fácil interpretar este papel, en el que interpretaba a un supuesto tonto sin ser tonto, y a un minusválido que intentábamos que no se pareciese a ninguno. […] Con esta película logré fama y popularidad en muchos lugares del mundo, sobre todo en los países latinoamericanos. Es muy posible que haya interpretado películas mejores que esta, pero opino que ninguna que tuviera tanta efectividad humorística como Los tramposos». (Tony Leblanc).

Presentación a cargo de Santiago Segura, actor y director de cine. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración total aproximada de la sesión: 140’.

 

Jueves 12 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

Ella, él y sus millones (Juan de Orduña, 1944). Int.: Josita Hernán, Rafael Durán, Roberto Rey, Luchy Soto. España. BDG. B/N. 104’.

Un rico empresario obsesionado con pertenecer a la aristocracia se encuentra con una familia de nobles en la más absoluta bancarrota y decide casarse con una de las hijas.

«A Josita Hernán le hubiera gustado ser Yocasta alguna vez en su vida, pero aceptó cultivar su vis cómica porque creía contribuir modestamente en esa pequeña ración de inocencia ilusoria que tanta falta hizo en la posguerra. La representación de la tontería requiere de una inteligencia refinada que pueda comprender que la estulticia de la niña boba guarda una valiosa lección de bondad». (Alba Gómez García)

Presentación del libro Vivir del teatro. Los exilios de Josita Hernán, a cargo de la autora, Alba Gómez García, y Emilio Gutiérrez Caba, actor.

Duración total aproximada de la sesión: 130’.


20:30 · Sala 1 ·
Sesión especial

Dali in New York (Jack Bond, 1965). EEUU, Reino Unido. BDG. VOSE. B/N. 57’.

En 1965, el cineasta Jack Bond siguió al pintor Salvador Dalí durante dos semanas para esta película en la que se mezcla material documental con escenas puramente “dalinianas”.

«A ratos convertido en actor, otras en filósofo, Dalí es un gran sujeto de análisis para un cineasta. Bond simplemente deja que haga lo que quiera. En los tiempos muertos en los que el pintor no está realizando excentricidades como besar a una escultura o tumbarse en un ataúd cubierto de monedas de oro mientras alguien rompe un huevo lleno de hormigas sobre su boca, la cámara de Bond se pasea por la obra de Dalí a ritmo de flamenco. Incluso consigue que el artista responda de forma honesta a algunas preguntas, como el momento en el que habla sobre la importancia de la muerte y el erotismo en su trabajo, o por qué la cibernética es más importante que el arte». (Barbara Herman).

Presentación a cargo del director, Jack Bond, y Joan Bofill-Amargós, artista visual y cineasta. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público y se hará entrega a Jack Bond del premio honorífico de The Raymond Russell Society.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.


21:30 · Sala 2 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

El diablo (Diabel, Andrzej Zulawski, 1972). Int.: Leszek Teleszynski, Wojciech Pszoniak, Malgorzata Braunek, Iga Mayr. Polonia. DCP. VOSE. Color. 119’. Copia restaurada por DI Factory.

En 1793, un joven es salvado de los prusianos por una misteriosa figura que le guiará por Polonia, en un viaje de corrupción y decadencia moral, hasta la locura.

«Cuando estábamos rodando El diablo, el paralelismo era con la forma en que la policía secreta (que era la policía comunista) se aprovechó de los jóvenes polacos y su idealismo para organizar manifestaciones y echar del poder a algunas personas en favor de otras personas que querían ese poder. Toda esa gente era tan sucia, tan desagradable, me resultaba tan odiosa que sentía que tenía que mostrarles en la película. Pero como no podía hacerlo abiertamente, pues les vestí con trajes y máscaras del siglo XVIII, con la esperanza de que las implicaciones contemporáneas de la manipulación política resultasen finalmente aparentes». (Andrzej Zulawski).

 

Viernes 13 de mayo

 

17:00 · Sala 1 · El humor posbélico de la Ealing

Oro en barras (The Lavender Hill Mob, Charles Crichton, 1951). Int.: Alec Guinness, Stanley Holloway, Sidney James, Alfie Bass, John Gregson... Audrey Hepburn. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 78’.

El supervisor que vigila el traslado de lingotes de oro de un banco de Inglaterra se alía con su vecino para robar el botín a través de un plan impensable: esconder el oro en suvenires de la Torre Eiffel.

«Oro en barras es ante todo el largometraje con mayores trazas de comedia de las comedias Ealing, valga la redundancia, o en todo caso, esta sensación es provocada porque su sustancia artística se empapa de cualidades de las screwball americanas, un género humorístico más reconocido a nivel popular, y, salvando las excepciones, más llano también. Cierto; aun conservando las pulsaciones ingénitas en los productos británicos, es difícil no vincular los gags del filme de Crichton con la imperecedera obra de los Hermanos Marx, adelantándose por si fuera poco al primer y más divertido Woody Allen». (Juan M. Corral).

Segunda proyección en junio.


20:00 · Sala 2 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

La fidelidad (La fidélité, Andrzej Zulawski, 2000). Int.: Sophie Marceau, Pascal Greggory, Guillaume Canet, Michel Subor, Magali Noël, Édith Scob. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 166’.

Una fotógrafa se involucra emocionalmente con tres hombres distintos: un editor de libros infantiles, un periodista gráfico y el dueño de la revista para la que trabaja ella.

«Esta es una película acerca del deseo y la exclusividad, sobre la dificultad y el dolor de amar. En la pasión no hay nada estereotipado, ya que, cuando se ama, se está en movimiento, sometido a una dinámica incontrolable. Esa es la pasión, y en ella no hay moral, nada moralizador, eso es lo que me atrapó de la historia y de mi personaje». (Sophie Marceau).


21:00 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

Un pez llamado Wanda (A Fish Called Wanda, Charles Crichton, 1988). Int.: Kevin Kline, Jamie Lee Curtis, John Cleese, Michael Palin, Tom Georgeson, Stephen Fry. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 108’.

Cuatro ladrones atracan una joyería. Cuando el jefe es arrestado, el resto tratará por todos los medios de averiguar donde ha escondido el botín.

«Uno de sus puntos fuertes es su mezquindad. Hollywood es a veces capaz de hacer comedias sobre gente malvada (con frecuencia mostrados como héroes), pero solo en Inglaterra tratan los pecados de la vanidad, la avaricia y la lascivia con la riqueza cómica que merecen. Un pez llamado Wanda es algo así como una producción atlántica, un preciso trabajo de colaboración entre sus dos estrellas estadounidenses (Curtis y Kline) y los británicos veteranos de Monthy Python (Cleese y Palin). Pero no es que hayan cedido en nada; se trata, básicamente, de una comedia británica de finales de los 50 en la que los estadounidenses aparecen y dicen todo aquello que los personajes británicos jamás se atreverían a decir». (Roger Ebert).


