Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 01/05/2021 hasta el 31/05/2021
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré; tampoco el 1 y 2 de mayo.

 

PROGRAMA

 

MAYO DE 2021


Continúa ”Cine espectáculo”, que hasta junio presenta películas destinadas a una enorme pantalla de una gran sala llena de público. También prosigue el amplio ciclo dedicado a Fernando Fernán Gómez, que se extenderá hasta finales de año, con sus películas como actor durante los años 60. Por otra parte, finaliza la retrospectiva dedicada a la directora francesa Agnès Varda, y también el homenaje al director de animación Cruz Delgado, con dos proyecciones. Un año más el Doré acoge la retrospectiva de DocumentaMadrid, dedicada este año a Djibril Diop Mambéty y Mati Diop, dos figuras fundamentales del cine africano. Y este mes se celebra el centenario del nacimiento del actor Luis Ciges (1921-2002), uno de los característicos más conocidos del cine español, con cuatro sesiones.

 

Martes 4 de mayo


18:00 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Un vampiro para dos (Pedro Lazaga, 1965). Int.: Fernando Fernán-Gómez, Gracita Morales, José Luis López Vázquez, Trini Alonso. España. BDG. B/N. 91’.

Un joven matrimonio viaja a Alemania en busca de trabajo. Finalmente, son contratados como criados en la casa de un famoso barón conocido como “el vampiro de Düsseldorf”, quien llegada la hora intentará chuparle la sangre a la pareja con inesperadas consecuencias.


19:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

El caballo de Turín (A torinói ló, Béla Tarr y Ágnes Hranitzky, 2011). Int.: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos, Ricsi. Hungría. 35 mm. VOSE. B/N. 155’.

Basándose en una anécdota de la vida del filósofo Friedrich Nietzsche, relata como un granjero se ve obligado a enfrentarse al hecho de que su caballo es un ser mortal.

«El mundo de El caballo de Turín no se descubre o se enseña, no se relata, se examina o se muestra. Simplemente está ahí, en cada momento, tanto como es posible y más de lo que creemos que podemos soportar, desafiándonos a, simplemente, ser conscientes de ello». (Jonathan Rosenbaum)

«En el fundido, una imagen se convierte en otra. En el fundido a negro, una imagen es devorada por la oscuridad. Es lo que en término anglosajón se conoce como el fade out, es decir, el gesto de desaparecer. Quizá el húngaro Béla Tarr imaginó el fundido a negro más elemental, (meta)físico y perfecto de la historia del cine. Fue su último gesto, también, como cineasta. Tiene sentido desde el momento en que en un mundo pequeño y hostil, recluido en una casa de piedra aislada en un páramo, pone en escena un Apocalipsis que coincide, en los primeros compases del tercer milenio, con toda una serie de producciones que fabularon con el Armageddon de todas las formas posibles y mediante toda suerte de cataclismos espectaculares. Toda la película, fotografiada en blanco y negro por el alemán Fred Keleman, es un consciente ejercicio de dialéctica entre la luz y la oscuridad, una batalla entre las intensidades y los desvanecimientos de la iluminación, entre la presencia y el vacío. El trabajo sonoro, a su vez, es tan narrativo y poético como el trabajo visual. La experiencia es completamente física, corpórea y palpable. Béla Tarr demuestra que el mejor efecto especial para recrear el fin de todas las cosas, el más aterrador, es un simple, elemental, perfecto fundido a negro. Ingresamos en el vacío, la nada. O el espectáculo del negro arrojando luz cuando la luz se desintegra». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Miércoles 5 de mayo


18:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Agnès de ci de là Varda (Agnès Varda, 2011). Francia. AD. VOSE. Color. 230’.

Miniserie documental para televisión de cinco capítulos en los que Agnès Varda recorre el mundo visitando artistas de todo tipo, desde Chris Marker a Annete Messager, pasando por Miquel Barceló o Manoel de Oliveira, y comparte con ellos charlas y momentos de amistad.

«Mientras ves este tierno y vibrante documental, es fácil imaginar a Varda seguir con su búsqueda, cámara en mano, en el más allá. Al fin y al cabo, para ella, el cielo siempre fueron los demás». (Fernando F. Croce).


18:30 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

El gatopardo (Il gatopardo, Luchino Visconti, 1963). Int.: Burt Lancaster, Alain Delon, Claudia Cardinale, Serge Reggiani, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Mario Girotti, Lucilla Morlacchi, Pierre Clementi,
Ivo Garrani, Leslie French, Serge Reggiani. Italia. 35 mm. VOSE. Color. 187’.

En 1860, al tiempo que se sucede la Unificación italiana, el príncipe de Salina lucha por preservar su familia y clase durante los tumultos provocados por la invasión de Sicilia.

«Aunque se le considera un cineasta clásico, Visconti posee el arte de no ser ni de aquí ni de allí y su ironía personal consiste en parecer que está allá donde no está, mientras deja que se diga lo que se quiera. Pues Visconti no es clásico, pero tampoco se le puede llamar “moderno”. Su poética no es una escritura de la ruptura, del entredós o del desgarro a pesar de los vacíos o las elipsis presentes en su obra». (Suzanne Liandrat-Guigues).

«Podríamos decir que El gatopardo es un espectáculo de espectáculos. Sin duda es un espectáculo de luz y color como pocos, que tiende puentes entre la imagen en movimiento y la pintura del XIX, no con un afán referencial sino como forma de animar algo congelado en el tiempo, una de las bases narrativas de la película. Es también un espectáculo del movimiento y el rostro: Burt Lancaster construye en su príncipe de Salina uno de los personajes más complejos de la historia del cine gracias tanto a lo heredado de Lampedusa como a unos pocos recursos interpretativos manejados con un grado de control tan alto que, simplemente, parece que no requieren control alguno. Apenas verle caminar y observar el mundo que le rodea, lo que se escabulle y lo que se niega a cambiar, es suficiente para adentrarnos en su miedo y su dolor. Pero, por encima de todo, El gatopardo es el espectáculo de la muerte, o más bien, de la tensión entre lo que se niega a desvanecerse, lo que no sabe que se está consumiendo y lo que exige un lugar en la sociedad. El príncipe de Salina vaga por este mundo de lujosas telas, pan de oro y grandes jardines tratando de hacer las paces con su propia mortalidad, reflexionando con gran sabiduría sobre el declive del viejo mundo mientras intenta, en ocasiones de forma patética e infantil, negar o ajustarse al nuevo. Es, en definitiva, el espectáculo épico del fin de un estamento social, pero también el espectáculo íntimo de la muerte de un hombre que ha vivido convencido de su divinidad y ahora se encuentra frente a frente con su irrelevancia». (Pablo López).


Jueves 6 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

Un hombre va por el camino (Manuel Mur Oti, 1949). Int.: Ana Mariscal, Fernando Nogueras, Pacita de Landa, Julia Pachelo. España. 35 mm. B/N. 92´.

Un vagabundo que esconde un pasado trágico se detiene en la casa de una viuda y su hija pequeña en Monte Oscuro. Las habladurías de los vecinos del pueblo no tardarán en llegar.

«Es una película híbrida, en la que Mur Oti parece buscar una síntesis entre tendencias que no suelen ir de la mano, entre las que los cineastas tienden a optar, pero sin aventurarse a unirlas ni a tratar de conseguir un difícil equilibrio entre ellas». (Miguel Marías).

Presentación del libro 'Sagitario Films: oro nazi para el cine español' a cargo del autor, Santiago Aguilar, y de Asier Aranzubia, investigador y docente. Duración total aproximada de la sesión: 120’.


18:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Les Plages d’Agnès (Agnès Varda, 2008). Francia. DCP. VOSE. Color. 112’.

Agnès Varda repasa su vida para la cámara: su infancia en Bélgica, el descubrimiento de la fotografía y el cine, su pertenencia a la Nouvelle Vague, su relación con Jacques Demy, su vejez…

«Las playas son el paisaje más perfecto del mundo. No creo que la vida sea una subida hacia una cumbre, sino que creo en la horizontalidad, en la observación de unas vistas sin interrupción. […] Hacer esta película ha sido la labor de un pájaro que coge hojas que han caído de varios árboles para hacer su nido». (Agnès Varda).

