Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 16/11/2021 hasta el 15/12/2021
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

 

PROGRAMA

 

 

NOVIEMBRE DE 2021

 

En noviembre Filmoteca Española comienza dos grandes ciclos: por un lado, la habitual colaboración con el Museo Reina Sofía trae “Black Film Matters”, una selección de lo más fundamental del cine afroamericano, desde Oscar Micheaux a Spike Lee, pasando por Charles Burnett y Julie Dash; por otro, una completa retrospectiva de la obra del holandés Paul Verhoeven, que recorre sus etapas europeas y el periodo estadounidense. Además, abrimos nuevos programas en torno a Alberto Closas, Monika Treut, Mario Camus y Antonio el Bailarín y continuamos con los ciclos dedicados a Jerry Schatzberg, Fernando Fernán Gómez y la edad de oro del cine surcoreano.

 

Martes 16 de noviembre

                                                                                                                                                                                                       17:00 · Sala 1 · Centenario Alberto Closas

Todos somos necesarios (José Antonio Nieves Conde, 1959). Int.: Alberto Closas, Folco Lulli, Lida Baarova, Josefine Kipper, Manuel Alexandre, Francisco Bernal, Rafael Calvo Revilla, José Calvo, Roberto Camardiel. España, Italia. 35 mm. B/N. 85’.

Tres presos de muy diferente trasfondo (un médico, un ladrón y un funcionario) abandonan la cárcel una vez cumplida su condena. Cuando los caminos de los tres confluyen en un mismo tren, su experiencia les descubre que la sociedad no está dispuesta a aceptarles.

«Es una historia humana y dicha en tono menor. Las situaciones están esbozadas, no se quiso salir de la sugerencia, jamás llegar al típico dramatismo. […] Fue un film europeo que se anticipó a lo que luego sería una película comunitaria. El babelismo de lenguas y nacionalidades no provocó fricción alguna. Los actores pueden ser diversos en nacionalidad, pero iguales en la profesión. ¡Qué ejemplo! […] Para mí lo más destacable del film es el tren en sí. ¿Hay algo más cinematográfico que un tren, y un tren de vapor? ¡El tren de Porter, el tren de Renoir, el tren de Sternberg!». (José Antonio Nieves Conde).


21:00 · Sala 1 · Black Films Matter
Homilías: Pioneros

- Hell-Bound Train (James y Eloyce Gist, circa 1930). EEUU. DCP. B/N. 50’.
- Heaven-Bound Travelers (James y Eloyce Gist, circa 1935). EEUU. DCP. B/N. 15’.

Aunque no compartían la misma fe (ella era bahaista, mientras que él era cristiano evangelista), el matrimonio formado por James y Eloyce Gist dedicó una parte importante de los años 30 a filmar películas pedagógicas para mostrar en escuelas e iglesias de la comunidad afroamericana. Sus filmes, rodados en 16 mm con muy escasos medios, sin sonido y actores no profesionales, servían como acompañamiento a los sermones que James pronunciaba por todo el país. De ahí que estén marcados por un evidente carácter aleccionador y espiritual, pero también por una sorprendente libertad formal. Este programa ofrece su obra más ambiciosa, un catálogo de vicios de la época que el matrimonio quería denunciar (maltrato animal, alcoholismo, apuestas, baile…), acompañada por una nueva partitura compuesta por Samuel Wymon, y después su secuela inacabada, descubierta mientras se trabajaba en la restauración de Hell-bound Train.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.

 

Miércoles 17 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Portret van Anton Adriaan Mussert (Paul Verhoeven, 1970). Países Bajos. DCP. VOSE. B/N. 50’.

Este documental para televisión investiga la figura de Anton Mussert, líder del partido fascista holandés entre 1931 y 1945 que fue fusilado en 1946 acusado de colaborar con los nazis.

«Personalmente, lo que me intrigaba sobre Mussert era como un hombre tan inteligente podía creer que “Dios envió a Hitler a la Tierra para salvar a Europa y a Holanda”. ¡Una vez dijo eso literalmente! Para Mussert, Hitler era un profeta, y aunque nunca explicito eso en la película, está de fondo y bajo la superficie. Pero, desde el momento en que conoció al Fuhrer en 1936, dejó de pensar en Hitler como un profeta. Eso es lo que intentaba resaltar en el documental». (Paul Verhoeven).

Segunda proyección en enero.


19:30 · Sala 2 ·
Flores en el infierno

A Coachman (Mabu, Kang Dae-jin, 1961). Int.: Kim Seung-ho, Shin Yeong-gyun, Hwang Jeong-sun, Jo Mi-lyeong. Corea del Sur. DCP. VOSI/E. B/N. 98’.

A pesar de sus esfuerzos, un cochero viudo ve como la situación de su familia no deja de empeorar.

«Las escenas de las calles de Seúl, por donde transitan tanto caballos como medios de transporte modernos, muestran una sociedad en la que conviven tiempos pre-modernos y modernos. En la misma línea, la diversidad de personajes también es significativa. Las dos hijas del protagonista, una que se aferra a su matrimonio a pesar de las palizas que le propina su marido y la otra que quiere relaciones libres y sueña con ascender socialmente, parecen dos personas de épocas completamente diferentes». (Youn Sung-eun).


21:00 · Sala 1 ·
Festival Márgenes

Diários de Otsoga (Maureen Fazendeiro y Miguel Gomes, 2021). Int.: Crista Alfaiate, Carloto Cotta, João Nunes Monteiro. Portugal, Francia. DCP. VOSE. Color. 102´.

«Márgenes es un festival internacional de cine dedicado al cine independiente y de autor. Su misión es poner en valor el cine hecho desde la convicción artística y la libertad creativa, con especial atención para las nuevas tendencias del cine contemporáneo.

Cada año, el festival presenta un amplio espectro de películas y destaca las prácticas más singulares del cine actual. A través de sus distintas secciones, combina el talento emergente con la obra de cineastas consagrados, teniendo como eje de la programación la originalidad de las propuestas y la mirada personal de sus autores.

Desde 2015, el Festival hace entrega del Premio Especial Márgenes para reconocer la aportación al cine independiente y la presencia del mismo espíritu del festival en sus merecedores. Este año, el galardón recae en el cineasta portugués de culto Miguel Gomes, creador de difícil acomodo, un verso libre en el panorama internacional que transita con naturalidad entre la ficción y la realidad con una perspectiva lúdica singular. Formado en la teoría cinematográfica hasta su debut en 2004 con A cara que mereces, con Aquele querido mes de agosto (2008) y Tabú (2012) conquistó un prestigio que hasta ahora ha defendido con maestría: el de un creador en el que conviven la tradición más clásica de su país con las tendencias de un cine contemporáneo mutante e inasible, que culminó en la trilogía de Las mil y una noches (2015).

Tras el acto de entrega del Premio tendrá lugar el estreno en Madrid de su última película Diários de Otsoga, codirigida con Maureen Fazendeiro y presentada en la Quincena de los realizadores del Festival de Cannes. Un nuevo ejemplo de que el arte de Gomes, siempre en consonancia con su tiempo y las urgencias de la sociedad, se respira más libre y rotundo cuanto más profundo es nuestro atolladero». (11.º Festival de Cine Independiente de Madrid. Márgenes).

Antes de la proyección se entregará el Premio Especial Márgenes al Cine Independiente al cineasta Miguel Gomes. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público. Duración total aproximada de la sesión: 150’.

 

Jueves 18 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Pesadilla para un rico (Fernando Fernán Gómez, 1996). Int.: Carlos Larrañaga, Beatriz Rico, Álvaro de Luna, Carme Elías, Manuel Alexandre, Tina Sáinz, Rafael Romero Marchent, Fernando Fernán Gómez, Naim Thomas. España. 35 mm. Color. 96’.

Un hombre de negocios casado se ve envuelto en una espiral de locura cuando pasa una noche con una joven y a la mañana siguiente la chica aparece muerta.

«De Pesadilla para un rico estoy bastante satisfecho. Lo que también creo es que le faltó algo, pero sigo sin saber lo que es, porque si lo hubiera sabido, lo habría puesto. Pero sí le faltó algo, no en el guion sino en los arreglos que hice para adaptarla a la época y a España [el guion original de Luis Alcoriza transcurría en México] ». (Fernando Fernán Gómez).


19:30 · Sala 2 ·
Flores en el infierno

Aimless Bullet (Obaltan, Yoo Hyun-mook, 1961). Int.: Choi Mu-ryong, Kim Jin Kyu, Moon Jeong-suk, Seo Ae-ja. Corea del Sur. DCP. VOSI/E. B/N. 100’.

Una familia que vive en un barrio de chabolas trata hacer frente a la inminente llegada de su segundo hijo y a las constantes enfermedades, hasta que un día les golpea la tragedia.

«Al igual que en el cine neorrealista italiano, el rodaje en localización es clave para la representación de Seúl que se hace en Aimless Bullet, donde se muestra al espectador no solo el relato de los hechos, sino también lo que la cámara acaba de captar. Además de la imagen bulliciosa de la ciudad, se puede escuchar música de jazz, el acento de los soldados americanos de la base o el llanto de un bebé. Los detalles visuales y auditivos de la vida cotidiana pintan la Seúl de 1960 como una ciudad en transición cultural, económica y política, y aunque se aprecia el admirable desarrollo de la ciudad, también se observa su deterioro y fealdad». (Steve Choe).


21:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Vivir a tope (Spetters, Paul Verhoeven, 1980). Int.: Hans van Tongeren, Renée Soutendijk, Toon Agterberg, Maarten Spanjer. Países Bajos. 35 mm. VOSE. Color. 120’.

Dos hermanos que quieren labrarse una carrera como pilotos de motocross se enamoran de una joven que trabaja vendiendo comida en el circuito de carreras.