Sábado 14 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Hermína Týrlová. Una historia en cada objeto

Las aventuras de la hormiga Ferdy:

- Ferda Mravenec (Hermína Týrlová y Ladislav Zástera, 1944). Checoslovaquia. 35 mm. B/N. 9’.
- The Adventures of Ferda the Ant (Príhody Ferdy Mravence, Hermína Týrlová, 1977). Checoslovaquia. 35 mm. Color. 17’.
- Ferda in the Anthill (Ferda v mravenisti, Hermína Týrlová, 1977). Checoslovaquia. 35 mm. Color. 16’.
- Ferda in Captivity (Ferda v cizích sluzbách, Hermína Týrlová, 1977). Checoslovaquia. 35 mm. Color. 10’.

Esta sesión recopila los cuatro cortometrajes que Hermína Týrlová dirigió en torno al personaje de la hormiga Ferdy, protagonista de una serie de libros infantiles escritos por Ondrej Sekora que, gracias al trabajo de Týrlová (y posteriormente a la serie de animación de los años 80), adquirió fama mundial.

Duración total de la sesión: 52’.


18:30 · Sala 2 ·
Generación TV-USA

Elisa (David & Lisa, Frank Perry, 1962). Int.: Keir Dullea, Janet Margolin, Howard Da Silva, Neva Patterson. EEUU. 16 mm. VOSE. B/N. 95’.

Un joven aterrorizado por la idea de que el contacto físico le supondría la muerte es ingresado en una institución psiquiátrica. Allí conoce a una joven y los dos inician una relación que es vista con malos ojos por todos los que les rodean.

«Muchos críticos reconocieron en Elisa una estética alternativa que rompió con el pulcro aspecto del cine de Hollywood, y un desarrollo dramático que evidenciaba una profundidad psicológica en sus personajes principales que las propuestas más comerciales de la industria no podían duplicar. El amplio despliegue emocional de estos personajes, unido al hecho de que estaban interpretados por actores desconocidos, hizo que muchos estadounidenses apreciaran en Elisa una madurez artística que les recordaba a las mejores representaciones del “cine artístico” europeo». (Paul Monaco).


21:00 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

La posesión (Possession, Andrzej Zulawski, 1981). Int.: Isabelle Adjani, Sam Neill, Margit Carstensen, Heinz Bennent. Francia, RDA. DCP. VOSE. Color. 124’. Copia restaurada por Le chat qui fume.

Una mujer deja a su marido inexplicablemente. Lo que al principio parece una infidelidad se revela poco a poco como una siniestra y extraña locura.

«Es, de muchas maneras, un melodrama clásico, un “culebrón reprimido”. Lo que hace de La posesión una película tan única es que se atreve a deshacerse de las barreras logísticas, acentuando la desnudez de las emociones, que se nos presentan como si fueran heridas abiertas. Esto se refleja en la forma en que Zulawski dirige a sus actores. Tanto Adjani como Neill parecen estar en un estado de convulsión cataclísmica durante la mayoría del film: sus cuerpos están constantemente sumidos en un movimiento sin rumbo, sacudiéndose y tambaleándose como si quisieran exorcizar algún tipo de maldad innombrable». (Victor Galstyan).

 

Martes 17 de mayo


17:00 · Sala 1 · Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Cortometrajes de Pere Portabella III:

- Art a Catalunya (Pere Portabella, 1992). España. 35 mm. VOSE. Color. 31’.
- La tempesta (Pere Portabella, 2003). España. DCP. B/N. 6’.
- Plan Hidrológico Nacional (Pere Portabella, 2004). España. DCP. Color. 4’.
- Visca el piano! (No al no) (Pere Portabella, 2006). España. DCP. Color. 12’.

Cuatro piezas rodadas por Pere Portabella, ya en democracia. En la primera, Art a Catalunya, Portabella recorre la historia del arte catalán acompañado por comentaristas de la talla de Pere Gimferrer, Susana Solano, Ricardo Bofill y Antonio Tápies. Las tres siguientes piezas fueron diseñadas como parte de otros proyectos: dos de ellas, La tempesta y Visca el piano! (No al no), están relacionadas con el trabajo del compositor Carles Santos, mientras que Plan Hidrológico Nacional es la aportación de Pere Portabella al largometraje Hay motivo.

Duración total de la sesión: 53’.


20:30 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

Mes nuits sont plus belles que vos jours (Andrzej Zulawski, 1989). Int.: Sophie Marceau, Jacques Dutronc, Valérie Lagrange, Myriam Mézières. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 110’.

Un hombre que padece una enfermedad terminal que le hace perder la memoria pasa sus últimos momentos junto a una mujer que también tiene una relación íntima con la muerte.
«La función de la narración, los juegos de palabras e incluso la confesión (sus respectivos pasados traumáticos y el resultante dolor emocional une a los protagonistas quizá incluso más que la atracción sexual) es lo que diferencia al protagonista y a Mes nuits sont plus belles que vos jours de otros relatos sobre hombres mayores que se enamoran de personas más jóvenes junto al mar. Los ejemplos clásicos de la literatura, como Muerte en Venecia, Lolita o incluso El gran Gatsby, normalmente implican que su protagonista imponga una elaborada fantasía sobre su objeto de deseo, mientras que el protagonista aquí se acerca a la protagonista desde un lugar de inocencia, desde un deseo genuino de conocer en lugar de poseer». (Samm Deighan).

Segunda proyección en junio.

 

Miércoles 18 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Tony Leblanc según Santiago Segura. La risa por delante

El hombre que se quiso matar (Rafael Gil, 1970). Int.: Tony Leblanc, Antonio Garisa, Elisa Ramírez, Rafael Alonso, Aurora Redondo, Emma Cohen, José Sacristán, Julia Caba Alba, Alfonso del Real. España. 35 mm. Color. 91’

Tras perder su trabajo como profesor de latín y la relación que tenía con su novia, un hombre intenta, repetidamente y sin éxito, suicidarse. A la vista de su fracaso, decide que ha llegado la hora de vengarse.

«Esta película, junto a Los tramposos y La Revoltosa, es para mí la mejor interpretación cinematográfica de mi carrera. […] Esta fue la segunda vez que Rafael Gil dirigió esta película. La primer la hizo en blanco y negro, protagonizada por Antonio Casal, con un guion muy inferior al que yo tuve la suerte de interpretar. Bien por el color, bien por el guion o bien porque Rafael Gil ya sabía su oficio, esta versión fue muy superior a la anterior. Creo que resolví fenomenalmente bien los altibajos de cobardía y valentía de mi personaje. Por ello me permito reiterar que estoy muy orgulloso de mi trabajo» (Tony Leblanc).


19:30 · Sala 2 ·
El humor posbélico de la Ealing

Pasaporte para Pimlico (Passport to Pimlico, Henry Cornelius, 1949). Int.: Stanley Holloway, Betty Warren, Barbara Murray, Paul Dupuis. Reino Unido. DCP. VOSE. B/N. 84’.

Un grupo de habitantes de Londres descubre por accidente que su barrio pertenece en realidad a la Borgoña francesa, por lo que sus habitantes se declaran independientes e imponen un “pasaporte para Pilmico”.