Antes de la proyección de Les Plages d’Agnès se podrá ver el cortometraje Hommage à Zgougou (Agnès Varda, 2002). Duración total de la sesión: 114’.


20:15 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Extreme Private Eros: Love Song 1974 (Gokushiteki erosu, Kazuo Hara, 1974). Japón. DCP. VOSI/E. B/N. 98’.

Un documentalista visita a una exnovia y comienza a filmar sus nuevas relaciones.

«Lo que al principio augura un periplo macho-sádico acaba convirtiéndose en una película inesperadamente humanista, incluso feminista, en la que el cineasta retrata las relaciones de su expareja con otras mujeres o con soldados afroamericanos en los bajos fondos de Okinawa». (Ed Halter)

«En la mayoría de los casos, ir al cine es una experiencia relativamente “segura”, en el sentido de que la película establece una distancia entre el espectador y la narración. Cuando acudimos a la sala, aunque nuestro propósito es entregarnos al relato y aceptamos difuminar (dentro de lo posible) quienes somos para convertirnos en otra gente, es muy difícil perder de vista que lo que se nos presenta es una ficción, una mentira, o al menos una realidad que sucede “lejos de aquí”. El poder de Extreme Private Eros se encuentra precisamente en cómo vuela por los aires esa distancia de seguridad y nos deja indefensos ante una intimidad que no solo se siente real, sino de la que nos sentimos cómplices. El punto de partida es sencillo: cuando la que fue su pareja durante dos años se marcha a la isla de Okinawa con su hijo, el cineasta Kazuo Hara la sigue y empieza a rodar una película para intentar entender lo que sucedió entre ellos y su fascinación por esa mujer. El dispositivo, sin embargo, es todo menos sencillo: discusiones de pareja antes las que no podemos apartar la mirada, el acto sexual en primer plano, un parto fuera de foco, el propio director llorando en medio del rodaje… Todo se conjuga aquí para llegar más allá del habitual voyeurismo cinematográfico y llegar a un estadio en el que la cámara no guía al espectador, ES el espectador». (Pablo López).


Viernes 7 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Rififí en la ciudad (Jesús Franco, 1963). Int.: Fernando Fernán Gómez, Jean Servais, Laura Granados, Antonio Prieto, Marie Vicent, Agustín González. España. 35 mm. B/N. 100´.

Un confidente de la policía muere asesinado a manos de los hombres de un poderoso político que controla el tráfico de drogas. Cuando este magnate se presente al Senado, tendrá que borrar del mapa a todos los participantes de dicho asesinato.

«En realidad esto pertenece al mundo ese, particularísimo y singular, y que yo por su absoluta libertad e independencia he admirado siempre en Jesús Franco. Franco es uno de los directores españoles que más han hecho siempre lo que han querido […]. Yo nunca había trabajado con él, y después tampoco, porque era un mundo muy alejado del mío, profesionalmente me refiero. Pero en ese sentido sí me divertía intervenir en una película suya, aunque luego no me divirtiera nada que no me pagaran ni un céntimo». (Fernando Fernán Gómez).


19:30 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Las cien y una noches (Les Cent et une nuits de Simon Cinéma, Agnès Varda, 1995). Int.: Michel Piccoli, Marcello Mastroianni, Henri Garcin, Julie Gayet. Reino Unido, Francia. DCP. VOSE. Color. 104’.

Las cien y una noches es una fábula-homenaje, llena de apariciones estelares, realizada con motivo de la celebración del centenario del cine, que narra lo que sucede cuando Monsieur Cinéma contrata a una joven estudiante para que le ayude a recordar las películas del pasado.

Antes de la proyección de Las cien y una noches se podrá ver el cortometraje T'as de beaux escaliers, tu sais (Agnès Varda, 1986). Duración total de la sesión: 107’.


20:15 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Tron (Steven Lisberger, 1982). Int.: Jeff Bridges, Bruce Boxleitner, David Warner, Cindy Morgan. EEUU. DCP. VOSE. Color. 95´.

Un programador despedido injustamente queda atrapado en un mundo virtual mientras intentaba vengarse de su antigua empresa. Allí no tendrá otra opción que unirse a la lucha de una serie de programas que se enfrentan a los planes de un tiránico sistema.

«El mundo en el que Flynn cae no es una versión virtual de nuestro mundo. Es una metáfora de las relaciones entre los usuarios humanos y los programas de ordenador. No necesita ser una imagen exacta, o incluso representativa, de algo real o humano. Por el contrario, busca ser siempre extravagante: más que de otro mundo, de otra dimensión». (Philip Berne).

«Descartar Tron como un simple clon de La guerra de las galaxias supone perderse sus muchos asombros. Esta producción Disney, la Disney de los 80, la Disney sin rumbo que se atrevía a experimentar, se aventuró a preguntarse cómo sería el interior de una computadora cuando el concepto de ordenador personal era todavía algo incipiente, y lo hizo adoptando con todas sus consecuencias la lógica y el lenguaje del software (dos décadas antes que Matrix). Sus efectos especiales, que hermanan con inteligencia lo tradicional (tanto a nivel estético como tecnológico) con la imagen de síntesis, son el primer impacto de este viaje al país de las maravillas, pero no el único. Tron es también un ejemplo particularmente exitoso del poder que tiene el cine para la creación de mundos imaginarios. Con el apoyo de dos titanes del neo-futurismo, Jean Giraud “Moebius” y Syd Mead, la película consigue convertirse en una invitación a viajar a otra dimensión, a adentrarse en un universo en el que los humanos y las máquinas comparten cada vez más y más características (no hay nada inocente en la forma en que Lisberger muestra los espacios del mundo real). Actualizando la fascinación por el ingenio mecánico de principios del siglo XX al nuevo paradigma de los microprocesadores, Tron juega con conceptos que nunca antes habían formado parte de una gran producción de Hollywood, desde los mundos virtuales hasta las inteligencias artificiales, y se asegura de difuminar la línea entre la carne y el silicio». (Pablo López).



Sábado 8 de mayo


17:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

El tigre de Esnapur (Der Tiger von Eschnapur, Fritz Lang, 1959). Int.: Debra Paget, Paul Hubschmid, Walther Reyer, Claus Holm. RFA, Francia, Italia. DCP. VOSE. Color. 95’.

Un arquitecto alemán viaja a la lejana ciudad de Esnapur y se enamora de una bailarina. La situación se complica cuando resulta que el maharajá de Esnapur está también enamorado de la misma mujer.

«Es un trabajo de orientalismo que roza lo ridículo (todos los personajes indios principales está interpretados por actores occidentales, y el retrato de la India está marcado por el exotismo), pero es una visión orientalista como ninguna otra, personal y visualmente imaginativa. El uso que hace Lang del color, el encuadre y el suspense es magistral de principio a fin». (Ben Sachs).

«Un maharajá celoso, un consejero malvado, una exótica bailarina y un tigre con el alma de un asesino, amores imposibles, venganzas retorcidas e intrigas palaciegas, decorados exuberantes y bellos paisajes… el díptico formado por El tigre de Esnapur y La tumba india tiene todos los ingredientes del serial de aventuras tan querido por el director de Las arañas y Los Nibelungos. Tras años de exilio en Hollywood, Fritz Lang volvía a dirigir una película alemana recuperando una novela de Thea von Harbou y algunas de las señas de identidad de sus primeras películas durante el periodo silente alemán. La trama, folletinesca, gira en torno al triángulo amoroso entre el Maharajá, la bailarina y un viajero extranjero, y en su conflicto pasional resuena otro sobre el encuentro de dos culturas. Aunque Lang viajó a la India para filmar algunas de las escenas de este díptico, al rigor observacional y etnográfico antepuso la fantasía, la pulsión poética y los motivos recurrentes del género. Basta dejarse conducir por el buen hacer de Fritz Lang para disfrutar del espectáculo fabulador en estado puro. En cierto modo, la renovación del cine de aventuras que años más tarde realizaría En busca del arca perdida no sería otra cosa que un retorno a la magia de estas dos películas: El tigre de Esnapur y La tumba india». (Alberto Hernando).