«Hay una canción de Bryan Ferry en la que dice algo como “Me gusta la vida llena de sorpresas”. Es cierto que puede ser muy agradable, pero también muy desagradable. Vivit a tope se basa en esa sensación de que la vida es caótica. Puede que te vaya muy bien y de repente una tragedia arrase con todo. Le pasa a mucha gente, y genera un miedo terrible». (Paul Verhoeven).

Segunda proyección en diciembre.

 

Viernes 19 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Eleven P.M. (Richard Maurice, 1928). Int.: Richard Maurice, Sammie Fields, Orine Johnson, Wanda Maurice. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 60’.

Eleven P.M., la única película que ha sobrevivido de las dirigidas por el cineasta y sindicalista Richard Maurice, supone una absoluta rareza en varios frentes. Para empezar, se trata de una ficción ambientada y rodada en localizaciones naturales de Detroit, algo inusual dentro del cine mudo estadounidense, en el que predominan de forma abrumadora Nueva York y Los Ángeles. Pero, por encima de todo, la película destaca dentro del cine afroamericano de la época por su adhesión a códigos de cine criminal y su declarada voluntad experimental. A partir de una sencilla base melodramática sobre un músico callejero que se ve en la obligación de cuidar de una joven huérfana, Maurice articula un relato lleno de elementos fantásticos y surrealistas que, combinados con el retrato cuasi documental de Detroit, articulan una de las más singulares películas de cine afroamericano del periodo mudo.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.


19:30 · Sala 2 ·
Jerry Schatzberg. Almas extraviadas, mundos rotos

Honeysuckle Rose (Jerry Schatzberg, 1980). Int.: Willie Nelson, Dyan Cannon, Amy Irving, Slim Pickens. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 119’.

La historia de un cantante de música country que pone su vida familiar en peligro cuando la hija de su antiguo guitarrista se une al grupo en una gira por Estados Unidos.

«El director opta por un estilo documental y cercano para mostrarnos la vida en el autobús de la banda, en una reunión familiar y tras el escenario durante los conciertos. Todas estas escenas están llenas a rebosar de color; es una de las películas más alegres y luminosas que he visto jamás, empezando por el impresionante vestuario de Willie Nelson». (Roger Ebert).


21:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Showgirls (Paul Verhoeven, 1995). Int.: Elizabeth Berkley, Kyle MacLachlan, Gina Gershon, Glenn Plummer, Robert Davi. Francia, EEUU. DCP. VOSE. Color. 128’. Copia restaurada por Pathé.

Una joven llega a Las Vegas con el sueño de convertirse en una bailarina, pero rápidamente descubre que se está adentrando en la boca del lobo.

«El hecho de rodar buena parte de las escenas en los lugares en que transcurría la acción era importante en la medida en que Showgirls es una película sobre Las Vegas. Desde luego que también es un cuento moral, una fábula sobre el precio del éxito y un musical erótico. Pero todo eso está supeditado a la mitología que impone el escenario, trasfondo que todo lo impregna en la narración. De hecho, se puede decir que en pocos títulos de Verhoeven el continente adquiere tanta importancia: la ciudad no es un personaje más, es un estado de ánimo y el signo que determina el resto de los elementos narrativos». (Jordi Revert).

Segunda proyección en diciembre.

 

Sábado 20 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Mi Primer Festival de Cine

Buladó (Eché Janga, 2020). Int.: Tiara Richards, Felix de Rooy, Everon Jackson Hooi, Vanessa Abad. Antillas Holandesas, Países Bajos. DCP. VOSE. Color. 87’.

Una niña que vive con su padre en una zona rural de Curaçao, harta de chocar constantemente con él por su carácter extremadamente racional, indaga en sus raíces en busca de su propia identidad.

«Visitamos un montón de escuelas en busca de una joven de entre diez y doce años. Era fundamental que se pareciera a mi hermana cuando era más joven, que fuera una chica realmente dura, orgullosa, fuerte, sin miedo a decir lo que piensa. Tiara no comprendió del todo lo que queríamos hacer cuando nos vimos por primera vez en su colegio, pero en seguida levantó la mano y dijo que “sea lo que sea quiero hacerlo, la escuela es un rollo”. La sorpresa llegó cuando descubrió que iba a ser la protagonista de una película». (Eché Janga).

Presentación a cargo de Marta San Vicente, de Aulafilm. Tras la proyección tendrá lugar un breve coloquio. Duración total aproximada de la sesión: 110’


20:00 · Sala 2 ·
Flores en el infierno

A Woman Judge (Yeopansa, Hong Eun-won, 1962). Int.: Eong Aem-ran, Hwang Jeong-sun, Kim Seok-hun, Kim Seung-ho. Corea del Sur. DCP. VOSE. B/N. 87’.

Tras aprobar el examen de acceso a la judicatura, una mujer empieza a recibir críticas de su entorno, incluyendo a su marido y su suegra.

«La ópera prima de Hong Eun-won, la segunda directora coreana después de Park Nam-ok, retrata en detalle la presión externa y el conflicto interno que experimentaban las profesionales de la época». (Youn Sung-eun).


21:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Las noches rojas de Harlem (Shaft, Gordon Parks, 1971). Int.: Richard Roundtree, Moses Gunn, Charles Cioffi, Christopher St. John. EEUU. DCP. VOSE. Color. 100’.

“Shaft no tiene prejuicios, mata a cualquiera… no importa si es blanco o negro”. Con esta frase presentaba el novelista Ernest Tidyman al protagonista de Shaft, la novela con la que inauguró una serie de relatos en torno a un detective privado afroamericano. El personaje venía a romper con los estereotipos que, hasta ese momento, habían presentado al hombre negro como una figura dócil y mansa, o sea, una figura que no resultaba amenazante para la mayoría blanca. En su lugar, como una suerte de respuesta negra a la fantasía masculina y colonial personificada en James Bond, el Shaft de Tidyman, llevado a la gran pantalla con financiación de la Metro-Goldwyn-Mayer, alardea de su potencia sexual y no tiene miedo a que se oiga su voz, ya sea literalmente o a través de la violencia. Su inmenso éxito comercial hizo que Las noches rojas de Harlem se convirtiera en la plantilla para todo el cine blaxploitation que habría de llegar, pero, como jamás cesó de recordar su director, Gordon Parks, mientras Las noches rojas... fue rodada por un equipo mayoritariamente afroamericano, casi todo el blaxploitation que apareció después se basó en que cineastas blancos explotasen sin pudor un filón industrial hasta agotarlo.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.

 

Domingo 21 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Car Wash: Un mundo aparte (Car Wash, Michael Schultz, 1976). Int.: Franklyn Ajaye, Antonio Fargas, George Carlin, Ivan Dixon. EEUU. DCP. VOSE. Color. 97’.

En Car Wash confluyen varias de las formas de expresión más populares que la comunidad afroamericana desarrolló a lo largo de los 70. Escrita por un joven Joel Schumacher como libreto para un musical de Broadway, Universal decidió que merecía la pena convertirla en largometraje en su lugar y encargó la dirección a Michael Schultz, un cineasta afroamericano que había iniciado su carrera en el teatro. A través de una serie de sketches, fragmentos cotidianos y momentos musicales, la película muestra la vida de un grupo de trabajadores (mayoritariamente negros) de un túnel de lavado en una zona del centro de Los Ángeles marcada por la multiculturalidad. Con un espíritu abiertamente integrador (pero no carente de crítica), por Car Wash desfilan la cultura disco, el soul y el funk, algunas de las nuevas figuras de la comedia afroamericana, un homosexual militantemente fuera del armario, un activista musulmán, una prostituta que usa el negocio como centro de operaciones e incluso el hijo de un empresario que luce con orgullo una camiseta de Mao Tse Tung.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.


19:30 · Sala 2 ·
Jerry Schatzberg. Almas extraviadas, mundos rotos

Confesiones de una modelo (Puzzle of a Downfall Child, Jerry Schatzberg, 1970). Int.: Faye Dunaway, Barry Primus, Viveca Lindfors, Barry Morse, Roy Scheider. EEUU. DCP. VOSE. Color. 105’.

Una modelo en plena decadencia profesional recuerda sus primeros pasos en Nueva York, sus días de gloria, sus relaciones y su caída en desgracia.

«Schatzberg basó la película en conversaciones que había tenido con la modelo Anne Saint-Marie, y se siente tan detallada e íntima en el retrato de la enfermedad mental de la protagonista como en el de su profesión […] Se puede leer como un melodrama de los 40 o los 50 que muestra abiertamente lo que antes era subtexto psicosexual, algo posible gracias a la desaparición del Código Hays». (Ben Sachs).


20:30 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

El libro negro (Zwartboek, Paul Verhoeven, 2006). Int.: Carice van Houten, Sebastian Koch, Thom Hoffman, Halina Reijn. Países bajos, Alemania, Reino Unido, Bélgica. 35 mm. VOSE. Color. 145’.

Tras ver su vida destrozada por los nazis, una joven judía se une a la resistencia holandesa y se convierte en espía.

«Yo era un niño pequeño durante la guerra, pero a esa edad la mente retiene las imágenes como si fuera una esponja, y estas eran imágenes muy extremas: bombas explotando, edificios derrumbándose, el cielo de color rojo porque la ciudad ardía… […] Esas imágenes me generan algo infantil, casi de excitación, aunque como adulto sé que tengo que ajustar mi pensamiento porque son imágenes de gente muriendo. Pero, de forma primitiva, esas imágenes están siempre ahí». (Paul Verhoeven).

Segunda proyección en diciembre.

 

Martes 23 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Centenario Alberto Closas

Distrito quinto (Julio Coll, 1958). Int.: Alberto Closas, Arturo Fernández, Jesús Colomer, Carlos Mendy, Linda Chacón, Montserrat Salvador, Pedro de Córdoba, Carlos Otero, Josefina Güell, José María Caffarel. España. BSP. B/N. 94’.