«Aquí, la nueva fórmula cómica encuentra sus elementos constitutivos: un trasfondo contemporáneo realista, una situación “a-normal” llevada hasta el absurdo y, por último, una buena dosis de ese tipo de sátira que hace reír sin perder la compostura. Porque Pasaporte para Pilmico es ante todo una sátira de la paz tan peculiar entonces existente. “La denuncia moderada del reglamentismo de la sociedad de entonces” precisa Balcon. Con los laboristas en el poder, el monstruo burocrático se hace omnipresente». (Philippe Pilard).

Segunda proyección en junio.


20:30 · Sala 1 ·
Fernando Fernán Gómez: Coda / Flores en la sombra

El mensaje (Fernando Fernán Gómez, 1953). Int.: Fernando Fernán Gómez, Elisa Montes, José María Lado, José María Mompín, Antonio Prieto, Rafael Romero Marchent, Manuel Alexandre. España. DCP. B/N. 82’. Nueva digitalización a cargo de Filmoteca Española.

Estrenamos en el Doré la reciente digitalización llevada a cabo en el Centro de Conservación y Restauración de Filmoteca Española de la segunda película dirigida por Fernando Fernán Gómez, un relato de aventuras que se desarrolla durante la Guerra de Independencia española.

«Yo intentaba hacer un cine como para chicos, para adolescentes, los que están en la edad que les gusta el cine de aventuras y la literatura de aventuras. Todo partía de mi afición a Emilio Salgari, los folletinistas y los tebeos, porque yo he sido un gran lector de lo que ahora llaman cómics. […] En lo económico me inspiraba en El tesoro de Sierra Madre, y me dije, si hago una película en la que todo pase entre la sierra de Madrid y la Casa de Campo, evidentemente será una propuesta muy económica. En esto sí tuve razón, porque nos salió una película evidentemente muy barata. Lo que ocurre es que esta película la pasamos, un día como por sorpresa, para un público en un cine lleno para ver la acogida. Le dijimos al dueño del cine de Guadarrama, donde habíamos rodado, que le dejábamos la película gratis, antes de que estuviera distribuida ni nada, para comprobar la reacción del público. Y aquel hombre dijo, “yo encantado, aquí en Guadarrama con poner el nombre de usted se llena el cine”. Y yo pensé que habíamos hecho un negocio maravilloso, porque el nombre que tiene ahí es el mío, así que se van a llenar los cines y el negocio está hecho porque el costo ha sido muy económico. Y pasamos la película, la acogida fue sensacional, el cine se llenó, la gente se rio en las cosas que tenía que reírse, estuvieron en profundo silencio en toda la parte de aventuras, y al final me felicitó el dueño del cine y me dijo que nos íbamos a hacer de oro. Esta película luego no fue a verla nadie, nunca, en ningún sitio. Se consiguió una distribuidor, no me acuerdo cuál era, especializada en este tipo de cine que no iba a ver nadie. No sé en qué consistiría el negocio de esta distribuidora. […] La película fue un fracaso de crítica y de afluencia de público. Solo un muchacho, una vez, me dijo: “¿Por qué en España no se hacen más películas como El mensaje?” Era mi hijo, es el único juicio favorable que recibí de la película». (Fernando Fernán Gómez).

Presentación a cargo de Filmoteca Española.

Duración total aproximada de la sesión: 100’.

 

Jueves 19 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Generación TV-USA

El beso mortal (Kiss Me Deadly, Robert Aldrich, 1955). Int.: Ralph Meeker, Maxine Cooper, Albert Dekker, Paul Stewart, Juano Hernández. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 106’.

Un detective privado se ve envuelto en un peligroso caso cuando detiene su coche para ayudar a una misteriosa mujer que ha huido de un centro psiquiátrico.

«En los films de Robert Aldrich, no es raro descubrir una idea por plano. La riqueza de invención es tal que llegamos a no saber qué mirar en esas imágenes tan ricas y pequeñas. Al ver una película de esta clase, se vive tan intensamente que a uno le gustaría que durara varias horas. Se intuye fácilmente que su autor, un hombre desbordante de vitalidad, se lo pasa tan bien detrás de la cámara como Henry Miller delante de las cuartillas. Esta es la película de un cineasta joven con talento y que no se preocupa todavía de eliminar las contradicciones, que crea con una libertad, con una alegría parecidas a las de Jean Renoir cuando, con la misma edad de Aldrich, rodaba en el bosque de Fontainebleau un Tire au flanc descabellado». (François Truffaut).


19:30 · Sala 2 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Puente de Varsovia (Pere Portabella, 1989). Int.: Carme Elias, Francisco Guijar, Jordi Dauder, Ona Planas. España. DCP. VOSE. Color. 85’.

A partir de un triángulo romántico, la película explora las formas de una nueva Europa que celebra el fin de la Guerra Fría y parece haber olvidado las tragedias del siglo XX.

«Auténtico asteroide en medio del ramplón cine español de los ochenta (y búsquense las excepciones que se quiera a esta regla), Puente de Varsovia retoma a la altura de los nuevos tiempos, la radicalidad expresiva de los anteriores filmes de su autor. Si bien es verdad que aquí ya “no se da la espalda al argumento” (son palabras del propio Portabella), no es menos cierto que la estructura fílmica elegida no deja de ser sanamente provocadora: partir de un fait divers en el límite de lo verosímil, proponer un flash-back que apenas se delata como tal, adoptar un forma arbórea que hace de muchas secuencias auténticos cul-de-sac narrativos, hacer suyas las máscaras de ciertos géneros en los que no se cree, enfatizar la dimensión puramente plástica de la imagen cinematográfica (la hermosísima secuencia de arranque, los títulos de crédito)». (Santos Zunzunegui).


21:30 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

L’amour braque (Andrzej Zulawski, 1985). Int.: Sophie Marceau, Francis Huster, Tchéky Karyo, Christiane Jean. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 101’.

Dos hombres se hacen amigos tras robar un banco. Sin embargo, cuando ambos se enamoran de la misma mujer su amistad salta por los aires.

«Recordemos que Dostoievski no se pasa quinientas páginas filosofando en Crimen y castigo antes de que tenga lugar el crimen de Raskolnikov; hay un impacto brutal dentro de las primeras cien página, seguido de otro tan injusto e inesperado que es una bofetada en la cara, y a ese ya le sigue la larga e íntima lucha de Raskolnikov con la inmensidad de su culpa. L’amour braque es así: una película llena de acción para aquellos que quieran discutir sobre qué es la moralidad, de que van el amor, la confianza y la bondad y sobre lo difícil que es reconocerlas en un mundo de pesadilla, loco e impredecible». (Jeremiah Kipp y Derek Smith).

Segunda proyección en junio.

 

Viernes 20 de mayo

                                                                                                                                                                                                      17:00 · Sala 2 · El humor posbélico de la Ealing

The Magnet (Charles Frend, 1950). Int.: James Fox, Stephen Murray, Kay Walsh, Meredith Edwards. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 79’.

Tras robar un potente imán, un niño se ve envuelto en toda clase de extravagantes aventuras.