18:00 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

¿Dónde pongo este muerto? (Pedro Luis Ramírez, 1962). Int.: Fernando Fernán Gómez, Miguel Gila, Claude Arnold, Julia Caba Alba. España. BSP. B/N. 83’.

Tras casarse, una pareja se va de luna de miel. Todo parece marchar bien hasta que aparece inesperadamente un cadáver en el baúl de la novia. A pesar de los esfuerzos por librarse de él, el cadáver siempre aparece de nuevo.


20:00 · Sala 1 · Pasajes Filmadrid

Tal día hizo un año (Salka Tiziana, 2020). Int.: Melanie Straub, Pilar Del Pino, Amalia Amián Del Pino, Jon Bade. Alemania, España, Suiza. DCP. VOSE. Color. 71’.

Una mujer alemana y sus hijos gemelos viajan a Sierra Morena a la casa paterna, donde viven la madre y la hermana del padre. Su llegada desestabilizará la tranquila rutina de la familia.

«La película nos invita a reflexionar sobre las diversas formas en que los seres humanos alteramos el paisaje cuando vivimos, trabajamos o simplemente visitamos un lugar determinado». (Carlota Moseguí).

Presentación a cargo de la directora, Salka Tiziana, y de Javier H. Estrada, programador de Filmadrid.

 

Domingo 9 de mayo


18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Les demoiselles ont eu 25 ans (Agnès Varda, 1993). Francia. DCP. VOSE*. Color. 64´

Documental en el que Agnès Varda explora el impacto de Las señoritas de Rochefort, el musical de Jaacques Demy estrenado un cuarto de siglo antes.

«Nadie ha olvidado Las señoritas de Rochefort, y menos aún la ciudad de Rochefort, cuya imagen actual es la de una “ciudad en la que se habla cantando”. Con motivo de la fiesta organizada en junio de 1992 (…) quise filmar este evento único: una ciudad que celebra una película con la que se identifica». (Agnès Varda).


19:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Ven y mira (Masacre) (Idi i smotri, Elem Klimov, 1985)
. Int.: Alexei Kravchenko, Olga Mironova, Liubomiras Laucevicius, Vladas Bagdonas. URSS. DCP. VOSE. Color. 142´. Copia restaurada por Mosfilm.

Un niño se une a la resistencia contras los nazis y es testigo de las horribles matanzas que tuvieron lugar en Bielorrusia durante la Segunda Guerra Mundial.

«Klimov tardó siete años en tener luz verde de las autoridades soviéticas para producir la que sería su última obra. El estreno tuvo lugar en 1985, cuando se conmemoraba el cuadragésimo aniversario de la victoria soviética en la II Guerra Mundial. Aun así, la película no resultaba especialmente oportuna como pieza de propaganda. […] No proyectaba ningún triunfalismo ni ofrecía espacios a la celebración. Su autor optó por recordar el conflicto bélico centrándose en el dolor de la población civil, inspirándose en los asesinatos colectivos cometidos por el invasor nazi en dos poblaciones. […] En la representación de esos ataques, Klimov hizo saltar los diques de contención del cine comercial, multiplicando el grado de sufrimiento que puede mostrarse en una película». (Ignasi Franch).

«La ocupación de Bielorrusia por las tropas alemanas durante la Segunda Guerra Mundial se saldó con la muerte de más de un millón de civiles. Ante estas cifras siempre resulta difícil hablar de espectáculo. Aun así, la guerra ha sido uno de los puntales de la industria del entretenimiento, y su representación uno de los más encendidos escenarios de debate para cineastas, académicos y críticos. Frente a las formas de plasmación del cine que, principalmente de los 30 a los 60 del siglo pasado, fundía propaganda y espectáculo en un todo que convertía la guerra en un drama romántico, tan trágico como excitante, fueron surgiendo otras voces que parecían buscar el modo de llamar a las cosas por su nombre. Así, los relatos de heroísmo empezaron a convivir con los relatos del horror. Es precisamente ese horror, el de los civiles aplastados bajo la bota de la brutal ocupación nazi, el que busca Ven y mira, con una rabia que salpica la pantalla y convierte a la película uno de los más estremecedores retratos de la barbarie. Aquí no hay héroes, solo miradas perdidas, arrebatos de locura, llantos y gritos. En medio de todo el caos, el niño protagonista, que comienza la historia cumpliendo su sueño de ser soldado y termina, en un proceso de degradación que el espectador siente como propio, sumido en una pesadilla a la que no es capaz de encontrarle sentido». (Pablo López).

Presentación a cargo de Joan Sala, editor de contenidos en Filmin.

 

Martes 11 de mayo


18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Varda por Agnès (Varda par Agnès, Agnès Varda, 2019). Francia. DCP. VOSE. Color. 115’.

Documental con el que Agnès Varda recorre su obra como cineasta, fotógrafa y pionera de la Nouvelle Vague mediante fotos, material grabado y recuerdos.

«Siempre supe que mis aciertos llegarían observando a la gente, mostrando su lado más especial, interesante. Nunca peleé contra mis instintos». (Agnès Varda).

Antes de la película se proyectará una pieza de 3 minutos, emitida originalmente en la televisión francesa, que recoge declaraciones de Agnès Varda respecto al feminismo. Duración total de la sesión: 118’.


19:30 · Sala 1 ·
Las tres vidas de Luis Ciges

Young Sánchez (Mario Camus, 1963). Int.: Julián Mateos, Luis Romero, Carlos Otero, Sergio Doré, Consuelo de Nieva, Luis Ciges. España. 35 mm. B/N. 88’.

Un mecánico de la periferia de Barcelona practica el boxeo en sus ratos libres. Cuando llega el momento de dar el salto al terreno profesional abandona a sus entrenadores y entra en el negocio turbio de las apuestas.

«El boxeo es un deporte muy cinematográfico, practicado por gente humilde, porque nadie se divierte con él; ha sido muy tratado en la literatura y, por encima de todo, es una metáfora muy completa de la vida: salir adelante a fuerza de golpes, etc. Como el torero de Los golfos, el protagonista busca una salida segura de la miseria, a pesar de todo el riesgo que conlleva». (Mario Camus).

 

Miércoles 12 de mayo


18:00 · Sala 2 ·
Festival RIZOMA

Quiero hacer una película (Yimit Ramírez, 2020). Int.: Neisy Alpízar, Tony Alonso. Cuba, México, Francia. DCP. Color. 91´.

Tony queda fascinado con Neisy durante el concierto de The Rolling Stones en La Habana. Mientras la sigue a todas partes decide hacer un documental secreto sobre su vida. Se infiltra en su casa y desde abajo de la cama comienza a filmar su intimidad.

«La película se estuvo reescribiendo todo el tiempo. Fue un proceso muy rico, pero agotador en cuanto a recursos para enfrentarlo. No haría una película con este mismo método de nuevo. No lo digo por la forma de filmar, porque la siguiente que en teoría haré usa mucha improvisación, sino por la ultraindependencia precaria, que por cierto te da mucha libertad. […] Otro cine es posible, desde la producción y desde todo. Hay otras formas de escribir. Esta película se ha hecho desde otro lugar. Eso ha costado un esfuerzo gigante, más del que preveía». (Yimit Ramírez).

Antes de la proyección de Quiero hacer una película se podrá ver el cortometraje Blondie: Vivir en La Habana (Rob Roth, 2021). Duración total de la sesión: 115’.


20:30 · Sala 1 ·
Las tres vidas de Luis Ciges

Dante no es únicamente severo (Jacinto Esteva y Joaquim Jordá, 1967). Int.: Enrique Irazoqui, Serena Vergano, Romy, Susan Holmsquist, Luis Ciges. España. DCP. VOSE. Color. 78’

Obra-manifiesto de la Escuela de Barcelona, que funda una estética pop a la española. Sigue a una mujer que trata de seducir a un hombre contando historias sin aparente sentido ni conexión.

«Filmada en un momento álgido de engarce de la izquierda antifranquista con el marxismo, especula sobre el salvaje desarrollo urbanístico de la Barcelona de los sesenta, sobre el fin del capitalismo industrial y sobre la propia clase social de sus realizadores». (Teresa M. Vilarós).