Un grupo de atracadores se reúne en su escondite tras un golpe. A la espera de que llegue el compañero que carga con el botín, sospechando que les puede haber traicionado, comienzan a recordar cómo se conocieron.

«Es una pequeña joya, rodada con muy pocos medios y fotografía del prolífico Salvador Torres, en blanco y negro, como corresponde al género. […] El título original era Es peligroso hacer esperar, que fue censurado y sustituido por el que conocemos, y el director se vio obligado a hacer algunos ajustes para tener luz verde y poder estrenarla. En palabras de Alberto [Closas]: “Estupenda película, con un gran éxito de crítica pero no de público. No fue a verla nadie”». (Francis Closas y Silvia Farriol).


21:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Dirty Gertie from Harlem U.S.A. (Spencer Williams, 1946). Int.: Francine Everett, Inez Newell, July Jones, Don Wilson. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 65’.

Tras el éxito de The Blood of Jesus, Spencer Williams logró el apoyo financiero del productor Alfred N. Sack para hacer una película de mayor presupuesto y distribución más amplia, en principio pensada para ir más allá de las salas de la comunidad afroamericana. Adaptando un relato corto de Somerset Maugham, Dirty Gertie from Harlem U.S.A. narra la historia de una bailarina y cantante que viaja a una isla caribeña para encabezar el espectáculo de un popular hotel. Allí se encuentra con un soldado y un marinero que se enamoran de ella y un predicador que denuncia la “impudicia” de su función. La película, pese a ser un éxito entre el público afroamericano, no consiguió atraer a la audiencia blanca de la época, pero se ha convertido en uno de los ejemplos paradigmáticos (junto a Tiempo de tormenta o The Green Pastures, por ejemplo) del salto que dio en los 40 el cine destinado al público negro, de la producción independiente a una mayor (aunque aún poco habitual) estabilidad.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.

 

Miércoles 24 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Tricked (Steekspel, Paul Verhoeven, 2012). Int.: Peter Blok, Robert de Hoog, Sallie Harmsen, Duy Huynh. Países Bajos. DCP. VOSE. Color. 55’.

La vida de un rico empresario se derrumba cuando su antigua amante aparece embarazada en su fiesta de cumpleaños.

«Excitante, persuasiva, maravillosamente estructurada y medida, a menudo hilarante, rebosa intrigas, ironías y giros de guion que Verhoeven sirve con su característica vulgaridad entusiasta». (Jonathan Rosenbaum).

Antes de la proyección de Tricked se podrá ver el documental Paul’s Experience (Michael Greive, 2012). Duración total de la sesión: 89’.


19:30 · Sala 2 ·
Flores en el infierno

Farewell Duman River (Dumanganga jal itgeola, Im Kwon-taek, 1962). Int.: Kim Seok-hun, Park No-shik, Jang Hyeok, Hwang Hae. Corea del Sur. DCP. VOSE. B/N. 96’.

Estudiantes universitarios patrióticos, encabezados por su profesor y acompañados por amigos británicos, dejan a sus familias y acuden a Manchuria a luchar por la libertad de su país contra los invasores japoneses.

«Inauguró el ciclo de películas de acción manchúes adaptando elementos del cine de acción hollywoodense, especialmente los tiroteos, a una historia melodramática de aventuras sobre la resistencia anticolonial. Las películas ambientadas en la Manchuria colonial alcanzaron su máxima popularidad a mediados de los años 60, tras lo cual se inició un período, entre el final de esa década y principios de los 70, en el que el género comenzó a transformarse en su ethos, adoptando en muchas ocasiones el tono irónico y los elementos cómicos negros del western italiano». (Michelle Cho).


21:00 · Sala 1 ·
Sesión especial 25 aniversario

Cosas que nunca te dije (Isabel Coixet, 1996). Int.: Lili Taylor, Andrew McCarthy, Debi Mazar, Alexis Arquette, Leslie Mann, Richard Edson, Seymour Cassel. España, EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 93’.

Las vidas de Ann, una joven que vende material fotográfico en un pequeño pueblo de Estados Unidos, y Don, un joven que trabaja como voluntario en el Teléfono de la Esperanza, se cruzan cuando el novio de ella decide cortar su relación por teléfono.

«Que la vida es como un enorme puzle en que las piezas debieran encajar se erige en idea vertebradora del film, y de hecho así se explicita verbalmente desde su inicio. Ahora bien, a diferencia del más arbitrario collage, en el puzle hay diseñado un lugar específico para cada pieza: dentro de un aparentemente caótico universo debemos encontrar ese hueco reservado, tanteando casi a ciegas aunque contemos con la ayuda de un soporte sobre el que apoyarnos y de modelos de muestra para utilizarlos como indicios en la exploración». (Luis Fernández Colorado).

Presentación a cargo de la directora, Isabel Coixet. Duración total aproximada de la sesión: 110’.

 

Jueves 25 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Festival de Gijón

Remando al viento (Gonzalo Suárez, 1988). Int.: Hugh Grant, Lizzy McInnerny, Valentine Pelka, Elizabeth Hurley, José Luis Gómez, Virginia Mataix, Bibiana Fernández, Josep Maria Pou, Miguel Picazo, José Carlos Rivas, Aitana Sánchez-Gijón. España. 35 mm. VOSE. Color. 96’.

Retrato del verano que Percy Shelley, Mary Shelley, Lord Byron y Claire Clairmont pasaron, a principios del siglo XIX, en una villa junto al lago Leman, en Suiza, y de las consecuencias que tendría en sus vidas ese verano.

«El FICX - Festival Internacional de Cine de Gijón otorga el II Premio Isaac del Rivero a Gonzalo Súarez, en colaboración con Filmoteca Española y en reconocimiento a su trayectoria creativa. Una trayectoria que le sitúa como figura única a nivel artístico tanto por sus logros en los campos de la escritura y del cine, como por la forma en el que su obra se ha ido (re)definiendo a lo largo del tiempo como una de las más felizmente heterodoxas, gozosamente intempestivas y rotundamente personales de las últimas décadas. Una obra que sigue creciendo, más viva e inquieta que nunca». (Festival Internacional de Cine de Gijón).


19:30 · Sala 2 ·
Black Films Matter

The Spook Who Sat by the Door (Ivan Dixon, 1973). Int.: Lawrence Cook, Janet League, Paula Kelly, J.A. Preston. EEUU. DCP. VOSE. Color. 102’.

Con la intención de demostrar su voluntad de integración racial, la CIA acoge a su primer agente afroamericano. Aunque las tareas que le encomiendan son todas de escasa responsabilidad, el agente aprovecha la oportunidad para estudiar tácticas que le sirvan para levantar una milicia y derrocar al gobierno. Adaptando la polémica novela homónima de Sam Greenlee, el film de Ivan Dixon resulta paradigmático del tránsito que se había dado en la lucha por los derechos civiles durante los años 60, pasando de la protesta pacífica de Martin Luther King a la acción directa propugnada por los Panteras Negras. En ese sentido, The Spook Who Sat by the Door, al explicitar su carga antisistema, se convierte en uno de los grandes ejemplos del potencial político del blaxploitation. Tanto es así, de hecho, que se sospecha que el FBI de J. Edgar Hoover requisó discretamente todas las copias de la película, que se salvó gracias a que el director había guardado una en secreto.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.


21:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Elle (Paul Verhoeven, 2016). Int.: Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling. Francia, Alemania, Bélgica. DCP. VOSE. Color. 130’.

Una exitosa ejecutiva es violada en su domicilio por un asaltante enmascarado. Insegura sobre cómo reaccionar ante lo sucedido, empieza a investigar por su cuenta quién puede ser el violador.

«No creo que una película como Elle se hubiera podido hacer en Estados Unidos. Allí tienden a alejarse de proyectos así. Según me hago mayor siento cada vez más interés en hacer películas que se escapen de la norma. Ya he hecho demasiadas películas de ciencia ficción, películas de acción o lo que sea en los Estados Unidos, este retorno a Europa me permite contar historias que me interesan ahora». (Paul Verhoeven).

Segunda proyección en diciembre.

 

Viernes 26 de noviembre

 

17:00 · Sala 1 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Pintadas (Juan Estelrich Jr., 1997). Int.: Emma Suárez, Adolfo Fernández, Fernando Fernán Gómez, Ágata Lys. España. DCP. Color. 94’. Copia restaurada por Juan Estelrich Jr.

Una pareja se muda a un chalé de dos pisos. En el piso de arriba vive el dueño, mientras que la planta baja, la que se alquila, está llena de pintadas hechas por los anteriores inquilinos.


19:30 · Sala 2 · Sala:B: “Sala:B” y el Más Allá

- Viaje al más allá (Sebastián D'Arbó, 1980). Int.: Narciso Ibáñez Menta, Ventura Oller, Alicia Orozco, Enric Casamitjana. España. 35 mm. Color. 108’.

- Regreso del más allá (Juan José Porto, 1982). Int.: Ana Obregón, Andrés Resino, Emilio Prieto, Carmen Sala. España. 35 mm. Color. 70’.

«Para este viaje de ida y vuelta al Más Allá, invocamos a nuestro querido Profesor D’Arbó, pionero del cine parapsicológico y de nuestras sesiones en «Sala:B», que con Viaje al más allá inició una personal trilogía inspirada en su trabajo como investigador de lo paranormal. Una película de episodios “basada en casos auténticos: percepción extrasensorial, espiritismo, posesión diabólica, exorcismo, apariciones, hipnosis…” que nos traslada a cuando este país vivía una fiebre mediática por estos fenómenos. El viaje de vuelta lo hacemos con el director Juan José Porto, menos preocupado por las paraciencias y más por el gore y la fisicidad de Ana Obregón, que consigue con Regreso del más allá una atípica muestra de terror casi brechtiano». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de “Sala:B”, y Sebastián D’Arbó, director de Viaje al más allá. Duración total aproximada de la sesión: 200’.


21:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Desafío total (Total Recall, Paul Verhoeven, 1990). Int.: Arnold Schwarzenegger, Sharon Stone, Michael Ironside, Ronny Cox, Rachel Ticotin. EEUU, México. DCP. VOSE. Color. 113’.

A partir de un relato de Philip K. Dick, la película cuenta la historia de un obrero que, a finales del siglo XXI, acude a una empresa que se dedica a implantar falsos recuerdos. Sin saber qué es real y qué no, se ve involucrado en una compleja trama de espionaje que le lleva hasta Marte.

«La película es a la vez sueño y realidad. Al menos eso es lo que yo quería, que fuera ambas cosas a la vez, y pasé mucho tiempo trabajando en ello. Si quieres una explicación científica, todo proviene de la mecánica cuántica, del principio de incertidumbre, el principio de Heisenberg. Si tienes un objeto gran objeto y tratas de medir la ubicación del objeto y su velocidad a la vez, cuanto más precisa sea la medición de la velocidad menos lo será la de la ubicación. Eso significa que puede haber diferentes realidades posibles al mismo tiempo». (Paul Verhoeven)

Segunda proyección en enero.

 

Sábado 27 de noviembre


17:00 · Sala 1 · Mi Primer Festival de Cine

The Ape Star (Apstjärnan, Linda Hambäck, 2021). Suecia, Noruega, Dinamarca. DCP. VE. Color. 75’.

Una niña huérfana que sueña con ser adoptada descubre que su nueva madre va a ser… una gorila. A pesar de los recelos, ambas irán aprendiendo a convivir. Adaptación de la novela de Frida Nilsson.

«Cuando leí el libro de Frisa Nilsson, me enamoré de la profunda relación que establecía entre la madre y la hija. Es también el relato sobre forasteros con la que mucha gente puede identificarse y que plantea una pregunta: ¿cuál es tu familia? Como hija adoptada, me resultó imposible resistirme a la historia». (Linda Hambäck).

Presentación a cargo de Marta San Vicente, de Aulafilm. Tras la proyección tendrá lugar un breve coloquio. Duración total aproximada de la sesión: 95’.


19:30 · Sala 2 ·
Jerry Schatzberg. Almas extraviadas, mundos rotos

Escalada al poder (The Seduction of Joe Tynan, Jerry Schatzberg, 1979). Int.: Alan Alda, Barbara Harris, Meryl Streep, Melvyn Douglas, Rip Torn, Dan Hedaya. EEUU. DCP. VOSE. Color. 108´.

Un senador acepta liderar la oposición contra un nombramiento al Tribunal Supremo, a pesar de que eso le va a distanciar aún más de su familia y le va a costar una de sus más antiguas amistades.

«Jerry Schatzberg dirige la película con una elegante pero relajada precisión que imita la propia confianza despreocupada del protagonista. El relato no se vuelve arrogante cuando el personaje tiene éxito, su energía nunca lleva a la agitación porque el concepto central es la imperturbabilidad. Para reforzar el drama, Schatzberg se vale de un cálido retrato de la vida familiar del senador». (Richard Brody).


21:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Haz lo que debas (Do the Right Thing, Spike Lee, 1989). Int.: Spike Lee, Danny Aiello, Ossie Davis, Ruby Dee, Bill Nunn, Spike Lee, John Turturro, John Savage, Samuel L. Jackson, Rosie Pérez. EEUU. DCP. VOSE. Color. 110’.

Figura clave del black cinema contemporáneo, Spike Lee fue uno de los primeros directores en introducir temáticas y reivindicaciones afroamericanas dentro del mainstream abriendo así un camino que han seguido luego cineastas posteriores como Steve McQueen. A medio camino de las posiciones de Martin Luther King y Malcolm X, con un reparto de futuras estrellas (Samuel L. Jackson, Rosie Pérez y John Turturro) y música de Public Enemy, entre la sátira y la crítica social, en 1989 el título de Haz lo que debas llamaba a reaccionar a través de la historia de Mookie, un repartidor de pizzas que es testigo de las desigualdades, las tensiones y el racismo en la vida cotidiana de uno de los barrios más pobres de Brooklyn.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.

 

Domingo 28 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Los chicos del barrio (Boyz n the Hood, John Singleton, 1991). Int.: Ice Cube, Cuba Gooding Jr., Morris Chestnut, Laurence Fishburne, Tyra Ferrell, Nia Long, Angela Bassett. DCP. VOSE. Color. 111’.

John Singleton ha pasado a la historia como el primer director afroamericano en ser nominado al Oscar (con sólo 24 años) por esta película, su debut en la dirección. Los chicos del barrio narra el paso a la edad adulta de tres amigos de infancia en un gueto de Los Ángeles, marcado por la pobreza, la violencia entre bandas y la brutalidad policial. Acompañado por una banda sonora de rap y hip hop (Compton's Most Wanted, 2 Live Crew, Tony! Toni! Toné…) y con el rapero Ice Cube como uno de los tres protagonistas, Singleton admitiría que con Los chicos del barrio había abordado la realidad en la calles de los jóvenes negros a partir de su experiencia personal.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.


19:30 · Sala 2 ·
Flores en el infierno

The Barefooted Young (Maenbaleui cheongchun, Kim Ki-duk, 1964). Int.: Shin Sung-il, Eom Aeng-ran, Kim Mi-hye, Kim Han-seob. Corea del Sur. DCP. VOSE. B/N. 116’.

La historia del romance que surge entre una mujer de clase alta y un gánster que la salva cuando un grupo de delincuentes trata de atracarla.

«Aunque aparentemente trata de las diferencias de clase, destaca especialmente por ser una celebración de la cultura juvenil coreana de los 60 con todos los excesos de la influencia occidental. Las imágenes que emplea para retratar, con afectuosa ironía, los clubes de baile, los bares, los combates de lucha libre y los cafés envueltos en humo que frecuentan los protagonistas, son absolutamente memorables». (Darcy Paquet).


20:30 · Sala 1 ·
La mirada verde

Dune (David Lynch, 1984). Int.: Kyle MacLachlan, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Patrick Stewart, Kenneth McMillan, Sting, Max von Sydow, Sean Young, Virginia Madsen, Brad Dourif, Sian Phillips, José Ferrer. EEUU, México. 35 mm. VOSE. Color. 137’.

En un futuro lejano, una poderosa familia recibe el encargo imperial de gestionar la extracción de melange, la sustancia que hace posible los viajes interestelares, en el desértico planeta Arrakis.

«Es una de esas películas que reafirman el empecinado conflicto entre cine de autor y cine de productor. Hay mucho de Dino de Laurentiis, pero aún más de David Lynch. No tiene nada que ver con los filmes fantásticos de la época, ni en su construcción narrativa, poseída por voces interiores que anuncian momentos que están a punto de producirse, intuiciones telepáticas, sueños premonitorios y absorciones de universos enteros en una sola palabra o gesto, ni en su formulación visual, dominada por el color arena de Arrakis y por los gusanos que emergen de la superficie como si se tratara de la ballena blanca de Melville». (Quim Casas).

Presentación a cargo de Another Way Film Festival. Duración total de la sesión: 150’.

 

Martes 30 de noviembre


17:00 · Sala 1 ·
Centenario Alberto Closas

Usted puede ser un asesino (José María Forqué, 1961). Int.: Alberto Closas, Amparo Soler Leal, José Luis López Vázquez, Julia Gutiérrez Caba, José Luis Pellicena, Pedro Porcel, José Orjas, Hugo Pimentel, Jesús Puente. España. 35 mm. B/N. 96’.

Adaptación de la obra de teatro homónima escrita por Alfonso Paso, sigue las desventuras de un par de hombres que tratan de ocultar un cadáver que les incrimina como adúlteros.

«En esta película empiezan a apuntarse algunas de las constantes temáticas que, luego, iban a marcar las obras más personales de Forqué: la utilización de un ser por otro para provecho propio; la crítica de costumbres; la falsa moral; el desprecio de las gentes marginales…». (Florentino Soria).


21:00 · Sala 1 · Black Films Matter
Sesión Cheryl Dunye

- She Don't Fade (Cheryl Dunye, 1991). Int.: Paula Cronan, Cheryl Dunye, Zoie Strauss. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 23’.

- The Watermelon Woman (Cheryl Dunye, 1996). Int.: Cheryl Dunye, Guinevere Turner, Valarie Walker, Lisa Marie Bronson. EEUU. DCP. VOSE. Color. 90’.

La obra de la cineasta Cheryl Dunye, de origen liberiano, recorre desde los experimentos con los límites entre la ficción y el documental de sus primeros títulos hasta su trabajo en populares series como Territorio Lovecraft, articulándose, siempre con humor, a partir de la intersección de la raza, el género y la sexualidad. She Don’t Fade es uno de los “dunyementaries” más famosos, dirigido y protagonizado por la cineasta. Una mezcla de historia personal e imaginaria sobre la sexualidad de una joven negra lesbiana. The Watermelon Woman, título que hace referencia a la película de Melvin Van Peebles, The Watermeglon Man, fue un hito del Nuevo Cine Queer de los años 90 por abordar de frente la identidad lésbica negra y la imagen estereotipada de las mujeres racializadas en Hollywood a partir de la historia de una empleada de videoclub fascinada por una desconocida actriz afroamericana de los años 30 conocida como “La Mujer Sandía”.

Segunda proyección en diciembre en el Museo Reina Sofía.