«Es posible que la Ealing defendiese un retorno a las cualidades británicas más clásicas, pero en esta película tanto el protagonista como el director trazan una fina línea entre el joven alumno de escuela privada y el chico pendenciero de la calle. El personaje principal se avergüenza cuando su madre le besa frente a un taxista, pero no tarda mucho en ser asimilado por la pandilla de Merseyside, un grupo de chavales con una energía similar a la del joven protagonista. Esta mezcla de integridad y sentido del humor permite al protagonista mostrar una saludable capacidad de autodeterminación de la juventud británica, sin importar si se mezcla con chavales de su propia clase, con jóvenes de clase trabajadora o inmigrantes». (Colin Sell).

Segunda proyección en junio.


19:30 · Sala 1 ·
Sala:B

“Sala:B” y María José Cantudo:

- Secuestro (León Klimovsky, 1976). Int.: María José Cantudo, Paul Naschy, Máximo Valverde, Luis Prendes. España. 35 mm. Color. 85’.

- La vida, el amor y la muerte (Historias burlescas) (Carlos Puerto, 1981). Int.: María José Cantudo, Héctor Alterio, Azucena Hernández, Agustín González. España. 35 mm. Color. 98’.

«Sala:B» se viste de gala para homenajear a la actriz María José Cantudo, musa de la época dorada del cine de barrio y auténtico icono del fin de la censura. Cuando en octubre de 1976 se empieza a rodar Secuestro, María José Cantudo estaba en un momento clave de su carrera cinematográfica: a principios de año se había estrenado La trastienda y su desnudo integral había pasado a formar parte de la cultura pop del país, echándole valor al esperado final de la censura franquista. La película de Grau procedía del jugoso contrato entre La Cantudo (ya con su artículo determinando autenticidad) y el productor José Frade para rodar seis películas, tras haber despegado participando en fotonovelas y clásicos del fantaterror como  El espanto surge de la tumba o El asesino no está solo. Muy a menudo Paul Naschy la pretendió como partenaire y en Secuestro consiguió que La Cantudo cayera rendida a sus encantos, ella como millonaria con síndrome de Estocolmo y él como líder de una banda criminal. No por casualidad firmaba el guion como Jacinto Molina, junto a Antonio Fos, guionista de confianza de Eloy de la Iglesia. Podríamos percibir la mano de Fos en algunas alusiones a la actualidad política, Patty Hearst incluida, pero sobre todo en la insólita caracterización del ex torero y galán Máximo Valverde como villano homosexual. Teresa Gimpera, Tony Isbert, María Luisa Ponte o Gemma Cuervo completan el rutilante reparto, pero es el dúo Cantudo-Naschy de la secuencia final el que entra en la categoría de hallazgo ideal para un hipotético Tarantino a la española.

Continuamos la sesión con una rareza: La vida, el amor y la muerte (Historias burlescas) donde María José Cantudo realiza un sorprendente trabajo de metaficción, interpretando a una actriz harta de ser objeto sexual para vender películas, discos o productos de consumo. Una extraña mutación pondrá patas arriba su carrera y la de su pareja Paco Valladares, dando pie a uno de los finales más queer del cine español. Se trata de la segunda trama de esta desconocida película de episodios escrita y dirigida por Carlos Puerto (Escalofrío, 1978), que intenta aquí una comedia decameroniana alrededor de tres abanderadas de nuestra serie B: La Cantudo, Azucena Hernández y Silvia Aguilar. Los tres relatos sirven además como crítica mordaz al patriarcado de este país, señalando directamente a pilares como la iglesia, la familia, el fútbol o los medios de comunicación». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo de la actriz María José Cantudo y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración total aproximada de la sesión: 210’.


20:30 · Sala 2 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

El silencio antes de Bach (Pere Portabella, 2007). España. DCP. VOSE. Color. 97’.

Ensayo cinematográfico que, partiendo de la importancia de la obra de Johann Sebastian Bach, explora las formas en que música e imagen interactúan y se relacionan entre sí.

«La primera historia de ficción que vemos es la de un camionero que, como descubrimos más tarde, es capaz de interpretar piezas de Bach en un oboe y tiene un compañero que hace lo mismo con una armónica. Portabella jamás pierde el sentido del humor, incluso cuando está inmerso en la grandiosidad de la música y la seriedad de las ideas. […] El silencio antes de Bach nunca lleva su meditación sobre la música a los extremos de Straub/Huillet, pero su delicadeza y suavidad, su elocuencia y su capacidad para escapar de sus propios límites ofrecen una sabia y transparente mirada del mundo, de la forma en que lo entendemos a través de la música». (Daniel Kasman).

Antes de la proyección de El silencio antes de Bach se podrá ver el cortometraje Mudanza (Pere Portabella, 2008).

Duración total de la sesión: 117’.

 

Sábado 21 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Hermína Týrlová. Una historia en cada objeto

Lana, madera y otros materiales

- Two Balls of Wool (Dve klubícka, Hermína Týrlová, 1962). Checoslovaquia. DCP. Color. 9’.
- The Glass Marble (Kulicka, Hermína Týrlová, 1963). Checoslovaquia. DCP. Color. 9’.
- Vlnená pohádka (Hermína Týrlová, 1964). Checoslovaquia. DCP. Color. 9’.
- The Blue Apron (Modrá zásterka, Hermína Týrlová, 1965). Checoslovaquia. DCP. Color. 8’.
- Uspávanka (Hermína Týrlová, 1979). Checoslovaquia. DCP. Color. 5’.
- Pohádka na snure (Hermína Týrlová, 1985). Checoslovaquia. DCP. Color. 8’.

La segunda sesión de cortometrajes de animación de Hermína Týrlová ofrece seis piezas en las que la animadora checa experimenta con tejidos, figuras de madera y objetos de la vida cotidiana.

Duración total de la sesión: 49’


19:00 · Sala 2 ·
The Women’s Event

Reason over Passion (Joyce Wieland, 1969). Canadá. 16 mm. VOSE. Color y B/N. 80’.

Película experimental compuesta por la interrelación de paisajes filmados desde vehículos y el discurso del primer ministro canadiense, generando nuevas significaciones.

«Esta obra maestra de Joyce Wieland de 1969, raras veces proyectada, es un hito injustamente olvidado del cine de vanguardia. Estructurada en torno a un viaje por las autopistas canadienses, una serie de carreteras de dos carriles que serpentean a través de bosques y montañas, ofrece una serie de imágenes muy diferentes a las de los viajes por Estados Unidos. La repetición de los paisajes y la forma en que cada plano de limpiaparabrisas empieza a parecer igual que el anterior choca con la sensación de libertad; Wieland conecta sus imágenes no para unir dos pedazos de territorio sino para sugerir los espacios entre ellos que no vemos. Sobreimpuestos en los paisajes están los anagramas de la frase “la raison avant la passion”, extraída de un discurso del antiguo primer ministro canadiense, Pierre Trudeau. Pero la fuerza poética de los paisajes, así como la forma en que Wieland juega con los anagramas, parece sugerir una defensa de la pasión por encima de la razón». (Fred Camper).