 

Jueves 13 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Sesión especialSesión del Día de los Museos

Para celebrar el Día de los Museos, esta sesión reúne dos cortometrajes de Augusto M. Torres que recorren la Biblioteca Nacional y el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Biblioteca Nacional (Augusto M. Torres, 2016). España. DCP. Color. 21’
ALMACÉN y almacén (Augusto M. Torres, 2020). España. DCP. Color. 23’

Presentación a cargo del director, Augusto M. Torres, y de Maria Bolaños, directora del Museo Nacional de Escultura. Duración total aproximada de la sesión: 80’.


18:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

La felicidad (Le Bonheur, Agnès Varda, 1965). Int.: Jean-Claude Drouot, Marie-France Boyer, Marcelle Faure-Bertin, Manon Lanclos. Francia. DCP. VOSE. Color. 79’. Copia restaurada.

François y Therese son un joven matrimonio con dos hijos que viven una vida totalmente ordinaria. Hasta el día en que François se enamora de Emilie y explica a Therese que tiene amor de sobra para ambas mujeres.

«Sabemos que la felicidad es un color sobre las cosas, un sabor, una luz, es en definitiva una noción abstracta […] la historia que se cuenta en la película puede que ilustre o no esta noción. Ilustra, más concretamente, la historia de personajes que quieren ser felices». (Agnès Varda).

Antes de la proyección de La felicidad se podrá ver el cortometraje Elsa la rose (Agnès Varda, 1966). Duración total de la sesión: 99’.


20:30 · Sala 1 ·
Las tres vidas de Luis Ciges

Con mucho cariño (Gerardo García, 1977). Int.: Elvira Quintilla, Luis Ciges, Luisa Fernanda Gaona, Julián del Monte, Miguel Arribas, Félix Rotaeta. España. 35 mm. VOSF. Color. 85’.

Crónica de las relaciones de una familia que vive una profunda crisis. La contratación de familiares por parte del patriarca y dueño de una mediana empresa suscitará rencillas, frustraciones y una competencia que les desgastará a todos.

«Gerardo García ha elegido una modélica figura persuasoria: el plano-secuencia […] Es una figura que dota de unidad estilística a toda la película, conectando mediante sutiles rimas visuales las escenas familiares con las de la oficina […] El plano-secuencia, modelo reducido del sistema de representación del film, distancia al espectador de un orden familiar y social que, al estar fundamentado en el rito y la ceremonia, extraña toda visión que de él pueda hacerse desde fuera de sus propias (y muy coherentes) categorías». (Juan M. Company).

 

Viernes 14 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

El cantor de jazz (The Jazz Singer, Alan Crosland, 1927). Int.: Al Jolson, May McAvoy, Warner Oland, Eugenie Besserer. EEUU. DCP. MRI/E y VOSE. B/N. 88’.

Un joven tiene el sueño de convertirse en un cantante de jazz, pero para conseguirlo tendrá que convencer a su religioso padre, que desaprueba sus ambiciones.

«Es fácil ver el impacto que el sonido debió suponer en 1927, porque sin duda el fenómeno detrás de esta película no tiene nada que ver con la película en sí. Al Jolson interpreta al hijo de un cantor de sinagoga que está partido entre la tradición judía y su amor por la balada. Es todo irregular y ligero, hasta que llega ese momento mágico en el que Jolson mira a cámara y anuncia que “No han escuchado nada aún”, una línea tan cargada de ironía inconsciente que sigue poniendo la piel de gallina». (Dave Kehr).

«La historia del cine ha querido que las primeras palabras de Al Jonson pronunciadas tras una canción en El cantor de jazz pasaran a la posteridad como las primeras del cine sonoro. En los años veinte, una serie de vertiginosos avances en la tecnología del sonido (radio, teléfono, reproducción discográfica…) facilitaron las herramientas para sincronizar imagen y sonido en una película y su reproducción amplificada en una sala de cine. En plena expansión financiera (y no al borde de la quiebra como quiere la leyenda), Warner Bros. incorporó esta tecnología para la producción de cortos musicales que sustituyeran a los espectáculos de vodevil que acompañaban a las producciones cinematográficas y, poco después, para películas enteras. Si Don Juan (1926) y Orgullo de raza (1927) fueron los primeros largometrajes sincronizados, respectivamente, con música grabada y banda de sonido, El cantor de jazz (1927) tiene el mérito de haber añadido la banda de diálogos. ¿Películas sonoras o una ampliación de la producción musical, a la manera de un disco Vitaphone ilustrado? La irrupción del sonido cuestionaba radicalmente la naturaleza del cine. El éxito de El cantor de jazz zanjaría la cuestión: ni photoplay (cine mudo) ni phonoplay (sonoro), como se distinguían las películas entonces, solo cine. Y este duplicó su público hasta convertirse en el mayor espectáculo de masas del siglo XX. Autores como Vicente J. Benet han estudiado cómo estas nuevas condiciones, que demandaban un mayor esfuerzo tecnológico e industrial, dieron lugar a la estandarización tecnológica, de producción, de la experiencia de ir al cine y de su terminología que predominaría en adelante. Del sintagma “cine sonoro” la palabra clave es la primera: desde El cantor de jazz, el espectáculo del sonido sería el espectáculo de lo que por mucho tiempo hemos llamado, simplemente, cine». (Alberto Hernando).


19:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

L’Univers de Jacques Demy (Agnès Varda, 1995). Francia, Bélgica, España. DCP. VOSE. Color y B/N. 90’.

Documental en el que Agnès Varda explora la obra del que fuera su marido hasta su muerte en 1990, Jacques Demy.

«Después de haber realizado un film de ficción sobre la infancia de Jacques, mi intención era hacer un documental –relativamente objetivo- sobre él como adulto y cineasta. Yo misma aporté recuerdos y documentos, pero pasé el relevo también a sus amigos, a los actores y actrices que trabajaron con él, a sus “fans” y a tres chicas que no lo conocieron pero que circulan de manera natural en su universo». (Agnès Varda).


19:45 · Sala 1 ·
Las tres vidas de Luis Ciges

El milagro de P. Tinto (Javier Fesser, 1998). Int.: Luis Ciges, Silvia Casanova, Pablo Pinedo, Pepe Viyuela, Emilio Gavira, Janfri Topera. España. 35 mm. B/N y color. 106’.

Tras cincuenta años de matrimonio, los ancianos P.Tinto y Olivia todavía no han tenido ningún hijo, a pesar de ser su sueño. Cuando un ovni aterrice en su casa llevando a dos marcianos consigo, la pareja adoptará a ambos como sus propios hijos.

«Encadenando acontecimientos azarosos que son confundidos con milagros y viceversa, la película avanza con la inercia de un dibujo de Tex Avery, el brillo de un tebeo de Francisco Ibáñez, el gusto costumbrista de Luis García Berlanga y la asunción del absurdo como único pilar al que aferrarnos de José Luis Cuerda». (Ricardo Rosado)

Presentación a cargo del director, Javier Fesser.

 

Domingo 16 de mayo


18:00 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Estudio amueblado 2.P. (José María Forqué, 1969). Int.: Fernando Fernán Gómez, José Luis López Vázquez, Amparo Soler Leal, Esperanza Roy. España. DCP. Color. 94’.

La llegada de un ordenador a una oficina bancaria trastoca la vida de dos empleados que utilizan el aparato para ligar. Tras un sonado fracaso con una clienta, el jefe de la empresa abre una investigación entre el personal.

«Hubo una persona, el director José María Forqué, con el que había trabajado en La becerrada, que me llamó en esta etapa de un modo pudiéramos decir constante, ya que hice tres películas con él cuando yo consideraba precisamente que mi valor no existía. Casi notaba como un intento decidido por parte de Forqué de aclarar por qué yo no era un valor comercial». (Fernando Fernán Gómez).


19:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Ran (Akira Kurosawa, 1985). Int.: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu, Daisuke Ryu. Japón, Francia. DCP. VOSE. Color. 162´. Copia restaurada por StudioCanal y Kadokawa Pictures y supervisada por Masaharu Ueda, codirector de fotografía de la película.

