Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 01/06/2021 hasta el 30/06/2021
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

 

PROGRAMA

 

JUNIO DE 2021


Finaliza este mes ”Cine espectáculo”, que presenta películas destinadas a una enorme pantalla de una gran sala llena de público. También prosigue el amplio ciclo dedicado a Fernando Fernán Gómez, que se extenderá hasta finales de año. Por otra parte, finalizan el homenaje al director de animación Cruz Delgado y la retrospectiva de DocumentaMadrid, dedicada este año a Djibril Diop Mambéty y Mati Diop, dos figuras fundamentales del cine africano. Y comienza un amplio programa de proyecciones titulado 'Universo Berlanga', en honor del gran guionista y director Luis García Berlanga (1921-2010), del que celebramos su centenario.

 

Martes 1 de junio


18:00 · Sala 2 · Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Hyènes (Djibril Diop Mambéty, 1992). Int.: Mansour Diouf, Ami Diakhate, Faly Gueye, Mamadou Mahourédia Gueye. Senegal, Suiza, Francia, Reino Unido, Holanda, Italia. DCP. VOSE. Color. 111’.

Una mujer regresa a la aldea de su infancia. Con la intención de convencerla para que invierta parte de su gran fortuna, los ancianos del pueblo nombran alcalde a un hombre que en su momento la cortejó.

«Puede que el espectador espere una farsa a lo Preston Sturges sobre la corrupción de una pequeña población. La película es en realidad más extraña y triste que eso, una penetrante alegoría sobre la influencia del dinero extranjero que, aunque adapta una obra de teatro suiza (The Visit, de Friedrich Durrenmatt), parece escrita a propósito para un continente que trata de enfrentarse a su relación con una ayuda no-del-todo-desinteresada que proviene de países que fueron en su momento invasores». (John Defore).


20:30 · Sala 1 ·
Universo Berlanga

Bienvenido Míster Marshall (Luis García Berlanga, 1953). Int.: José Isbert, Lolita Sevilla, Manolo Morán, Alberto Romea. España. 35 mm. B/N. 78’.

A un pequeño pueblo en el que nunca pasa nada llega la noticia de la visita de los americanos en plena reconstrucción de Europa con el Plan Marshall. Todo el pueblo se vuelca en preparar la celebración de su llegada.

«La primera sinopsis que escribimos Bardem y yo era un drama rural, al estilo del cine del Indio Fernández. Los productores nos dijeron que por qué no hacíamos algo más divertido. Entonces la primera idea que tuvimos fue hacer algo sobre la Coca-Cola y el vino. Posteriormente, siguiendo el planteamiento de La kermesse heroica, nos decidimos por la historia de un pueblo que soporta la invasión a base de halagar a los invasores, hasta ir evolucionando hacia lo que finalmente es la película». (Luis García Berlanga)

Segunda proyección en agosto.

 

Miércoles 2 de junio


19:00 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Juan Soldado (Fernando Fernán Gómez, 1973). Int.: Fernando Fernán Gómez, Emma Cohen, Manuel Torremocha, Charo Soriano, Francisco Camoiras. España. 16 mm. Color. 45’.

Mediometraje para TVE en el que Fernán Gómez adaptó un relato costumbrista del XIX (firmado por Fernán Caballero, seudónimo de Cecilia Böhl de Faber), a su vez basado en el popular cuento Juan sin miedo. Narra la historia de un soldado que, tras compartir su comida con unos peregrinos, recibe como premio un morral mágico.

«El hecho de que fuera televisión en vez de ser cine me pareció interesante. Luego no hubo ningún inconveniente en el rodaje, se pudo rodar con arreglo a la idea que yo tenía de que fuera todo más bien mediocre que lujoso, y también que estuviera conseguida la mezcla de realidad y fantasía». (Fernando Fernán Gómez).

Presentación a cargo de Helena de Llanos, asesora del ciclo “Los 100 de Fernando Fernán Gómez”. Después de la proyección de Juan Soldado se podrán ver una pieza breve sobre el rodaje de la serie El pícaro (Fernando Fernán Gómez, 1974-1975) y Lucas desea un traje y un amo y encuentra las dos cosas, primer capítulo de la serie. Duración total aproximada de la sesión: 95’


20:00 · Sala 1 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Atlantique (Mati Diop, 2019). Int.: Mame Bineta Sane, Amadou Mbow, Traore, Nicole Sougou. Francia, Senegal, Bélgica. DCP. VOSE. Color. 106’.

Tras meses sin cobrar, los trabajadores en la construcción de espectacular edificio en Dakar deciden abandonar la obra y cruzar el océano en busca de una vida mejor. Entre ellos se encuentra un joven enamorado de una mujer que está a punto de casarse con otro hombre.