 

 

DICIEMBRE DE 2021

 

En diciembre Filmoteca Española continúa con el ciclo dedicado al cine afroamericano, diseñado en colaboración con el Museo Reina Sofía, y la completa retrospectiva del director holandés Paul Verhoeven. Además recuperamos varios largometrajes de la sueca Mai Zetterling, acogemos una nueva edición de O Dikhipen ('La mirada'), programa anual dedicado al cine sobre el pueblo gitano, indagamos en los trabajos de adaptación de Walt Disney y ofrecemos las últimas proyecciones de “Los 100 de Fernando Fernán Gómez”. A todo eso se suman también los homenajes a Lola Gaos y Luis Cuenca, y múltiples sesiones especiales para celebrar las fiestas navideñas y el fin de año.

 

Miércoles 1 de diciembre

                                                                                                                                                                                                    17:00 · Sala 1 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Lázaro de Tormes (Fernando Fernán Gómez y José Luis García Sánchez, 2000). Int.: Rafael Álvarez 'El Brujo', Karra Elejalde, Beatriz Rico, Manuel Alexandre, Álvaro de Luna, Agustín González, Jose Lifante, Francisco Rabal, Francisco Algora, Juan Luis Galiardo, Emilio Laguna, Manuel Lozano, Tina Sáinz. España. 35 mm. Color. 88’.

En esta adaptación de la obra teatral El Lazarillo de Tormes escrita por Fernán Gómez e inspirada en la novela picaresca anónima de 1554, un delincuente deberá probar ante un tribunal que durante toda su vida ha robado con un único motivo: acabar con el hambre.

«Una vez vista la película es imposible saber qué hizo García Sánchez y qué hice yo. Yo mismo cuando vi la película hubo momentos en que no me acordaba […] Pienso que en el cine no sé si falta –o quizá es que sea innecesario-, pero no hay una estilística tan precisa como para estudiar la literatura […] Porque en el cine es dificilísimo de precisar si una determinada obra, si tres secuencias de Hitchcock están rodadas por él o por su ayudante». (Fernando Fernán Gómez).


19:30 · Sala 2 ·
Black Films Matter

Sesión Arthur Jafa

- Ms Hillsonga (Arthur Jafa, 2017). EEUU. DCP. B/N. 4’.

- Dreams Are Colder than Death (Arthur Jafa, 2013). EEUU. DCP. VOSE. Color. 52’.

Al tiempo que ha ido desarrollando su carrera como director de fotografía para cineastas como Spike Lee, Julie Dash, Stanley Kubrick o Ava Duvernay, Arthur Jafa se ha convertido en uno de los nombres fundamentales del vídeo arte contemporáneo. Su obra, marcada por una infancia en el estado (fuertemente segregado) de Misisipi, gira en torno a la fuerza creativa de la cultura afroamericana y cómo esa creatividad ha sido y sigue siendo lastrada por el difícil día a día de la comunidad. Probablemente su obra más celebrada, Dreams are Colder than Death recopila, cincuenta años después del famoso discurso de “I Have a Dream”de Martin Luther King, una serie de voces que se preguntan sobre el significado de ser negro hoy en los Estados Unidos. Como explica el propio Jafa, “la idea era crear una plataforma para gente negra, o como yo digo, gente negra poco común, y para especialistas que puedan expresar sus sentimientos sobre dónde estuvieron pero, sobre todo, dónde nos encontramos hoy como colectivo”. Abre la sesión Ms Hillsonga, un frenético montaje de fotografías al ritmo de la música de Jeff Mills.

Duración total de la sesión: 56’


20:30 · Sala 1 ·
Sesión especial

Polyester (John Waters, 1981). Int.: Divine, Tab Hunter, Edith Massey, David Samson. EEUU. DCP. VOSE. Color. 86’.

Un ama de casa trata de mantener la cordura en medio del desastre que es su familia, compuesta por un marido pornógrafo e infiel, una madre adicta a la cocaína, un hijo fetichista y una hija que se acaba de quedar embarazada.

«Significa un cambio sustancial en el particular tratado de la mujer sobre el que gira el cine de John Waters. Aquí, vuelven a satirizarse los principios fundamentales del aburguesamiento norteamericano, pero no desde la perspectiva de la mujer primitiva y marginal, sino desde el mismo núcleo de la clase media que tan bien conoce el cineasta». (Raúl César Cancio Fernández).

Presentación del libro Mondo Anatema o porque a John Waters le costaría estrenar hoy, a cargo de: Juan Antonio Gómez García, director de la colección “Cine, Derecho y Sociedad” de la editorial Sindéresis; Antonio Weinrichter, profesor y crítico cinematográfico; Luis Antonio de Villena, escritor y prologuista del libro; y el autor, Rául César Cancio Fernández. Duración total aproximada de la sesión: 120’.

 

Jueves 2 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Centenario Lola Gaos

Lola Gaos en la EOC

- A este lado del muro (Angelino Fons, 1963). Int.: Lola Gaos, Sergio Mendizábal. España. 35 mm. B/N. 40’.

- S2 C (Manuel Gutiérrez Aragón, 1967). Int.: Pedro Costa, Lola Gaos, Sergio Mendizábal, José María Resel. España. BSP. B/N. 21’.

Con motivo del centenario de su nacimiento, esta sesión recupera dos cortometrajes que la actriz Lola Gaos, uno de los rostros y voces más inconfundibles de nuestra cinematografía, rodó en la Escuela Oficial de Cinematografía. El programa comienza con la práctica de diplomatura de Angelino Fons, que, partiendo de una novela de Luis Goytisolo, narra el choque generacional y vivencial entre un matrimonio y su nieto. La práctica de segundo año de Manuel Gutiérrez Aragón pone el cierre de la sesión con un relato basado en sucesos reales, el envenenamiento de un joven en su entorno de trabajo.

Duración total de la sesión: 61’


19:30 · Sala 2 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos:

Cortometrajes de Paul Verhoeven #1

- Eén hagedis teveel (Paul Verhoeven, 1960). Int.: Erik Bree, P.A. Harteveld, Marijke Jones, Hermine Menalda. Países Bajos. 16 mm. VOSE. B/N. 35’.

- Niets bijzonders (Paul Verhoeven, 1961). Int.: Marina Schaper, Jan van Mastrigt. Países Bajos. DCP. VOSE. B/N. 9’.

Esta sesión ofrece los dos primeros cortometrajes dirigidos por Paul Verhoeven cuando contaba apenas 22-23 años. Eén hagedis teveel, que gira en torno a una mujer infeliz en su matrimonio que empieza una relación con un estudiante, le sirvió para llamar la atención de los círculos cinéfilos de Ámsterdam. Niets bijzonders, su segundo cortometraje, es una pieza más introspectiva sobre un joven que reflexiona sobre el amor en una cafetería.

Duración total de la sesión: 44’.


21:00 · Sala 1 ·
Mai Zetterling. Una revolución

Las chicas (Flickorna, Mai Zetterling, 1968). Int.: Bibi Andersson, Harriet Andersson, Gunnel Lindblom, Gunnar Björnstrand, Erland Josephson. Suecia. 35 mm. VOSE. B/N. 100’. Copia restaurada por el Swedish Film Institute.

Tres actrices se unen a un grupo de teatro itinerante que está representando Lisístrata, la comedia de Aristófanes sobre un grupo de mujeres griegas que tratan de poner fin a la guerra negándose a mantener relaciones sexuales. Durante la gira, las tres actrices se dan cuenta de que ni el público ni sus compañeros de reparto entienden el significado de la obra.

«Una de sus grandes cualidades es que no nos confina en un único tema, no nos guía a ninguna conclusión pero, sin señalar, muestra. A partir de un momento en la vida de tres mujeres sentimos lo que significa ser mujer. Una descripción escrita apenas puede reproducir la maestría con la que Mai Zetterling cuenta su historia. Todas las imágenes tienen múltiples dimensiones, las escenas teatrales son un reflejo de la vida y a su vez de esos sueños que son también representaciones de lo real. Irónica y cómica, esta película nos conduce por la belleza de sus espacios, su poesía y, por encima de todo, la sutil ternura con la que se muestran los rostros femeninos. Es un gran triunfo y espero que mucha gente, ya sean hombres o mujeres, descubran su poder de seducción». (Simone de Beauvoir).

Segunda proyección el D12 a las 20.00 h.

 

Viernes 3 de diciembre


17:00 · Sala 1 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

El embrujo de Shanghái (Fernando Trueba, 2002). Int.: Fernando Fernán Gómez, Eduard Fernández, Jorge Sanz, Ariadna Gil, Antonio Resines, Rosa María Sardà, Aida Folch, Fernando Tielve, Juan José Ballesta, Götz Otto, Feodor Atkine. España, Francia, Reino Unido. 35 mm. Color y B/N. 119’.

En la Barcelona de posguerra, dos adolescentes consiguen evadirse del clima de tristeza y dolor imperante en la ciudad al conocer las hazañas de un guerrillero maqui que ha viajado a Shanghái con el fin de cumplir una arriesgada misión. Galardonada con tres premios Goya, se trata de una adaptación de la novela homónima escrita por Juan Marsé que, en un primer momento, iba a ser dirigida por Víctor Erice.

«Trueba, que confesó no haber leído el guion de Erice, y yo le creo, coincide con el director perjudicado en potenciar más que el libro la figura del capitán Blay. Es un acierto, y no solo por la gracia y densidad que Fernán Gómez aporta siempre a sus interpretaciones. Estamos ante una historia de formación y una crónica de la podredumbre moral de la posguerra, y ese personaje que representa la devastada conciencia de otra ignominia que muchos preferían olvidar (palabras de la novela de Marsé) se yergue como un firme referente entre las fantasiosas miserias de los exiliados y sus mutiladas familias». (Vicente Molina Foix).


20:00 · Sala 2 ·
Black Films Matter

The Island of St. Matthews (Kevin Jerome Everson, 2013). EEUU. DCP. VOSE. Color. 70’.