Llegado el momento de repartir su reino, un señor feudal tiene un enfrentamiento con uno de sus tres hijos y acaba enviándole al exilio. Este suceso le llevará a descubrir que la lealtad de sus hijos no es tal y como parecía a primera vista.

«De las más grandes adaptaciones de Shakespeare. Es posible que la forma en que la película de Kurosawa saca El rey Lear de su terreno habitual sirva precisamente para comprender mejor la base de la obra de Shakespeare: esa arrogancia y egocentrismo humanos que, en el momento de la muerte, necesita creer que el mundo será un lugar más pobre y pequeño cuando nos vayamos». (Peter Bradshaw).

«Esta reescritura épica de la shakesperiana El rey Lear, situada en el Japón feudal, no tiene parangón en su modo de combinar la grandilocuencia y el lirismo, el cromatismo visual con el realismo emocional. Cualquier elemento que mencionemos desde el concepto al desarrollo fotográfico, el guion y la acción de las batallas, el montaje, las interpretaciones, el sonido, la música, vestuarios y maquillaje...– solo viene a confirmar el compromiso absoluto de Akira Kurosawa con su oficio, con el cine, y su creencia en las posibilidades del séptimo arte para capturar un espíritu y una emoción y embalsamarlo en celuloide para la posteridad. Ran, que significa “caos”, logra transformar el horror de la existencia en arte y belleza, creando una conmoción en el espectador que solo puede encontrar una respuesta válida en el silencio, la estupefacción. Si de 1950 a 1965 el director japonés realizó doce películas, Ran fue su cuarto film en veinte años, debido a la dificultad de reunir financiación para una épica que llevaría al límite los recursos humanos y materiales para su producción, comandada por Serge Silberman. El relato es tanto un ensayo sobre el orgullo y la decadencia del ser humano cegado por el poder como sobre el arte de la guerra, que Kurosawa representó en la pantalla no solo desde la monumentalidad de la épica sino desde la exploración de las pasiones y la psicología humanas, en una operación de refinado y sofisticación que concentraba todo lo explorado en sus épicas samuráis precedentes a lo largo de las décadas». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Martes 18 de mayo

 

20:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo

La Pointe-Courte (Agnès Varda, 1955). Int.: Philippe Noiret, Silvia Monfort, Marcel Jouet, Albert Lubrano. Francia. DCP. VOSE. B/N. 86’.

Dos amantes se reúnen en la ciudad de Sète para resolver sus diferencias.

«La Pointe-Courte es un film milagroso. Por su existencia y por su estilo. […] La autora ha adoptado un sesgo paradójico de estilización en el realismo. Todo es simple y natural y, al mismo tiempo, desnudo y compuesto». (André Bazin).



Miércoles 19 de mayo


20:00 · Sala 1 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7, Agnès Varda, 1962). Int.: Corinne Marchand, Antoine Bourseiller, Dominique Davray, Dorothée Blanck. Francia. DCP. VOSE. B/N. 90’.

Una cantante deambula por París durante noventa minutos mientras espera, cada vez más angustiada, los resultados de un examen médico.

«El filme se desarrolla a tiempo real. La cámara no se aleja de Cléo de las 17:00 a las 18:30. […] Me pareció interesante hacer sentir sus movimientos vivos y desiguales, como una respiración alterada, en el interior de un tiempo real en el que los segundos se miden sin fantasía». (Agnès Varda)

Presentación del libro 'Agnès Varda. Espigadora de realidades y de ensueños', escrito por Imma Merino, periodista y crítica de cine.

 

Jueves 20 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Un adulterio decente (Rafael Gil, 1969). Int.: Carmen Sevilla, Fernando Fernán Gómez, Manolo Gómez Bur, Jaime de Mora y Aragón, Andrés Pajares, Rafael Hernández, María Isbert, Manuel Alexandre, Mónica Randall, Guadalupe Muñoz Sampedro. España. 35 mm. Color. 95´

Un hombre de mediana edad mantiene una relación con una mujer que cree viuda cuando en realidad está casada. Este problema lo solucionará un científico que afirma haber encontrado la cura de la infidelidad: la convivencia.


20:00 · Sala 1 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Jane B. par Agnès V. (Agnès Varda, 1988). Int.: Jane Birkin, Jean-Pierre Léaud, Philippe Léotard, Serge Gainsbourg. Francia. DCP. VOSE. Color. 97’.

Un retrato de la actriz y cantante Jane Birkin construido, de forma muy libre, a partir de diferentes escenas de ficción.

«Esta película es una balada imaginaria (…) un collage. No tengo ninguna justificación frente a aquellos a quienes no les gusta. Si los trozos de collage no gustan, ¡que los despeguen!». (Agnès Varda) 
Viernes 21 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

El arca rusa (Russkii kovcheg, Aleksandr Sokúrov, 2002). Int.: Sergei Dreiden, Maria Kuznetsova, Leonid Mozgovoi, Mikhail Piotrovsky. Rusia. DCP. VOSE. Color. 99´.

En el siglo XIX un aristócrata francés viaja al Museo del Hermitage y vive una serie de encuentros con figuras históricas de los últimos doscientos años.

«Para Sokúrov, el plano secuencia no es un truco ni una “hazaña formal vana” ni un “as estético bajo la manga”: es la misma esencia de la película. Se podría decir que la relación clave de la película no es la que se establece entre el protagonista y el narrador, sino la que hay entre la cámara y el Hermitage. La puesta en escena de la película es la cultura viva de la historia de Rusia y Europa». (Pasquale Iannone)

«Filmada íntegramente en un único plano secuencia de más de hora y media, El arca rusa de Aleksandr Sokúrov es la película más impresionante que pueda filmarse en un museo. Como impresionante es el Museo del Hermitage y la materia con que Sokúrov hace su película: el legado del Imperio Ruso, desde Pedro el Grande hasta la caída de Nicolás II y más allá, incluido un gélido vistazo a la Rusia posrevolucionaria. El arca rusa se filmó en una única toma en steadicam con una cámara digital de alta definición y supuso una espectacular coreografía a través de 33 salas del museo, con cientos de extras, tres orquestas y numerosos asistentes. Actualmente es frecuente encontrar películas que exhiban un plano secuencia único, con o sin trucos, como reclamo espectacular por el que acudir a las salas de cine (Birdman, Victoria, Utoya: 22 de julio, 1917…); pero en El arca rusa el permanente ballet de la cámara, más que un ejercicio de virtuosismo, es el movimiento único que pone en continuidad todo ese tiempo pasado que ha sido consolidado en el espacio del antiguo Palacio de Invierno y ahora una de las pinacotecas más importantes del mundo. En este contenedor, que para Sokúrov es literalmente un arca como la de Noé, caben los principales personajes de su tiempo, la música y la danza, discusiones sobre las relaciones entre Rusia y Europa y algunas de las obras de arte más valiosas del mundo; todo puesto en continuidad y relación por la gramática cinematográfica del movimiento perpetuo y con la guía de un diplomático francés contemporáneo de las Guerras napoleónicas, único interlocutor de este narrador recién llegado al espectáculo de la Historia». (Alberto Hernando).


20:00 · Sala 1 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Sin techo ni ley (Sans toit ni loi, Agnès Varda, 1985). Int.: Sandrine Bonnaire, Macha Méril, Stéphane Freiss. Francia. DCP. VOSE. Color. 105’.

En la campiña del sur de Francia, el cadáver de una mujer aparece en una zanja. Mediante recuerdos y entrevistas, la película narra sus últimas semanas de vida, sus encuentros, su soledad.

«Se trata de estudiar el efecto que produce un personaje que no quiere nada sobre unas personas que representan la Francia profunda, muy ligada a tradiciones como el trabajo, la propiedad, la honestidad, la familia y, finalmente, la patria». (Agnès Varda).

Antes de la proyección de Sin techo ni ley se podrá ver el cortometraje Histoire d'une vieille dame (Agnès Varda, 1985). Duración total de la sesión: 109’.

 

Sábado 22 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca Junior

El desván de la fantasía (José Ramón Sánchez y Cruz Delgado, 1979). España. 35 mm. Color. 75’.