21:30 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing

Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronets, Robert Hamer, 1949). Int.: Dennis Price, Alec Guinness, Valerie Hobson, Joan Greenwood. Reino Unido. 35 mm. VOSE. B/N. 106’.

Un joven pobre y sin escrúpulos, descendiente del duque de D'Ascoyne, urde un plan para asesinar a todos sus familiares hasta alzarse con el codiciado título nobiliario.

«Hamer se vengó de los valores familiares haciendo una película que, según explicó, “no mostraba ningún respeto por las convenciones morales más asentadas, aunque no practicadas”. […] Si la película nunca acaba de sentirse “típicamente Ealing” es en parte porque muy poco de ella se rodó allí. Ealing era (y sigue siendo) un estudio pequeño incapaz de albergar más de tres producciones a la vez, pero ocurrió que cinco películas estaban en proyecto el verano de 1948. […] Esto permitió que Hamer, además de contar con los servicios del director de fotografía con más talento de la Ealing, Douglas Slocombe, tuviese acceso a los estudios Rank y su equipamiento de última generación, lo que otorga a la imagen de la película un acabado elegante y pulcro que pocas otras producciones Ealing pueden igualar». (Philip Kemp).

Segunda proyección en junio.

 

Domingo 22 de mayo


12:00 · Sala 1 · Filmoteca en familia

Y en los inicios… ¡había un piano!

- El caballo en movimiento (The Horse in Motion, Eadweard Muybridge, 1887). DCP. Reino Unido. B/N. 1’.
- La salida de los obreros de la fábrica Lumière (La Sortie de l'usine Lumière à Lyon, Louis Lumière, 1895). Francia. DCP. B/N. 1’.
- La llegada del tren a la estación (L'arrivée d'un train à La Ciotat, Louis Lumière, 1895). Francia. DCP. B/N. 1’.
- Viaje a la Luna (Le voyage dans la lune, Georges Méliès, 1902). Francia. DCP. B/N. 13’.
- Un piano irresistible (Le piano irrésistible, Alice Guy, 1907). Francia. B/N. 4’.
- Una heroína de cuatro años (Une héroïne de quatre ans, Alice Guy, 1907). Francia. B/N. 6’.
- Vecinos (Neighbors, Edward F. Cline y Buster Keaton, 1920). EEUU. B/N. 20’.

Siete piezas de cine mudo, acompañadas de música y narración en directo, que ofrecen un viaje musical y visual por los inicios del cine, que ayudará a los más pequeños a comprender cómo nació el cine y la importancia que tuvo su aparición.

Sesión gratuita hasta completar aforo; requiere reserva de butaca a través de la plataforma de venta online. Música en directo a cargo del compositor e intérprete Jorge Gil Zulueta; acompañamiento narrativo a cargo de la actriz Sara Checa.

Duración total aproximada de la sesión: 60’.


17:00 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

Lo importante es amar (L'important c'est d'aimer, Andrzej Zulawski, 1975). Int.: Romy Schneider, Fabio Testi, Jacques Dutronc, Claude Dauphin. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 109’.

Un fotógrafo conoce a una actriz especializada en películas porno de bajo presupuesto y, con la intención de ayudarla a salir del mundo de la pornografía, pide prestado dinero para levantar una producción teatral.
«Si la definición “pornografía de los sentimientos” tuviese un significado positivo —normalmente se utiliza de forma peyorativa— lo sería gracias a películas como Lo importante es amar, cuyo trascendental título es más que eso, es un subrayado, un recuerdo. Zulawski subvierte el melodrama romántico, también lo sublima, y lo hace hasta extremos impensables, y sobre todo, intencionadamente incómodos. Lo que narra esta película no nos gusta, porque saca nuestras miserias. Pero es imposible olvidar esa historia surgida a partir del cruce de miradas entre Romy Schneider y Fabio Testi». (Alberto Abuín).


19:30 · Sala 2 ·
Tony Leblanc según Santiago Segura. La risa por delante

Historias de la televisión (José Luis Sáenz de Heredia, 1965). Int.: Tony Leblanc, Concha Velasco, José Luis López Vázquez, Antonio Garisa, Alfredo Landa, Gracita Morales, Antonio Ozores, Rafaela Aparicio, José Calvo, José Alfayate, Manuel Alexandre, José Luis Coll, Paco Morán. España. 16 mm. Color. 114’.

Dos relatos, en apariencias desconectados, en torno a la televisión: los avatares de un joven endeudado y la historia de una cantante que quiere alcanzar la fama.

«La película saca partido del entonces incipiente olimpo televisivo, utiliza la parafernalia de alguno de sus programas más afamados y pone al servicio de la vis cómica de Tony Leblanc los concursos que, por aquellos días, ocupaban un lugar destacado en la parrilla de la televisión. Precisamente en el disparate de algunas de estas situaciones, casi todas a cargo de Tony Leblanc, se encontrarán los mejores momentos de una película que tampoco le hace ascos a la publicidad». (Santos Zunzunegui).


20:30 · Sala 1 ·
Generación TV-USA

Sillas de montar calientes (Blazing Saddles, Mel Brooks, 1974). Int.: Cleavon Little, Gene Wilder, Slim Pickens, Harvey Korman. EEUU. DCP. VOSE. Color. 93’.

Con la esperanza de hacerse con una serie de terrenos a punto de revalorizarse, el malvado ayudante del gobernador diseña un plan para que los habitantes de una pequeña ciudad se sientan obligados a mudarse. Sin embargo, una parte de su plan se vuelve en su contra: el primer sheriff negro de todo el Salvaje Oeste.

«Hay algunas personas que literalmente siempre se salen con la suya, pueden decir cualquier cosa, hacer cualquier cosa, y la gente se lo permitirá. Otras personas intentan hacer una broma levemente grosera y sin embargo provocan un silencio sepulcral en una fiesta. Mel Brooks no solo es miembro del primer grupo, es su presidente vitalicio. En el mejor de los casos, su comedia opera en áreas tan alejadas del gusto que -para acuñar su propia expresión- se eleva por debajo de la vulgaridad. Sillas de montar calientes es así. Es una película enloquecida que hace todo lo posible para mantenernos riendo, excepto golpearnos en la cabeza con un pollo de goma». (Roger Ebert).

 

Martes 24 de mayo


18:30 · Sala 2 · Jonas Mekas. Destellos de vida

Birth of a Nation (Jonas Mekas, 1997). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 85’.

Recopilación en esbozos de ciento sesenta artistas underground rodados durante cuatro décadas.

«Me hallo en medio de las autopistas de la información, riendo, porque una mariposa sobre una pequeña flor en China acaba de batir sus alas, y sé que la historia entera, la cultura, cambiará drásticamente a causa de ese batir. Una cámara de Súper 8 mm acaba de emitir un pequeño zumbido en alguna parte del Lower East Side de Nueva York, y el mundo no volverá a ser el mismo. La auténtica historia del cine es historia invisible: historia de amigos que se unen y hacen aquello que aman. Para nosotros, el cine está comenzando con cada nuevo zumbido del proyector, de nuestras cámaras. Con cada nuevo zumbido de nuestras cámaras, nuestros corazones saltan hacia delante, amigos míos». (Jonas Mekas).