Los documentales de Kevin Jerome Everson suelen centrarse en comunidades de afrodescendientes de clase trabajadora que él observa atento a las condiciones materiales, las tareas y los gestos cotidianos. Filmada en 16 mm, The Island of St. Matthews parte de la pérdida de la historia material que es fijada en los objetos y las fotografías. Una vez descubierto que las viejas fotos familiares de su tía se perdieron en la inundación del río Tombigbee de 1973, el director da voz a los residentes de Westport, una comunidad al oeste de Columbus, Misisipi, en un poema fílmico sobre el recuerdo y los restos dejados por el desastre.


21:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Instinto básico (Basic Instinct, Paul Verhoeven, 1992). Int.: Michael Douglas, Sharon Stone, George Dzundza, Jeanne Tripplehorn. EEUU, Francia. DCP. VOSE. Color. 127’. Copia restaurada por Studio Canal.

Un detective de homicidios investiga el asesinato de una estrella del rock. Su único sospechoso resulta ser una misteriosa escritora de novelas de suspense.

«En Instinto básico, el sexo actúa en dos direcciones. En la primera de ellas supone un mecanismo de poder con el que se subvierte la posición dominante de la mirada masculina. La película acepta la mirada escopofílica que sugería Laura Mulvey, pero se niega a conformarse con la reducción de la mujer a mero centro del deseo del hombre. […] La segunda es a la que apunta el título: el sexo es el acceso al submundo pulsional en el que la realidad queda despojada de imposturas, de discursos construidos». (Jordi Revert).

 

Sábado 4 de diciembre


17:00 · Sala 1 · Walt Disney. De Collodi a Kipling

Pinocho (Pinocchio, Hamilton Luske y Ben Sharpsteen, 1941). EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 88’.

Un carpintero vive con la ilusión de que Pinocho, la marioneta que ha fabricado, se convierta en un niño. Un día, un hada cumple su deseo y da vida al títere, aunque conservando su cuerpo de madera. A partir de entonces Pinocho tendrá un reto: demostrarle al hada que merece convertirse en un niño de carne y hueso. Adaptación de la novela Las aventuras de Pinocho, escrito por Carlo Collodi.

«La versión de Disney se basó principalmente en el potencial de los personajes. Los valores morales que la película trata de inculcar en el espectador infantil van desde la buena educación a los buenos modales, para lo cual uno siempre debe hacerle caso a su conciencia […]. Disney tomó lo que más le interesaba del cuento de Collodi, y desdeñando todo lo superfluo, se quedó con la historia de un niño de madera travieso y juguetón, de gran corazón y con una enorme facilidad para olvidarse de los buenos propósitos, lo que le convertía en una presa fácil de manipular una vez que ha caído en malas manos». (Jorge Fonte y Olga Mataix)


19:30 · Sala 2 ·
Mai Zetterling. Una revolución

Cortometrajes de Mai Zetterling:

- The War Game (Mai Zetterling, 1963). Int.: Ian Ellis, Joseph Robinson. Reino Unido. 16 mm. VOSE. B/N. 15’.

- We Have Many Names (Mai Zetterling, 1975). Int.: Mai Zetterling, Gunnar Furumo, Ewa Fröling, Gun Jönsson. Suecia. DCP. VOSE. Color. 51’.

- Of Seals and Men (Mai Zetterling, 1978). Dinamarca. 16 mm. VOSE. Color. 29’.

Esta sesión recorre buena parte de la carrera de Mai Zetterling con tres piezas cortas que rodó dentro y fuera de su Suecia natal. El programa empieza con una de sus obras más celebres, una alegoría antibélica que rodó para la BBC y que le permitió dar el salto al largometraje. We Have Many Names, la pieza central, es un mediometraje producido para la televisión sueca que gira en torno a temas habituales de su obra como el amor, la sexualidad y el feminismo desde el prisma de la pareja y la familia. Por último, cerramos con Of Seals and Men, un documental sobre la caza de focas en Groenlandia que Zetterling rodó para el gobierno danés.

Copias restauradas por el Swedish Film Institute. Duración total de la sesión: 95’.


21:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Ganja & Hess (Bill Gunn, 1973). Int.: Duane Jones, Marlene Clark, Bill Gunn, Sam L. Waymon. EEUU. DCP. VOSE. Color. 113’.

Ganja & Hess es y a la vez no es una película blaxploitation. Producida con la intención de aprovechar el tirón popular de Drácula negro, el cineasta William Gunn vio la oportunidad de convertir lo que parecía un encargo alimenticio en un film formalmente vanguardista que desarrolla el vampirismo como una alegoría de la esclavitud. Así, Gunn amplía el potencial del relato hasta dar cabida a décadas de sufrimiento de la comunidad afroamericana: el virus que infecta al arqueólogo protagonista, convirtiéndole en una criatura enfermiza y sedienta de sangre, es el virus del pasado, una herida nunca cerrada que impide la construcción de una nueva identidad. A pesar del éxito de la película en Cannes, donde se alzó con el Premio de la Crítica, su paso por salas comerciales fue tan desastroso que los productores decidieron mutilarla una y otra vez y estrenarla con diferentes nombres, esperando recuperar la inversión. Afortunadamente, la versión íntegra fue recientemente recuperada y exhibida por el MOMA, cimentando su fama como obra de culto.

 

Domingo 5 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Daughters of the Dust (Julie Dash, 1990). Int.: Cora Lee Day, Alva Rogers, Barbarao. EEUU. DCP. VOSE. Color. 120’.

El primer largometraje de Julie Dash, que se convertiría en referencia ineludible del black cinema contemporáneo y 25 años después de su estreno acabaría inspirando la iconografía del álbum de Beyoncé, Lemonade, se adentra en la idiosincrasia de la cultura Grullah, último bastión criollo de la raíces africanas en Estados Unidos, en las Islas del mar de Carolina del Sur y Georgia. Siguiendo de manera no lineal la historia de tres generaciones de la familia Peazant, la crónica de Daughters of the Dust comienza en 1902 y recorre casi todo el siglo XX. Es una celebración onírica de las tradiciones populares y la feminidad negra, en la que Dash trató de evocar la unidad y la dialéctica de una comunidad a lo largo del pasado, presente y futuro.


20:00 · Sala 2 ·
Mai Zetterling. Una revolución

Los enamorados (Älskande par, Mai Zetterling, 1964). Int.: Harriet Andersson, Gunnel Lindblom, Gio Petré, Gunnar Björnstrand, Anita Björk, Eva Dahlbeck. Suecia. 35 mm. VOSE. B/N. 118’. Copia restaurada por el Swedish Film Institute. 

Retrato de tres mujeres de muy diferentes entornos sociales y expectativas que, al inicio de la Primera Guerra Mundial, ingresan en un hospital para dar a luz.

«Los hombres están divididos entre aquellos que buscan alcanzar la gratificación sexual, sin importar las consecuencias, y los que, según explica un personaje de la película, se quedan en casa “lamiendo helado como si fueran gatos castrados”. Mai Zetterling consigue comunicar este vitriólico mensaje con una admirable claridad de palabra e imagen». (Peter Cowie).

Segunda proyección el X29 a las 17.00 h.


21:00 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Desafío total (Total Recall, Paul Verhoeven, 1990). Int.: Arnold Schwarzenegger, Rachel Ticotin, Sharon Stone, Michael Ironside, Ronny Cox. EEUU, México. DCP. VOSE. Color. 113’.

A partir de un relato de Philip K. Dick, la película cuenta la historia de un obrero que, a finales del siglo XXI, acude a una empresa que se dedica a implantar falsos recuerdos. Sin saber qué es real y qué no, se ve involucrado en una compleja trama de espionaje que le lleva hasta Marte.

«La película es a la vez sueño y realidad. Al menos eso es lo que yo quería, que fuera ambas cosas a la vez, y pasé mucho tiempo trabajando en ello. Si quieres una explicación científica, todo proviene de la mecánica cuántica, del principio de incertidumbre, el principio de Heisenberg. Si tienes un gran objeto y tratas de medir la ubicación del objeto y su velocidad a la vez, cuanto más precisa sea la medición de la velocidad menos lo será la de la ubicación. Eso significa que puede haber diferentes realidades posibles al mismo tiempo». (Paul Verhoeven).

 

Martes 7 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Sesión Spencer Williams: 

- Hot Biskits (Spencer Williams, 1931). Int.: Thurston Briggs, Spencer Williams. EEUU. DCP. B/N. 10’.

- The Blood of Jesus (Spencer Williams, 1941). Int.: Cathryn Caviness, Spencer Williams, Juanita Riley, Reather Hardeman. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 56’.

Antes de volverse famoso en los años 50 entre la comunidad blanca estadounidense gracias a su participación en el popular programa televisivo Amos ’n Andy, la primera serie de ficción con un reparto íntegramente negro, Spencer Williams había iniciado su carrera en el cine como actor en pequeñas películas independientes pensadas para su exhibición en las salas segregadas. Tras acumular varios de esos papeles, Williams se lanzó a la dirección, primero con cortometrajes y finalmente con el mediometraje The Blood of Jesus, que le volvió inmensamente célebre entre la comunidad afroamericana. La película, que narra la historia de una difunta que se enfrenta a las tentaciones del demonio en el Más Allá, está acompañada por un cortometraje cómico dirigido por Williams que muestra cómo el cine independiente afroamericano de la época adaptaba los géneros y lugares comunes del cine de los grandes estudios de Hollywood, en este caso los códigos del slapstick.

Duración total de la sesión: 66’.


20:30 · Sala 1 ·
Centenario Luis Cuenca

La buena vida (David Trueba, 1996). Int.: Fernando Ramallo, Lucía Jiménez, Luis Cuenca, Isabel Otero, Joel Joan, Vicky Peña, Jordi Bosch, Muntsa Alcañiz, Ramón Barea. España, Francia. 35 mm. Color. 107’.