Un abuelo y sus nietos pasan el rato en el desván de su casa, inventando fantásticas aventuras.

«José Ramón Sánchez propuso al estudio de Cruz Delgado un largometraje basado en unos libros infantiles y didácticos que había ilustrado […] A los pocos días, el guionista Gustavo Alcalde entregó una historia muy bien enlazada, pues el encargo era complicado, ya que cada libro trataba de un tema diferente: las artes, el deporte, el cine. Tanto a Cruz Delgado como a José Ramón les gustó cómo había sido desarrollado y el sugestivo título que le había dado a la película: El desván de la fantasía». (Jorge San Román y Cruz Delgado Sánchez).


20:00 · Sala 1 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Jacquot de Nantes (Agnès Varda, 1991). Int.: Philippe Maron, Edouard Joubeaud, Laurent Monnier, Brigitte De Villepoix. Francia. DCP. VOSE*. B/N y color. 118’.

Retrato episódico de la infancia del cineasta Jacques Demy, director de Los paraguas de Cherburgo o Las señoritas de Rochefort y con el que Agnès Varda estuvo casada durante 38 años, hasta la muerte de él en 1990.

«Quise hacer una película relativamente modesta, a la antigua, por lo tanto en blanco y negro y que reflejase las cosas con simplicidad, un poco como las películas que tanto le gustaban a Jacques [Demy]». (Agnès Varda).

 

Domingo 23 de mayo


18:00 · Sala 2 · Cine espectáculo
Nathaniel Dorsky: Arboretum Cycle

Siete piezas del cineasta Nathaniel Dorsky dedicadas a la observación de la relación de la luz con los árboles en el Arboretum del parque Golden Gate, en San Francisco.

Elohim (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 31’.
Abaton (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 19’.
Coda (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 16’.
Ode (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 20’.
September (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 20’
Monody (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 16’
Epilogue (Nathaniel Dorsky, 2017). EEUU. 16 mm. Color. 15’

«“Quiero que la película respire luz”. Esa fue la ambición seminal del cineasta experimental Nathaniel Dorsky cuando se propuso filmar, a lo largo de todas las estaciones, un ciclo de siete películas cortas en el Strybing Arboretum cerca del Golden Gate de San Francisco. El resultado, Arboretum Cycle: un film, un experimento, un proceso de interacción mecánica y simbiótica con la naturaleza que, apelando a su esencia ontológica, suscribe el potencial del cine para ofrecerse como una experiencia de carácter trascendental. En su breve ensayo-manifiesto Devotional Cinema escribe Dorsky: “Por encima de todo, el cine es una pantalla, el cine es un rectángulo de luz, el cine es luz esculpida en el tiempo”. La experiencia contemplativa, transformadora que propone Arboretum Cycle nos predispone a congelar el momento de la transición, es decir, el movimiento, para comprender que la vida es una sucesión ininterrumpida de pequeñas, inapreciables, modificaciones que se hacen radicales. De la luz a la oscuridad, del crecimiento a la decadencia, bajo climas agradables y salvajes. El foco microscópico adquiere con el tiempo una dimensión macroscópica: todo cabe si fijas la cámara frente un ente orgánico, si atrapas sus mutaciones de luz, sus diferentes texturas, en cuya experiencia se inscribe como parte orgánica del proceso la obligatoriedad de proyectar sus películas en 16 mm. Sumergirse en su ciclo de siete películas se traduce en lo que Dorsky ha llamado “un año completo en el mundo de la luz y las plantas”, retratando toda la luz y, por extensión, toda la vida». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

Presentación a cargo de Francisco Algarín, crítico y programador cinematográfico. Duración total de la sesión: 147’.


20:15 · Sala 1 ·
Sesión especial

Dont Look Back (D.A. Pennebaker, 1967). EEUU. B-R. VOSE. B/N. 96’.

Retrato documental de Bob Dylan durante su gira por Inglaterra en 1965.

«Así que, ¿es lo que vemos en Dont Look Back el “verdadero” Bob Dylan? Pennebaker le describió más tarde como alguien que “interpretaba su propia vida”. Un Dylan diferente surge en cada escena. ¿Es amable, cruel, ingenioso, aburrido, diligente, indiferente, estoico, petulante, taimado, ingenuo, tímido, arrogante, agresivo y andrógino? Sí, lo es, o parece serlo, y de Pennebaker a los múltiples Bob Dylans de Todd Haynes en I’m Not There hay apenas unos pasos. Entonces, ¿es el Direct Cinema “la vida real”? ¿Quién puede asegurarlo?». (Robert Polito).

 

Martes 25 de mayo


17:30 · Sala 1 · Cine espectáculo

Cleopatra (Joseph L. Mankiewicz, 1963). Int.: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Pamela Brown, Roddy McDowall, Martin Landau, George Cole, Hume Cronyn, Cesare Danova, Robert Stephens. EEUU, Suiza, Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 253’.

La que sería conocida como la última reina de Egipto lucha durante años por conservar su poder mientras se enfrenta a conflictos internos y a las ambiciones expansionistas de los gobernantes de Roma.

«Un espectáculo majestuoso, a veces abrumador. […] El momento central es la colosal entrada de la reina en Roma, para la que Mankiewicz crea una sensacional fantasía propia de Busby Berkeley, como si se tratase de la ceremonia de apertura de los más grandes juegos olímpicos». (Peter Bradshaw)

«La leyenda rodea una producción que con un presupuesto de 44 millones de dólares aún puede considerarse, tras ajustar la inflación, entre las más costosas de la Historia del cine. No eran esos los planes de 20th Century Fox, que con el reclamo de Elizabeth Taylor pretendía competir con los éxitos de Quo Vadis y Ben-Hur, pero un imprevisto tras elevaron a Cleopatra a sus faraónicas dimensiones: las localizaciones en Pinewood (Inglaterra) no se parecían precisamente a Egipto y a los inconvenientes meteorológicos se sumaron sucesivos problemas de salud de Elizabeth Taylor; el director inicial, Rouben Mamoulian, fue sustituido por Joseph L. Mankiewicz, quien realizó nuevos cambios en el guion; un romance entre Elizabeth Taylor y Richard Burton, ambos casados, produjo nuevos escándalos; y así un no parar de accidentes cotidianos. Lo verdaderamente sorprendente es que de todo ello resultara una película como Cleopatra. Según la narrativa del Nuevo Hollywood, Cleopatra sería al Hollywood clásico el cadáver sobre el que Bonnie y Clyde supondría un nuevo renacimiento, pero si bien Cleopatra marcó el final del cine épico y ha pasado a la historia como un desastre financiero, en realidad obtuvo un modesto beneficio y sigue ofreciendo un doble espectáculo. Por un lado, el espectáculo de las pasiones entre Julio César, Antonio y Cleopatra, que bebe de los dramas de Shakespeare pasados por una intensidad propia de Tennessee Williams. Por otro, el espectáculo de la Antigua Roma, que con su suntuoso diseño de producción y centenares de extras, ambientes exóticos y diálogos literarios encarnó el espectáculo por excelencia de las épicas superproducciones de entonces. A ello hay que sumarle el tercer espectáculo extra de una producción que, como la propia Cleopatra, fue kamikaze en sus ansias de grandeza». (Alberto Hernando).


19:00 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

¡Adiós, Mimí Pompón! (Luis Marquina, 1961). Int.: Silvia Pinal, Fernando Fernán Gómez, Catalina Bárcena, Manuel Collado, José Luis López Vázquez, Carmen Bernardos, Amparo Baró, Antonio Ferrandis. España. 35 mm. Color. 102’.

Una famosa cantante de cuplé se casa con un rico comerciante que ha quedado viudo cinco veces. Este sorprendente hecho lleva a un policía a desconfiar del marido y empieza una investigación para descubrir si en realidad es un asesino.

«En esta época casi nunca fui llamado para una película que se pudiera considerar en España un empeño importante […] Durante todos estos años solo intervine en un cine completamente medio y sin ninguna atención por parte del público, y mucho menos de la crítica, y que ahora me resultan casi indiferenciables. No podría decir nada de ¡Adiós, Mimí Pompón! que no pudiera decir de Crimen para recién casados o de Bombas para la paz. Creo que es una etapa de trabajo absolutamente inútil y para lo único que me servía era para vivir de una manera alegre». (Fernando Fernán Gómez).