21:30 · Sala 2 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

Szamanka (Andrzej Zulawski, 1996). Int.: Boguslaw Linda, Iwona Petry, Piotr Machalica, Pawel Burczyk. Polonia. 35 mm. VOSE. Color. 110’.

Un investigador obsesionado con el estudio de un chamán momificado conoce a una enigmática e impredecible estudiante.

«No mucho se ha escrito sobre Zulawski, y prácticamente nada en inglés, pero cuando se le describe es como un simple hiperbólico. Sin embargo, su sensibilidad es claramente surrealista, no tanto en términos de imaginería (que es a menudo realista, aunque absurda) como de erupción emocional, textura confusa, adoración del amor loco y anarquía tonal. Es la actitud de la que los pioneros surrealistas se apropiaron en los años 20, partiendo de Sade, Mallarmé, Lautremont, Vache, Artaud…» (Michael Atkinson).

Segunda proyección en junio.

 

Miércoles 25 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

Boris Godunov (Boris Godounov, Andrzej Zulawski, 1989). Int.: Ruggero Raimondi, Kenneth Riegel, Bernard Lefort, Delphine Forest. Francia, España, Yugoslavia. 35 mm. VOSP/E. Color. 118’.

Aproximación poco convencional a la popular ópera de Mussorgsky, que sigue la historia de un cruel zar ruso a finales del siglo XVI. Esta versión introduce una serie de cambios sobre la obra original, tanto a nivel de estructura como a base de anacronismos y rupturas de la cuarta pared.

«Con su espectacular músculo visual, probablemente sea la más imaginativa adaptación cinematográfica de una ópera, quizá solo superada por el Parsifal de Syberberg». (Michael Atkinson).

Segunda proyección en junio.


20:00 · Sala 2 ·
Jonas Mekas. Destellos de vida

Lost Lost Lost (Jonas Mekas, 1976). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 180’.

Jonas Mekas muestra su adaptación a Estados Unidos tras exiliarse en 1949.

«Lo que he aprendido de Mekas es que la alegría no es la felicidad, pero que la alegría lo es todo, como bailar sobre la nieve virgen con tu hermano; que se ahorra mucha energía riendo en vez de llorando, aunque las gaviotas griten dentro de uno. Lo que he aprendido de Mekas es que puedes haber devorado todo el cine, pero debes saber que cuando filmas o montas hay que olvidarlo porque el cine que se alimenta solo de cine produce un cine desconectado de la vida, que es la que debe mandar siempre». (Javier Rebollo).

Presentación a cargo de Efrén Cuevas, autor de 'Filming History from Below: Microhistorical Documentaries' y profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Navarra. Debido al formato de proyección y la duración de la película, durante la sesión habrá varias breves pausas por motivos técnicos.

Duración total aproximada de la sesión: 200’.


20:30 · Sala 1 ·
Sesión especial

Fox Movietone y la proclamación de la Segunda República

En abril de 1931 se proclamó la Segunda República española. Para documentar todo lo que habría de suceder en esos días fundamentales, en aquellos momentos Fox Movietone tenía en España ya varios camiones para el registro sonoro en exteriores, una tecnología que solo esa major dominaba entonces. Los equipos de la Movietone News fueron testigos en primera línea de los acontecimientos y los registraron como nadie más, aunando imagen y sonido. Esas filmaciones ofrecían una oportunidad única no solo para ver, sino también para escuchar los discursos de Niceto Alcalá Zamora o Victoria Kent, así como de ver los festejos callejeros con los que se celebró la llegada del nuevo régimen político. Poco tiempo después, y como un gesto de buena voluntad, Fox regaló algunas de esas películas con sonido directo al gobierno de España. Sin embargo, con el tiempo las películas cayeron en el olvido y durante décadas nadie las reclamó.

En 2006, las películas aparecieron en la casa familiar de Francisco Adame, alcalde de Priego (Córdoba) durante los años republicanos y amigo personal de Niceto Alcalá Zamora, también nacido en la población andaluza. Todo apunta, por lo tanto, a que fue el primer Presidente de la Segunda República quien entregó los materiales a Adame para que este los escondiese. Conocida su filiación política, Adame fue perseguido y acosado, su casa varias veces registrada y saqueada, durante los años de la guerra y la inmediata posguerra, pero las películas permanecieron siempre escondidas y a salvo. Setenta años después, los nitratos de Fox Movietone reaparecieron mientras se hacía una reforma en la casa familiar de los Adame.

Las películas, ahora depositadas en los archivos de Filmoteca Española, han sido escaneadas y se podrán ver y escuchar por primera vez en una sala de cine en esta sesión, a la que acudirán los descendientes de Francisco Adame.

Presentación a cargo de Filmoteca Española y la familia de Francisco Adame.

Duración total aproximada de la sesión: 70’.

 

Jueves 26 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Tony Leblanc según Santiago Segura. La risa por delante

Los que tocan el piano (Javier Aguirre, 1968). Int.: Tony Leblanc, Concha Velasco, Alfredo Landa, José Sazatornil, Manolo Gómez Bur, Rafaela Aparicio, José Bódalo, Margot Cottens, María Luisa San José, Xan das Bolas. España. BDG. Color. 96’.

Un grupo de delincuentes de segunda, el "Cocosabio", "La Gandula" y "El Torralba", decide dar su gran golpe y robar en un hospital quirúrgico. Primera colaboración entre Javier Aguirre y Tony Leblanc, cuenta en su reparto con buena parte de los más importantes actores de la comedia española de los 60 y los 70. El título hace referencia a una expresión del argot callejero: los que tocan el piano son los delincuentes que, detenidos por la policía, tienen que dar sus huellas dactilares en comisaría.


20:00 · Sala 1 ·
Jonas Mekas. Destellos de vida

Sleepless Night Stories (Jonas Mekas, 2011). EEUU. DCP. VOSE. Color. 114’.

Un viaje a través de la noche neoyorquina compuesta por apartamentos, backstages, galerías y bares habitados por conversadores dedicados al insomnio.

«En mi caso es muy importante lo que el ojo ve incluso antes de que la cámara vea nada. Después cuando la cámara reemplaza a mi ojo, yo sigo manipulando la lente de la cámara y lo que hago es forzarla a que vea como yo veo. Porque la lente está dispuesta de un modo muy mecánico e impersonal, la lente siempre es algo impersonal. […] La cámara empieza a ser un reflejo de lo que veo. Y no solo de lo que veo, sino de mi temperamento, de lo que pienso en ese momento». (Jonas Mekas)

Antes de la proyección tendrá lugar la intervención And Music Played and Played, inspirada en el acercamiento amateur y popular de Mekas a la música e interpretada por el colectivo experimental Orquestina de pigmeos.

Duración total aproximada de la sesión: 140’.