Un adolescente se ve obligado a vivir con su abuelo y cuestionárselo todo cuando sus padres mueren en un accidente de coche. La película, debut en el largometraje de David Trueba, fue galardonada con el Goya a Mejor Actor Secundario por el trabajo de Luis Cuenca.

«Película completamente hermosa y emocionante, donde corre y se desborda esa antigua agua que crea sed en vez de calmarla y en la que flota la escurridiza materia de que está hecho el talento, la capacidad de algunos humildes -el único abono imprescindible para que el talento aflore es la humildad- jugadores a dioses que les permite dar forma a lo informe, hacer luz con sombrío, convertir lo duro en tierno y lo inefable en dicho». (Ángel Fernández-Santos).

 

Jueves 9 de diciembre

                                                                                                                                                                     17:00 · Sala 1 · Black Films Matter

The Bronze Buckaroo (Richard C. Kahn, 1939). Int.: Herb Jeffries, Spencer Williams, Clarence Brooks, F. E. Miller. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 58’.

La figura de Herb Jeffries es interesante no solo por su trabajo como cantante y actor de varios wésterns para audiencias afroamericanas. Nacido de madre irlandesa y padre italiano pero con raíces norteafricanas, su trabajo con músicos afroamericanos y latinoamericanos (Duke Ellington y Juan Tizol, entre otros) le llevó a comprender las ventajas sociales de su color de piel, más claro que el de sus compañeros. A partir de ese momento, Jeffries oscureció su piel en el cine y se presentó abiertamente como afroamericano, mostrando con orgullo unas raíces que muchos otros coetáneos trataban de ocultar para conseguir trabajo. En The Bronze Buckaroo, uno de los múltiples wésterns de bajo presupuesto que Jeffries rodó durante los años 30, es un cowboy que trata de ayudar a su amigo Joe frente a las amenazas del malvado Buck Thorne, deseoso de hacerse con el oro que ha encontrado en las tierras de Joe. Como era habitual en estas películas, sus escasos sesenta minutos ofrecen romance, tiroteos, comedia y música, todo ello diseñado para las salas de cine segregadas.


18:30 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Mía Sarah (Gustavo Ron, 2006). Int.: Daniel Guzmán, Verónica Sánchez, Manuel Lozano, Fernando Fernán Gómez. España. 35 mm. Color. 103’.

Desde que perdió a sus padres en un accidente de tráfico, un adolescente lleva tres años encerrado en casa por una severa agorafobia. Junto a su abuelo, se dedica sabotear a todos los psicólogos que intentan curarle, hasta que un día su hermana da con un profesional poco convencional. En la que fue su última actuación en cine, Fernán Gómez recibió la medalla del Círculo de Escritores a Mejor Actor Secundario.

«Es lógico pensar que me podría dar miedo trabajar con Fernando en mi primer largometraje, pero la realidad ha sido muy distinta. Te puedo asegurar que si he sacado un buen amigo de Mia Sarah ese ha sido Fernando. Nos vemos a menudo y me aconseja sobre temas profesionales, y divagamos sobre un montón de temas. Para mí ha sido un regalo conocerle. Y en lo profesional […] una vez nos poníamos los sombreros de director y actor, él siempre me respetaba y yo a él, cada uno en su lugar y el trabajo bien hecho, así nunca hubo problemas». (Gustavo Ron).


21:00 · Sala 1 ·
Mai Zetterling. Una revolución

Juegos de noche (Nattlek, Mai Zetterling, 1966). Int.: Ingrid Thulin, Keve Hjelm, Lena Brundin, Naima Wifstrand. Suecia. DCP. VOSE. B/N. 105’. Copia restaurada por el Swedish Film Institute.

Un hombre regresa con su pareja a la casa donde pasó toda su infancia. Allí comienza a recordar la extraña relación que tuvo con sus padres, marcada por la falta de atención y el deseo sexual hacia su madre. Poco a poco, el pasado se inmiscuye en el presente.

«Esta segunda película de la actriz convertida en directora Mai Zetterling, tras la muy conseguida (y muy escandalosa) Los enamorados, es incluso más controvertida. Descrita por algunos como “pornográfica” (por ejemplo, la otrora actriz infantil Shirley Temple), es de hecho uno de los estudios más inteligentes y sinceros de las agonías de la pubertad, la historia de un joven preocupado por las mujeres que vive rodeado de ellas. Los paralelismos entre la película y Persona, de Ingmar Bergman, van más allá de la aparición del actor Jörgen Lindström en ambas y del uso de proyecciones en cuerpos humanos». (Ehsan Khoshbakht).

Segunda proyección el D19 a las 19.30 h.

 

Viernes 10 de diciembre

                                                                                                                                                                                                  17:00 · Sala 1 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Voz (Javier Aguirre, 2000). Int.: Fernando Fernán Gómez. España. 35 mm. Color. 82’.

Basada en la novela Compañía escrita por Samuel Beckett, en este monólogo rodado en un plano fijo, Fernán Gómez reflexiona sobre el pasado, el presente, el vacío y la soledad.

«Fernando Fernán Gómez es un prodigio, la voz más hermosa para recitar. Es como una partitura en la que las pausas y los silencios marcan el ritmo de la dicción […]. Cuando le di el guion me dijo que no había entendido nada. Enseguida me confesó que le había pasado lo mismo hace años cuando Víctor Erice le ofreció El espíritu de la colmena. No dudó en aceptar». (Javier Aguirre).


19:30 · Sala 2 ·
Black Films Matter

Sesión Cauleen Smith:

- The Changing Same (Cauleen Smith, 2001). Int.: Alem Brhan Sapp. EEUU. DCP. VOSE. Color. 10’.

- The Way Out Is The Way Two (Cauleen Smith, 2012). EEUU. DCP. VOSE. Color. 78’.

Sesión doble en torno a la obra de Cauleen Smith, artista y cineasta afrofeminista. El cortometraje es una vuelta de tuerca al afrofuturismo, género desarrollado entre la crítica social y la parodia que argumenta que el verdadero alienígena es el negro y que su libertad se producirá en el espacio exterior, lejos de la Tierra. Smith lleva la extravagancia afrofuturista al espacio más íntimo y existencial. En The Changing Same vemos a dos extraterrestres negros varados en un planeta Tierra vacío y buscando cómo relacionarse entre sí. La figura central del afrofuturismo, Sun Ra, es el eje sobre el que gira The Way Out Is The Way Two, una constelación de catorce cortometrajes que explora los años que el músico y protagonista de Space Is The Place pasó en Chicago, al tiempo que experimenta con su forma de entender la música y otras formas artísticas y creativas.

Duración total de la sesión: 88’.


20:30 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

El libro negro (Zwartboek, Paul Verhoeven, 2006). Int.: Carice van Houten, Sebastian Koch, Thom Hoffman, Halina Reijn. Países Bajos, Alemania, Reino Unido, Bélgica. 35 mm. VOSE. Color. 145’.

Tras ver su vida destrozada por los nazis, una joven judía se une a la resistencia holandesa y se convierte en espía.

«Yo era un niño pequeño durante la guerra, pero a esa edad la mente retiene las imágenes como si fuera una esponja, y estas eran imágenes muy extremas: bombas explotando, edificios derrumbándose, el cielo de color rojo porque la ciudad ardía… […] Esas imágenes me generan algo infantil, casi de excitación, aunque como adulto sé que tengo que ajustar mi pensamiento porque son imágenes de gente muriendo. Pero, de forma primitiva, esas imágenes están siempre ahí». (Paul Verhoeven).

 

Sábado 11 de diciembre


17:00 · Sala 1 · Walt Disney. De Collodi a Kipling

Dumbo (Ben Sharpsteen, 1941). EEUU. B-R. VOSE. Color. 64’.

Esta adaptación del cuento Dumbo, el elefante volador, escrito por Helen Aberson, cuenta la historia de un pequeño elefante que vive en un circo junto a su madre. A pesar de que todos los demás elefantes se ríen de él por sus enormes orejas, un ratón le convence de que puede convertirse en una gran estrella.

«Conocemos de sobra la moraleja de Dumbo. Es aún más familiar por ser completamente estadounidense (desde Disney hasta Spielberg) y está basada en la idea de que un individuo nunca honra más a su grupo que cuando ha encontrado la fuerza para transformar su discapacidad personal en una fuerza colectiva. Pero esta lectura moralizante de Dumbo no es obligatoria. La película es quizás más hermosa si se ve menos como la venganza de Dumbo y más como un proceso descrito en muchos mitos y que se centra en contar la historia del doble nacimiento del héroe». (Serge Daney).


19:30 · Sala 2 ·
Black Films Matter

Chocolate Babies (Stephen Winter, 1996). Int.: Sean Barr, Suzanne Gregg Ferguson, Dudley Findlay Jr. EEUU. DCP. VOSE. Color. 83’.

En el debut de Stephen Winter una banda terrorista formada por drag queens y transexuales negras seropositivas militantes se enfrentan a las políticas conservadoras y homófobas en las calles de Nueva York y visibilizan la crisis del SIDA, especialmente entre las comunidades afroamericanas. Una sátira política que combinando la rabia y el camp se convirtió en una de las declaraciones más poderosa del Black Power queer.


20:30 · Sala 1 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Starship Troopers (Las brigadas del espacio) (Starship Troopers, Paul Verhoeven, 1997). Int.: Casper Van Dien, Dina Meyer, Denise Richards, Clancy Brown, Jake Busey. EEUU. DCP. VOSE. Color. 129’.

En el futuro, la única forma de ser ciudadano y tener derecho a votar es pasar por el ejército. Un grupo de jóvenes se alista y terminan viajando al lejano planeta Klendathu para luchar contra una beligerante raza de insectos gigantes.