 


Miércoles 26 de mayo

 

18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Caras y lugares (Visages villages, Agnès Varda y JR, 2017). Francia. DCP. VOSE. Color. 94’.

La cineasta Agnès Varda y el fotógrafo JR recorren Francia, fotografiando a la gente que les rodea y compartiendo su forma de ver el mundo.

«Agnès Varda y el fotógrafo francés Jean René unieron fuerzas gracias a Rosalie Varda, hija de la directora. Varda y JR recorren juntos la campiña para poner el foco en personas corrientes, dándoles una plataforma no solo para sus imágenes sino para sus voces». (Wang Muyan).


19:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Corrientes de amor (Love Streams, John Cassavetes, 1984). Int.: Gena Rowlands, John Cassavetes, Diahnne Abbott, Seymour Cassel. EEUU. DCP. VOSE. Color. 141’.

Dos personas que están pasando por momentos de profunda tristeza se reúnen y tratan de ayudarse a salir adelante.

«Cassavetes tiene una relación con su material completamente diferente a la que pueda tener un Hitchcock, un De Palma, un Kubrick o un Altman. Dado que, en cierto sentido, todos los personajes son versiones de sí mismo, no puede alejarse lo suficiente de ellos y sus situaciones para juzgarlos, analizarlos u opinar sobre ellos. No puede sentirse intelectualmente superior de algo que le resulta tan cercano, de impulsos que son simplemente sus propios impulsos». (Ray Carney).

«No sabemos si hay un estilo Cassavetes pero sí que hay un cine Cassavetes. Inconfundible en su crudeza y su desgarro, impetuoso en su belleza, persistente en su autenticidad, como si cada gran decisión (ese momento en que todas las posibilidades de dónde colocar el foco, hacia dónde moverse, qué luz capturar, están abiertas y son potencialmente infinitas) respondiera a un gesto intuitivo pero insustituible, como el único brochazo posible. En Corrientes de amor, pintor y musa vuelcan sus tempestades como un pensamiento en proceso, una erupción volcánica de intuición, de locura y urgencia por capturar el tiempo que se desvanece. Cassavetes y Gena Rowlands, pareja en la vida y el cine, hermanos en esta última ficción que ruedan juntos, interpretan esta vez a los últimos supervivientes de una estirpe familiar, dos seres absolutamente desesperados. La película es exasperante porque nunca sabemos dónde colocarnos (qué distancia tomar respecto a la locura que propulsa a los personajes) ni lo que ocurrirá a continuación. El drama avanza a golpes, vapuleado por las corrientes de amor que, sumergidas, azotan con furia mediante escenas que acumulan intensidad y parecen no venir de ningún lado. No es un docudrama ni un juego psicológico con una lección que aprender, no hay moral bajo la que cobijarse. Es vida en crudo, espontánea, en el abismo. En palabras de Cassavetes, fue “la película más triste de mi vida”, también su última, realizada cuando sabía que le quedaban seis meses de vida, “un tributo a mi mujer para pagarle todas las maldades que le hice”». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Jueves 27 de mayo


17:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Black Panthers (Agnès Varda, 1968). Francia, EEUU. DCP. VOSE. Color. 31’.

Una serie de entrevistas realizadas por Agnès Varda con motivo de las protestas de la comunidad afroamericana por el encarcelamiento de Huey P. Newton, cofundador de las Panteras Negras.

«Black Panthers es la única película a favor del extremismo negro proyectada comercialmente en América. Es un reportaje incendiario, una constatación de la represión policial en la ciudad de Oakland donde las Panteras nacieron y donde la policía es particularmente brutal. No es una obra maestra técnica sino un instrumento revolucionario que Agnès Varda financió ella misma». (Claire Clouzot)

Antes de la proyección de Black Panthers se podrá ver el cortometraje Oncle Yanco (Agnès Varda, 1967). Duración total de la sesión: 49’.


18:30 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

La vil seducción (José María Forqué, 1968). Int.: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Milagros Leal, José Sazatornil 'Saza', José Orjas. España. DCP. Color. 91’.

Una actriz escapa en plena gira con su compañía teatral harta de ser valorada solo por su belleza. Cuando en la huida tiene un accidente y queda varada, la actriz se refugia en casa de un hijo y su madre, los cuales la toman por una monja.

«Aunque a él (Forqué) por timidez y rubor nunca se lo dije, me gusta que quede manifestado aquí mi agradecimiento (por haberle contratado), a pesar de que nunca he acertado a ver por qué se arriesgó aun en contra, creo, de la opinión de los demás». (Fernando Fernán Gómez).


19:30 · Sala 1 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Touki Bouki (Djibril Diop Mambéty, 1973). Senegal. DCP. VOSE. Color. 85’.

Dos jóvenes se conocen en Dakar y comienzan a buscar formas de huir de allí y vivir en París.

«No crea un mundo imaginario basado en una nostalgia retro-utópica ni tampoco en un relato revolucionario determinante. Su desafío es el de afirmar una escapada al lugar que se le supone y omitir su esperada reacción al poder y a las formas de dominación, tejiendo un relato estético, afectivo e irracional». (Marina Riera Retamero).

Presentación a cargo de Cecilia Barrionuevo y James Lattimer, comisarios artísticos de DocumentaMadrid. Touki Bouki y Mille soleils podrán verse en junio en una sesión conjunta.

 

Viernes 28 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Mille soleils (Mati Diop, 2013). Francia. DCP. VOSE. Color. 45´

Retrato de Magaye Niang, el actor principal de Touki Bouki, mientras recuerda la historia de su primer amor tras una proyección del clásico senegalés.

«No fascina por su naturaleza incierta de realidad o ficción, sino por la naturaleza incierta de su personaje, pues Magaye se ha apropiado de Touki Bouki y la justifica. Porque la ha vivido, le pertenece. Y preguntarnos cuánto hay de verdad en ello sería impropio. Touki Bouki renace en Mille soleils, que se proyecta en un cine al aire libre en Dakar. Y Magaye aparece entre el público como una vieja gloria: “¿Veis a ese de ahí, el actor de la película? ¡Soy yo!”». (Andrea Franco).

Antes de la proyección de Mille soleils se podrá ver el cortometraje Atlantiques (Mati Diop, 2009). Duración total de la sesión: 61’. Touki Bouki y Mille soleils podrán verse en junio en una sesión conjunta.


19:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Lions Love (Agnès Varda, 1969)
. Int.: Viva, James Rado, Gerome Ragni, Shirley Clarke. Francia, EEUU. DCP. VOSE. Color. 110’.

Narración a medio camino entre lo estructurado y lo improvisado sobre tres actores que viven juntos y una directora que viaja desde Nueva York para hacer una película sobre Hollywood.

«Lions Love es una película americana, aunque yo sea francesa. Intenté hacer una película americana porque el tema era América, quería comprender aquello que veía de América, incluso aunque fuese algo limitado». (Agnès Varda).

Antes de la proyección de Lions Love se podrá ver el cortometraje Réponse de femmes: Notre corps, notre sexe (Agnès Varda, 1975). Duración total de la sesión: 118’


20:00 · Sala 1 ·
Sala:B

Más allá del terror (Tomás Aznar, 1980). Int.: Francisco Sánchez Grajera, Raquel Ramírez, Emilio Siegrist, Antonio Jabalera. España. DCP. Color. 83’.

«”Sala:B” vuelve a emerger desde los sótanos del Doré para presentar una de las películas más recordadas y menos accesibles de los cines de barrio. Producida por el maestro valenciano Juan Piquer Simón, creador de Supersonic Man y La grieta, y dirigida por su paisano Tomás Aznar. Esta copia nueva permitirá por fin ver la película sin las deficiencias de las grabaciones VHS que circulaban hasta ahora entre los coleccionistas.