«Tiene la forma de una deslumbrante historia de fantasmas senegalesa en la que todos los personajes están poseídos por el deseo de escapar». (Eric Kohn).

 

Jueves 3 de junio


17:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

La pasión de Juana de Arco (La passion de Jeanne d'Arc, Carl Theodor Dreyer, 1928). Int.: Maria Falconetti, Eugene Silvain, André Berley, Maurice Schutz. Francia. DCP. MRF/E. B/N. 81’. Copia restaurada por Gaumont.

En 1431, tras jugar un importante papel en la victoria francesa de la Guerra de los Cien Años, Juana de Arco es llevada a juicio por herejía. Durante el proceso, el tribunal tratará por todos los medios de que la acusada se retracte de su afirmación de que fue Dios quién guio sus pasos en la guerra.

«El hecho de que Jeanne sea el hilo que seguimos a lo largo de toda la narrativa indica por qué la interpretación psicológica resulta tan atractiva para la crítica. Al fin y al cabo, ella es un personaje de ideas firmes, con sus propias motivaciones, objetivos y sentimientos, y todo esto se expresa de diferentes maneras. Según un acuerdo casi universal, aquí tenemos una de las más profundas indagaciones cinematográficas de una personalidad: cada movimiento de su mente y su corazón se puede leer en su rostro». (David Bordwell)

«Somos testigos de un drama impresionante:», dicen los títulos iniciales de La pasión de Juana de Arco, “una joven creyente enfrentada a una cohorte de teólogos ofuscados y curtidos juristas”. Dreyer era muy consciente del material espectacular que tenía entre las manos. Antes de 1928 la figura de Juana de Arco había sido llevada a la pantalla media docena de veces, pero el director danés se separaría de todas ellas al localizar la fuente de este drama impresionante en otra parte. Con una escenografía depurada, sin introducir personajes ni situaciones y, sobre todo, sin maquillar unas caras que nunca se han visto tan carnosas y violentamente cercanas, Dreyer renunció a los principales recursos del espectáculo para construir el impresionante drama de Juana de Arco en torno al rostro de su actriz. Y la actriz Maria Falconetti se entregó a su personaje en una interpretación merecidamente célebre, que muestra a Juana “tal cuál era, no con casco y armadura, sino sencilla y humana”. Encuadrada más allá de las convenciones sobre la escala del plano y con un montaje sorprendentemente rápido entre Juana y sus jueces, La pasión de Juana de Arco parece, en palabras de Cocteau, “un documento histórico de una época en la que el cine no existía”». (Alberto Hernando).


18:00 · Sala 2 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol: Cortometrajes de Mati Diop

Programa de cuatro cortometrajes de la cineasta Mati Diop, empezando con su segundo trabajo como directora (Snow Canon) y terminando con el estreno de su última obra, rodada durante el confinamiento.

Snow Canon (Mati Diop, 2011). Francia. DCP. VOSE*. Color. 34’
Big in Vietnam (Mati Diop, 2012). Francia. DCP. VOSE*. Color. 28’
Liberian Boy (Mati Diop, 2015). Francia, Canadá. DCP. VOSE*. Color. 5’
In My Room (Mati Diop, 2020). Francia, Italia. DCP. VOSE*. Color. 20’

«Como mujer mestiza, como persona que ha sido criada en Occidente y que finalmente ha decidido relacionarse con África a través del cine, forma parte de mí. No podría estar más preocupada por esa cuestión, la descolonización del lenguaje cinematográfico. Está en el centro de cada imagen que creo, pero no necesariamente a un nivel consciente; es simplemente una tensión permanente dentro de mí». (Mati Diop).

Duración total de la sesión: 87’.


21:00 · Sala 1 ·
Flores en la sombra: Nitratos #3: Riñas y danzas (1897 – 1952)

A partir de la recreación que realizó Fructuós Gelabert de la primera pieza de ficción española conocida, Riña en un café, este programa lo forma una compilación de breves nitratos de la prehistoria del cine, realizados por Alexander Promio y operadores Lumière en España, con el payaso Pierrot como invitado especial. Imágenes documentales de riñas y bailes conviven con piezas de ficción que apelan al ilusionismo. La sesión está musicalizada por Pucho, cantante de Vetusta Morla, en busca del espíritu festivo y burlón del programa.

Presentación a cargo de Pucho, cantante de Vetusta Morla, y Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española.