«En Robocop la ironía giraba en torno a las situaciones urbanas, en Starship Troopers tiene que ver con la política exterior de los Estados Unidos. Tiene que ver con la propaganda, y la función de la propaganda frente a la realidad, sobre cómo deforma la realidad. […] Starship Troopers me sirvió para reflexionar sobre la política en América. Hasta cierto punto, sobre la política interna de América. Está llena de paralelismos con lo que sucedió tras el 11-S, por supuesto. No solo las obvias, como esos cohetes que lanzan contra los túneles de los talibanes, los “arácnidos” en la película, sino también la función de la propaganda y la fabulación. Por un lado me gratifica ver que todo acabó siendo verdad, pero por otra parte es bastante triste que todo acabase siendo verdad». (Paul Verhoeven).

 

Domingo 12 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

En la ciudad sin límites (Antonio Hernández, 2002). Int.: Leonardo Sbaraglia, Fernando Fernán Gómez, Geraldine Chaplin, Ana Fernández, Adriana Ozores, Leticia Brédice, Roberto Álvarez, Àlex Casanovas, Alfredo Alcón. España, Argentina. 35 mm. Color. 125’.

Un joven llamado Víctor viaja a París para visitar a su padre, un importante empresario que ha sido hospitalizado por un tumor. Mientras el resto de la familia se encuentra inmersa en la venta de su empresa, Víctor decide ayudar a su padre a seguir el rastro de un secreto que atormenta sus últimos días.

«La película se rodó prácticamente al final de mi convalecencia, ya que me operaron en abril del 2000 y el rodaje se empezó en abril del 2001 […]. Por eso siempre he imaginado En la ciudad sin límites como muy ligada al hospital, a mi estancia en el hospital y a que el personaje casi no sale del él. Pero, precisamente, el que en la película el personaje atravesara una situación muy parecida a la que acababa de atravesar yo, a mí me estimulaba. Quizá con un punto de picardía pensaba: “Pues mira, me será más fácil”. Y creo que sí me ayudó eso». (Fernando Fernán Gómez).


20:00 · Sala 2 ·
Mai Zetterling. Una revolución

Las chicas (Flickorna, Mai Zetterling, 1968). Int.: Bibi Andersson, Harriet Andersson, Gunnel Lindblom, Gunnar Björnstrand, Erland Josephson. Suecia. 35 mm. VOSE. B/N. 100’. Copia restaurada por el Swedish Film Institute.

Tres actrices se unen a un grupo de teatro itinerante que está representando Lisístrata, la comedia de Aristófanes sobre un grupo de mujeres griegas que tratan de poner fin a la guerra negándose a mantener relaciones sexuales. Durante la gira, las tres actrices se dan cuenta de que ni el público ni sus compañeros de reparto entienden el significado de la obra.

«Una de sus grandes cualidades es que no nos confina en un único tema, no nos guía a ninguna conclusión pero, sin señalar, muestra. A partir de un momento en la vida de tres mujeres sentimos lo que significa ser mujer. Una descripción escrita apenas puede reproducir la maestría con la que Mai Zetterling cuenta su historia. Todas las imágenes tienen múltiples dimensiones, las escenas teatrales son un reflejo de la vida y a su vez de esos sueños que son también representaciones de lo real. Irónica y cómica, esta película nos conduce por la belleza de sus espacios, su poesía y, por encima de todo, la sutil ternura con la que se muestran los rostros femeninos. Es un gran triunfo y espero que mucha gente, ya sean hombres o mujeres, descubran su poder de seducción». (Simone de Beauvoir).

                                                                                                                                                                                                  21:00 · Sala 1 · Paul Verhoeven. Instintos básicos

El hombre sin sombra (Hollow Man, Paul Verhoeven, 2000). Int.: Elisabeth Shue, Kevin Bacon, Josh Brolin, Kim Dickens, William Devane. EEUU, Alemania. 35 mm. VOSE. Color. 112’.

Un grupo de científicos descubre el secreto de la invisibilidad. Tratando de mantener el control del experimento, uno de ellos se inyecta el suero a sí mismo.

«Quería hacer una película más popular que mis filmes anteriores. Traté de que mi aproximación a la película fuera más normal, porque este era un film muy caro y si lo convertía en un film personal hubiese sido el fin de mi carrera. En este caso tenía un guion muy preciso y claro y me limité a filmar el guion tal cual había sido aprobado por el estudio». (Paul Verhoeven).

Segunda proyección en enero.

 

Martes 14 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
Black Films Matter

Losing Ground (Kathleen Collins, 1982). Int.: Seret Scott, William Gunn, Duane Jones, Billie Allen. EEUU. DCP. VOSE. Color. 83’.

Escritora y cineasta, Kathleen Collins destacó por su manera de abordar en relatos, obras de teatro, guiones de cine y películas unas relaciones conyugales caracterizadas por mujeres autorreflexivas que pasaban de un estado de subyugación a otro de empoderamiento. En ese sentido, Losing Ground fue un largometraje pionero a la hora de introducir la conciencia feminista afroamericana en las películas, pero no llegó a tener estreno comercial. Se trataba de una comedia dramática semiautobiográfica en torno a la crisis matrimonial de una profesora de filosofía y su marido pintor. Un enredo amoroso atravesado por la cuestiones de raza y género condenado al olvido por las distribuidoras que ha sido redescubierta años después como un hito del cine independiente.


20:30 · Sala 1 ·
O Dikhipen ('La mirada' en lengua gitana)

Algo salvaje. La historia de Bambino (Paco Ortiz, 2021). España. DCP. Color. 82’.

Documental biográfico del cantante que triunfó en salas de fiesta de media España rompiendo moldes con un nuevo estilo musical y una personalidad tan arrebatadora que le convirtieron en el Rey de la Rumba.

«Como el poema de Kavafis sobre Ítaca, la vida de nuestro protagonista es un camino lleno de aventuras y experiencias, el que llevó a Miguel Vargas a convertirse en Bambino y visitar lugares desconocidos, donde las mañanas de verano se transforman en noches infinitas, en fiestas de humo y alcohol, donde las sirenas se convierten en amores pasajeros, quizás salvajes, y todo sin perder nunca Utrera de la mente, el alfa y omega, la Ítaca de este particular Ulises». (Paco Ortiz).

Presentación a cargo de representantes del Ministerio de Cultura y Deporte, Filmoteca Española, el Instituto de Cultura Gitana y la familia de Miguel Vargas Jiménez “Bambino”. Duración total aproximada de la sesión: 120’.

 

Miércoles 15 de diciembre


17:00 · Sala 1 ·
O Dikhipen ('La mirada')

Montoyas y Tarantos (Vicente Escrivá, 1989). Int.: Cristina Hoyos, Juan Antonio Jiménez, José Sancho, Mercedes Sampietro, Juan Paredes, Esperanza Campuzano, Juan Antonio Jiménez, Queta Claver, Antonio Canales España. 35 mm. Color. 96’.

A partir de dos obras de teatro, La historia de los Tarantos, de Alfredo Mañas, y Romeo y Julieta, de William Shakespeare, la película cuenta, al ritmo de la música de Paco de Lucía, una historia de amor marcada por la enemistad de dos familias.

«Lo difícil fue plantearse lo flamenco, que en España es como hacer confites dentro de una confitería. Pero creo que ha resultado bien, a juzgar por el recibimiento que ha tenido, sobre todo en Andalucía. En Jerez, se duplicó el entusiasmo del Festival de Montreal, y nos despidieron con palmas de bulerías». (Vicente Escrivá).

Presentación a cargo de Diego Fernández, director del Instituto de Cultura Gitana, y los bailaores e intérpretes Cristina Hoyos y Juan Antonio Jiménez. Duración total aproximada de la sesión: 135’. 


19:30 · Sala 2 ·
Paul Verhoeven. Instintos básicos

Vivir a tope (Spetters, Paul Verhoeven, 1980). Int.: Hans van Tongeren, Renée Soutendijk, Toon Agterberg, Maarten Spanjer. Países Bajos. 35 mm. VOSE. Color. 120’.

Dos hermanos que quieren labrarse una carrera como pilotos de motocross se enamoran de una joven que trabaja vendiendo comida en el circuito de carreras.

«Hay una canción de Bryan Ferry en la que dice algo como “Me gusta la vida llena de sorpresas”. Es cierto que puede ser muy agradable, pero también muy desagradable. Vivir a tope se basa en esa sensación de que la vida es caótica. Puede que te vaya muy bien y de repente una tragedia arrase con todo. Le pasa a mucha gente, y genera un miedo terrible». (Paul Verhoeven).


21:00 · Sala 1 ·
Mai Zetterling. Una revolución

Visions of Eight (Milos Forman, Kon Ichikawa, Claude Lelouch, Yuriy Ozerov, Arthur Penn, Michael Pfleghar, John Schlesinger y Mai Zetterling, 1973). RFA, EEUU. B-R. VOSE. Color. 110’.

Película de ocho capítulos rodada con motivo de los juegos olímpicos de Munich en 1972. Cada una de las piezas, rodadas por algunos de los directores más importantes del momento, se centra en un deporte o un aspecto concreto de la competición; así, la pieza firmada por Mai Zetterling retrata el trabajo y la intimidad de los levantadores de pesas.

«Es una pena que el formato no haya tenido continuidad. Diseñar tu propio plantel de directores favoritos para las próximas olimpiadas sería un juego divertido para las fiestas. Steven Soderbergh, Lucrecia Martel, Béla Tarr, Steve McQueen… La lista sería infinita. Mientras tanto, lo que tenemos es este interesante documento: ocho miradas memorables a los retos y sufrimientos de una de las más impresionantes cohortes de la historia del deporte durante un doloroso y complejo punto de inflexión del siglo XX». (Sam Lipsyte).

 

 

LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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