Más allá del terror es la segunda película de Aznar (1936-1996), alumno de la Escuela Oficial de Cine que había debutado con El libro de buen amor cinco años antes, aprovechando el tirón del destape y la popularidad de Patxi Andión. Asociado con Piquer Simón (bajo el seudónimo de Alfredo Casado), optan ahora por subirse a la ola de cine quinqui y de terror que inundaba los programas dobles, ofreciendo ambos estímulos por el precio de una entrada.

La primera mitad sigue el formato quinqui metropolitano patentado por José Antonio de la Loma y la segunda se convierte en un fantaterror de inspiración satánica situado en una iglesia rural abandonada. Aznar y Piquer Simón se adelantan así al estilo “dos en uno” que Tarantino y Rodríguez quisieron rescatar mucho después con Abierto hasta el amanecer o Grindhouse. Más allá del terror se empezó a rodar en marzo de 1980 con un presupuesto de 20 millones de pesetas (unos 120.000€) y aquel mismo verano estaba ya en los cines.

En el reparto no encontraremos rostros muy populares, aunque los fieles de “Sala:B” reconocerán a Emilio Siegrist de Los claros motivos del deseo. Interpreta a Nico, miembro de una violenta banda de delincuentes juveniles que se dedican a “dar palos” y hablar como hablan los quinquis. Curiosamente, es su hermana Lola (Raquel Ramírez) la más cruel y despiadada del grupo, aunque ningún personaje se salva en este desolador retrato de la sociedad urbanita de entonces. Cuando salen de la ciudad y sus vidas corren peligro, quinquis y ricos son igual de salvajes. Más allá del terror acaba saldando cuentas con aquella ambición capitalista que dio la espalda a los mayores y a la vida de pueblo, ignorando que las fuerzas arcanas que permanecían enterradas allí eran mucho más poderosas.

Antes de la película, una selección de tráilers de la época devolverán al Doré a su esencia de cine de barrio, cuando era conocido como “el palacio de las pipas”». (Álex Mendíbil, comisario de la sesión).

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión. Duración total de la sesión: 110’.


Sábado 29 de mayo


17:00 · Sala 1 ·
Cruz Delgado. El quijote de la animación

Mágica aventura (Cruz Delgado, 1973). España. 35 mm. Color. 69’.

Cuando dos niños se pierden en el bosque buscando una cometa, es solo el primer paso de una gran aventura en la que conocerán a magos, gigantes y otros personajes extraordinarios.

«Una semanas después de presentarla en el festival de Gijón, Cruz (Delgado) entró en contacto con la distribuidora Warner Española, y consiguió ser recibido por su presidente. […] “Vimos la película en la sala de proyección que Warner tenía por la zona de Doctor Fleming, y ahí me la jugaba. Cuando terminó la proyección, me dijo ‘Enhorabuena, ¿firmamos el contrato?’ Lógicamente no tardé ni un segundo en decirle que estaba de acuerdo.” […] Mágica aventura se mantuvo durante un mes y medio en el cine Imperial de Madrid, donde tradicionalmente se presentaban los estrenos de las películas de Walt Disney». (Jorge San Román y Cruz Delgado Sánchez).


18:00 · Sala 2 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Esta sesión reúne el debut de Djibril Diop con otras dos piezas: tanto Badou Boy como Contras City son retratos de Dakar, la capital de Senegal, mientras que Parlons grand-mère es la crónica del rodaje de una película de Idrissa Ouédraogo en Burkina Faso.

Contras’ City (Djibril Diop Mambéty, 1969). Senegal. DCP. VOSE. Color. 22’.
Badou Boy (Djibril Diop Mambéty, 1971). Senegal. DCP. VOSE. Color. 56’.
Parlons grand-mère (Djibril Diop Mambéty, 1988). Senegal. DCP. VOSE. Color. 34’.

«A Mambéty le encanta colar sus intenciones en los lugares más insospechados, usando objetos benignos como un reproductor de música como si fueran su altavoz. […] Sus acusaciones más severas están siempre dedicadas a los burócratas acomodados, una poderosa facción de la sociedad a la que no le interesa el bienestar común, lo suficientemente superficial como para abandonar una conferencia de paz para concentrarse en alabar a “un perro de lujo africano”». (Matthew Deapo).


19:30 · Sala 1 · Cine espectáculo

Grupo salvaje (The Wild Bunch, Sam Peckinpah, 1969). Int.: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O´Brien, Ben Johnson, Warren Oates, Emilio Fernández, Strother Martin, L.Q. Jones. EEUU. DCP. VOSE. Color. 145´.

Durante los estertores finales del Salvaje Oeste, un grupo de veteranos forajidos se propone un último golpe a la antigua usanza.

«A Peckinpah le gusta transitar la fina línea que separa la violencia destructiva de la constructiva. Aquí, durante buena parte del metraje, la violencia parece ser casi gratuita, hasta que de repente algo se quiebra y la violencia se convierte en otra cosa». (Paul Schrader).

«Si el mundo contemporáneo ha puesto el foco en la mirada, el cine clásico nos devuelve hoy con nostalgia imágenes que todavía registraban la acción como núcleo de su propósito. De Sam Peckinpah se ha dicho tantas veces que fue el hombre que mató a John Ford que ya hemos terminado creyéndolo, pero cuando el medio siglo de cine que nos precede ya ha acumulado barbarismos y violencias sin igual sobre su tumba, Peckinpah se vislumbra no tanto como un punto de partida, sino como una conclusión al western, quizá a todo el cine americano. Grupo salvaje permanece como un clásico porque entiende el cine como la reproducción de un gesto, el registro de una acción, el movimiento expresado por los cuerpos en el plano. La fascinación de ese gesto conduce a una coreografía de la violencia sometida a una lírica, visceral ralentización del tiempo, como si en el instante de la crueldad hubiera una verdad digna de ser recordada, una suerte de liturgia funeraria. Todo el film es agonía y crepúsculo, barbarismo y demencia, pero aún se cuela un lirismo entre las rendijas de unas imágenes polvorientas, corpóreas, quemadas por el sol y el alcohol, sangrientas y crudas, salvajes. El sentido del espacio que se apropia de la matanza final nos hace al tiempo observadores y partícipes de la carnicería a nuestro alrededor, asesinos y víctimas, para acabar entendiendo que no hay muerte estéril ni tampoco heroica, que el espectáculo de la violencia siempre se debate entre lo grotesco y lo poético». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Domingo 30 de mayo


18:00 · Sala 2 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Esta sesión reúne los dos últimos trabajos de Diop Mambéty, dos mediometrajes de ficción que siguen a sendos personajes que se buscan la vida en las calles de Dakar. Ambas piezas forman parte de la trilogía inacabada “Historias de gente pequeña”.

Le franc (Djibril Diop Mambéty, 1994). Senegal, Suiza, Francia. DCP. VOSE. Color. 46’.
La petite vendeuse de soleil (Djibril Diop Mambéty, 1999). Senegal, Suiza, Francia, Alemania. DCP. VOSE. Color. 45’.

«Creo que un cineasta tiene que ir más allá de la mera filmación de los hechos. De hecho, creo que los africanos tienen que reinventar el cine. No será una tarea fácil, porque nuestra audiencia está acostumbrada a un tipo de lenguaje muy específico, pero hay que tomar una decisión: o eres popular y hablas a la gente de forma sencilla y clara, o buscas un lenguaje del cine africano que excluya la charla y se centre en trabajar con la imagen y el sonido». (Djibril Diop Mambéty).


19:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Una canta, otra no (L'Une chante, l'autre pas, Agnès Varda, 1977). Int.: Thérèse Liotard, Valérie Mairesse, Robert Dadiès, Ali Rafie. Venezuela, Francia, Bélgica, URSS. DCP. VOSE*. Color. 120’

La historia de amistad de dos mujeres a lo largo de los años con el trasfondo de la lucha feminista en la Francia de los 70.

«Si hay una lucha narrada en Una canta, otra no es aquella de la anticoncepción, por la libertad sexual o corporal de las mujeres». (Agnès Varda).

Antes de la proyección de 'Una canta, otra no' se podrá ver una breve pieza inédita de Agnés Varda y el cortometraje Placer de amor en Irán (Agnès Varda, 1976). Duración total de la sesión: 129’.

 


LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también, desde el 3 de abril, en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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