21:00 · Sala 2 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Informe general II. El nuevo rapto de Europa (Pere Portabella, 2015). España. DCP. VOSE. Color. 126’.

Segundo “informe” que radiografía el presente de España, un país sumido en una grave crisis sistémica, de orden cultural, económico-financiero, político y energético, a través de la voz de sus ciudadanos.

«Dada la rápida evolución de los acontecimientos, puede parecer que la película muestra una foto fija, pero si tuviese ocasión no la modificaría en nada: tiene que ser una foto fija. Todo informe es una foto fija. Todo esto partiendo de la base de que lo que yo hago siempre es ficción y artificio; nunca he hecho un documental, pues siempre me he sentido implicado hasta las orejas. Se trata de mi relato, que puede estar equivocado o no. Por ejemplo, en la película funciona una gran metáfora: constantemente están limpiando; en el bar también vemos como limpian la mesa. En el último plano en que sale la máquina que fabrica las urnas por ordenador, hay una mano que limpia…». (Pere Portabella).

 

Viernes 27 de mayo

 

 

17:00 · Sala 1 · Tony Leblanc según Santiago Segura. La risa por delante

Tres de la Cruz Roja (Fernando Palacios, 1961). Int.: Tony Leblanc, José Luis López Vázquez, Manolo Gómez Bur, Licia Calderón, Jesús Puente. España. BDG. Color. 85’.

Tres amigos fingen ser voluntarios de la Cruz Roja para entrar por la cara en los estadios a ver partidos de fútbol.

«José Luis López Vázquez, Manolo Gómez Bur y yo mismo fuimos después Tres de la Cruz Roja. Yo estuve bien, López Vázquez muy bien, y Gómez Bur, extraordinario. Curiosamente a lo que dijo un crítico, no hicimos de caraduras, ni golfos, ni sinvergüenzas. […] La gracia residía en que jamás vimos un partido completo. Cada cual tuvimos nuestro amor, y al final estos pícaros resultaron ser tres héroes». (Tony Leblanc).


19:30 · Sala 2 ·
Jonas Mekas. Destellos de vida

Reminiscences of a Journey to Lithuania (Jonas Mekas, 1972). Reino Unido, RFA. 16 mm. VOSE. Color. 88’.

Documental sobre las experiencias de Jonas Mekas al volver a Semeniskiai, su pueblo natal en Lituania.

«[…] Así que vieron la película y, al encenderse las luces, Serebrekov dijo: “¡Cómo te atreves a enseñarle al mundo esta película? ¡No hay nada en ella sobre el progreso de la Unión Soviética! Es tu madre cocinando al aire libre… ¡Esto es…! ¿Cómo te atreves? ¡Destruye la película! ¡No la enseñes! ¡Te lo prohibo!”. Le contesté: “Pero es que no es una película sobre la Unión Soviética: son mis recuerdos. Fui allí para filmar mis recuerdos”. Banionis, mi amigo, empezó a defenderme, diciendo: “¡No, esta es la realidad! ¡Así es como es!”. Con lo que Banionis y Serebrekov se enzarzaron, prácticamente, ¡en una pelea a puñetazos! Se opusieron a mi película, ¡estaban decididos a esconderla de los ojos del mundo! Pero aquello sucedió cuando aún corría el año 1971». (Jonas Mekas).

Presentación a cargo de Meritxell Collel, cineasta. Tras la presentación y antes de la proyección de Reminiscences… se podrá ver La ciutat a la vora, el material de trabajo de la nueva película de Meritxell Collel, inspirada en la obra de Jonas Mekas.

Duración total aproximada de la sesión: 160’.


21:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

Orfeo negro (Orfeu Negro, Marcel Camus, 1959). Int.: Breno Mello, Marpessa Dawn, Lourdes de Oliveira, Léa Garcia. Brasil, Francia, Italia. DCP. VOSE. Color. 100’.

Reinterpretando el mito griego, en las vísperas del carnaval Orfeo y Eurídice huyen enamorados por las favelas de Río de Janeiro, mientras son perseguidos por la Muerte, un asesino a sueldo, y Mira, la vengativa prometida de Orfeo.

«Es innegable que este trágico triángulo amoroso, ambientado en un decorado tropical y representado por personajes ataviados con indumentarias vibrantes y coloridas, desprende una sensación fantasmagórica romántica y casi universal. Camus trasladó el mito griego de la obra de Vinícius de Moraes a un Río de Janeiro contemporáneo, y consiguió crear su propio "mito carioca" al reinterpretar el mito de Orfeo y Eurídice. Los colores de Río son diferentes, el carnaval tiene otra dinámica, incluso los personajes tienen otro vocabulario y un acento carioca distinto, pero el director francés prefirió renunciar al realismo para forjar su propia utopía dionisíaca. La magia de Orfeo negro reside ahí: la "traición" tan personal de Camus dio lugar a una película de tintes tan perennes como populares». (Amir Labaki).


Sábado 28 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Hermína Týrlová. Una historia en cada objeto

Animación en el mundo real:

- Vzpoura hracek (Frantisek Sádek y Hermína Týrlová, 1946). Checoslovaquia. DCP. B/N. 14’.
- Ztracená panenka (Josef Pinkava y Hermína Týrlová, 1959). Checoslovaquia. DCP. Color. 18’.
- Den odplaty (Josef Pinkava y Hermína Týrlová, 1960). Checoslovaquia. DCP. Color. 11’.
- Rozpustilí braáskové (Hermína Týrlová, 1981). Checoslovaquia. DCP. Color. 10’.
- Opicí láska (Hermína Týrlová, 1985). Checoslovaquia. DCP. Color. 9’.

Ya desde sus primeros pasos, Hermína Týrlová trabajó la fusión de imagen real y animación, en muchos casos como forma de introducir una nota de ternura o esperanza en un mundo no siempre tan alegre. Los cinco cortometrajes de esta sesión, que recorre prácticamente toda la carrera de la animadora, son ejemplos de esta tendencia, empezando por Vzpoura hracek, en el que un grupo de juguetes se enfrentan a un oficial nazi.

Duración total de la sesión: 62’.


19:00 · Sala 2 ·
Jonas Mekas. Destellos de vida

Diaries, Notes & Sketches (Walden) (Jonas Mekas, 1969). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 177’.

Primer diario completo del cineasta, ofrece un retrato de la escena artística neoyorquina de los años sesenta.

«Walden son muchos pedacitos de mi realidad, una realidad que iba editando con la propia cámara mientras filmaba, y que luego uní. Ahora mi memoria no ha cambiado, tengo el recuerdo de cuando filmaba, entonces veía la realidad y ahora veo las imágenes de lo que filmé. Hay una diferencia entre la realidad y las imágenes pero no en mis recuerdos sobre ellas, siento lo mismo al verlas que cuando las filmé. Lo que cambia soy yo, y eso se ve en mi trabajo, que ahora es completamente diferente al que hacía entonces». (Jonas Mekas).

Presentación a cargo del colectivo Nuberu Bagu. Antes de la proyección de Diaries… se podrá ver la pieza Las mareas vivas más intensas del año llegan este fin de semana (Nuberu Bagu, 2022). Debido al formato de proyección y la duración de la película, durante la sesión habrá varias breves pausas por motivos técnicos. Duración total aproximada de la sesión: 200’


21:00 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

The Third Part of the Night (Trzecia czesc nocy, Andrzej Zulawski, 1971). Int.: Malgorzata Braunek, Leszek Teleszynski, Jan Nowicki, Jerzy Golinski. Polonia. DCP. VOSE. Color. 107’. Copia restaurada por Fixafilm.

Durante la ocupación nazi de Polonia, un hombre huye tras presenciar el asesinato de su familia. Tras pasar por la resistencia y ser capturado por la Gestapo, su supervivencia dependerá de la búsqueda de su propia identidad.

«Una pesadilla continua sobre la descomposición personal y de la sociedad, presenta el descenso de un hombre a la locura durante la ocupación nazi de Polonia […] ¿u¿awski revela información importante sobre el personaje en breves e inesperadas ráfagas, y la trama se mueve de forma sinuosa entre el presente, el pasado y los sueños del héroe. Más aún, la cámara está casi siempre moviéndose frenéticamente alrededor de sus personajes, como si al propio director le costase seguir su ritmo. Estos mecanismos formales pueden hacer que el espectador se sienta perdido, más o menos como el propio héroe del relato». (Ben Sachs).

Segunda proyección en junio.

 

 

 

Domingo 29 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
El humor posbélico de la Ealing / La mirada verde

Los apuros de un pequeño tren (The Titfield Thunderbolt, Charles Crichton, 1953). Int.: Stanley Holloway, George Relph, Naunton Wayne, John Gregson, Sid James, Hugh Griffith, Jack MacGowran. Reino Unido. B-R. VOSE. Color. 84’.

Cuando un pueblo va a perder su estación de tren, un grupo de voluntarios se organizan para hacerla funcionar bien, aunque sea compitiendo contra el servicio de autobuses.

«Al guionista T.E.B. Clarke debemos los guiones de Oro en barras y Los apuros de un pequeño tren. Tenía una imaginación desbordante pero, curiosamente, no era un escritor demasiado bueno. Era fantasioso. Pero cualquier fantasía corre el riesgo de llegar a ser extraña si se deja que vaya demasiado lejos. Tibby tuvo siempre una visión muy amplia y muy sólida de las cosas». (Charles Crichton)

Segunda proyección en junio. Presentación a cargo de Another Way Film Festival. Duración total aproximada de la sesión: 95’


18:00 · Sala 2 ·
Jonas Mekas. Destellos de vida

As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of Beauty (Jonas Mekas, 2000). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 288’.

Videodiario construido a partir de grabaciones caseras rodadas a lo largo de treinta años de vida.

«As I Was Moving Ahead se mostró hace dos años en los Antohlogy Film Archives, en el último programa del año, porque es mi cumpleaños. Un par de meses más tarde me encontré con una pareja en la calle, un hombre y una mujer. Me dijeron: “¡Gracias, gracias, muchas gracias! Al ver la película decidimos casarnos y tener hijos”. En la película salen muchas cosas sobre niños. Un tiempo más tarde me encontré con dos hombres que me dijeron: “Gracias, gracias. Vimos la película y decidimos casarnos”. Dos hombres homosexuales. La película no tiene una sensibilidad gay, pero aun así se sintieron identificados. Eso me resultó muy interesante». (Jonas Mekas)

Debido al formato de proyección y la duración de la película, durante la sesión habrá varias breves pausas por motivos técnicos.


20:30 · Sala 1 ·
Andrzej Zulawski. Pasión por la libertad

La note bleue (Andrzej Zulawski, 1991). Int.: Marie-France Pisier, Janusz Olejniczak, Sophie Marceau, Noëmi Nadelmann. Francia. DCP. VOSE. Color. 135’.

Frédéric Chopin pasa sus últimos días de vida junto a su antigua amante, Aurore Dudevant, fingiendo un amor que ya no existe.

«Supongo que mi trabajo consiste en pedirle al actor que profundice y entienda por qué demonios es un actor. ¿Quiere desfilar? ¿Busca existir en un mundo superficial o de verdad, honestamente, desea ser un actor, que es algo casi religioso? Por favor, entiende que yo no soy una persona religiosa en ninguno de los sentidos de la palabra. Pero he ido a Siberia, he ido a África, he estado en el Caribe y he visto el vudú y a los chamanes y son los mejores actores que existen. Lo que nos lleva a preguntarnos, si está conectado con algo tan profundo de nuestro ser, ¿por qué jugamos con ello?». (Andrzej Zulawski).

 

 

Martes 31 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Pere Portabella. Compromisos éticos, rupturas estéticas

Informe general sobre algunas cuestiones de interés para una proyección pública (Pere Portabella, 1976). España. DCP. VOSE. Color. 149’.

Documental rodado de forma clandestina en los meses posteriores a la muerte de Franco que, a través de intervenciones con importantes actores políticos de la Transición, se cuestiona sobre el proceso por el que una sociedad pasa de la dictadura a la democracia.

«Portabella parece más preocupado, como es lógico, por interrogar a quienes los observadores políticos de entonces consideraban capaces de desempeñar algún protagonismo en la nueva situación. Aunque, en la lógica de un discurso autoral que no esconde su instancia narrativa, el propio realizador se reserva un nada despreciable margen para el juicio personal, incluso para la sanción o la ironía. Es la suya pues una opción ideológica desde el comienzo: margina a unos […], interroga, por tanto, concede credibilidad, a otros. Pero no se queda sólo en eso: su elaborada puesta en escena […] concede siempre a las charlas-coloquios y a las pocas entrevistas directas que el filme articula con sus interlocutores elegidos, una nada disimulada carga de significación». (Casimiro Torreiro).


21:00 · Sala 1 ·
Tony Leblanc según Santiago Segura. La risa por delante

Torrente, el brazo tonto de la ley (Santiago Segura, 1998). Int.: Santiago Segura, Javier Cámara, Neus Asensi, Chus Lampreave, Gabino Diego. España. 35 mm. Color. 97’.

Un policía corrupto, misógino, racista y fan de El Fary descubre, más por suerte que por talento, una importante trama de narcotráfico en Madrid.

«Tony Leblanc está superdotado para la interpretación, es un maestro de la comedia, domina los escenarios y administró su gestualidad con la precisión de un cirujano en la pantalla. Sabe ser pícaro al mismo tiempo que tierno […] De todos es sabido que es difícil que los sueños se cumplan en la realidad (en gran medida esa es la razón por la que hacemos cine). Pues bien, mi sueño increíble se ha cumplido al 100%. Tony trabajó en mi película. Su labor no pasó desapercibida: su presencia hizo que la película fuera un gran éxito y la Academia reconoció su trabajo con un Goya». (Santiago Segura).

 

 

PROGRAMA COMPLETO DE MAYO: cutt.ly/vGLh0eE

 

 

LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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