Viernes 4 de junio

 

17:00 · Sala 1 · Universo Berlanga

El circo (Luis García Berlanga, 1950-1988). España. DCP. B/N. 18´

Documental sobre la llegada del Circo Americano a Madrid, rodado por Luis García Berlanga como práctica de tercer año en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas y que quedó sin montar y sonorizar. En 1988, con motivo del 50 aniversario del IIEC, tres investigadores de Filmoteca Española, Lourdes Odriozola, Luis Galende y Domingo Pérez, realizaron un montaje de la película con la aprobación del propio Berlanga.

Después de la proyección de El circo podrá verse El sueño de la maestra (Luis García Berlanga, 2002).


18:00 · Sala 2 ·
Djibril Diop Mambéty + Mati Diop: Bajo el mismo sol

Touki Bouki (Djibril Diop Mambéty, 1973). Senegal. DCP. VOSE. Color. 85’.

Dos jóvenes se conocen en Dakar y comienzan a buscar formas de huir de allí y vivir en París.

«No crea un mundo imaginario basado en una nostalgia retro-utópica ni tampoco en un relato revolucionario determinante. Su desafío es el de afirmar una escapada al lugar que se le supone y omitir su esperada reacción al poder y a las formas de dominación, tejiendo un relato estético, afectivo e irracional». (Marina Riera Retamero).

Después de la proyección de Touki Bouki podrá verse Mille soleils (Mati Diop, 2013). Duración total de la sesión: 130’.


21:30 · Sala 1 ·
Espejos para Berlanga

M.A.S.H. (Robert Altman, 1970). Int.: Donald Sutherland, Elliot Gould, Tom Skerrit, Sally Kellerman, Robert Duvall, Roger Bowen, René Auberjonois, David Arkin. EEUU. DCP. VOSE. Color. 116´.

En plena Guerra de Corea, el equipo sanitario del ejército estadounidense reparte su tiempo entre el constante trabajo curando a los heridos, sus escarceos sexuales y abundantes bromas.

«La dislocación presencial y las motivaciones psicológicas en M.A.S.H. demuestran un sentido moderno de hostilidad, incertidumbre y ambigüedad sobre el concepto de autoridad, autoridad que es configurada repetidamente en términos de inestabilidad sexual». (Robert T. Self).

Segunda proyección en julio.

 

Sábado 5 de junio


17:00 · Sala 1 · Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca Junior: Las aventuras de Molécula

Sesión que reúne una selección de los cortometrajes en torno a su personaje Molécula que Cruz Delgado dirigió a finales de los años 60 para TVE. Todos los cortos tienen una duración de cinco minutos y se proyectarán en 35 mm.

Molécula astronauta
• Molécula en el continente negro
• Molécula contra Marko
• Molécula en la isla perdida
• Molécula contra el hombre invisible
• Molécula en el Polo
• Molécula y la formulita
• Molécula detective
• Molécula y el arma secreta
• Molécula y la ballena azul
• Molécula y el bastón del faraón
• Molécula en un viaje en globo
• Molécula en flautistas modernos

«En 1967 Cruz Delgado firmaría un contrato con TVE para realizar la primera serie de dibujos animados producida por la cadena pública desde que iniciara sus emisiones en 1956: Molécula. Comenzaría a realizarse en los estudios que Cruz Delgado tenía en la calle Valenzuela, pero surgieron problemas con el alquiler; la propietaria necesitaba la casa para su hija, que iba a casarse, y por otra parte había demasiadas personas trabajando allí, fijos y colaboradores, y eso suponía demasiadas molestias para el resto de inquilinos, de modo que había que prepararse para un nuevo traslado. Localizó un chalé antiguo, próximo a la zona de Ventas, en la calle Mateo García, esquina con Alcalá, muy adecuado para establecer su empresa de animación. Allí terminaron los trece episodios de Molécula, emitidos dentro del espacio Tarde de domingo y presentados por el actor Manuel Dicenta, que interpretaba a un abuelo sentado en su sofá». (Jorge San Román y Cruz Delgado Sánchez).

Duración total de la sesión: 65’


19:00 · Sala 2 ·
Universo Berlanga

¡Vivan los novios! (Luis García Berlanga, 1970). Int.: José Luis López Vázquez, Laly Soldevila, José María Prada, Manuel Alexandre, Luis Ciges. España. 35 mm. Color. 83’.

Una pareja viaja a Barcelona con el deseo de casarse. Sin embargo, la madre de uno de ellos muere. Con la intención de seguir adelante con el matrimonio y evitar el año de luto, ambos deciden ocultar el cadáver.

«Queríamos mostrar, entre otras cosas, ese décalage que había, y que probablemente continuará existiendo, entre una España que seguía siendo medieval. Representada por el correspondiente señor de Burgos, y la Europa moderna, representada por los turistas, por las chicas extranjeras. Había una crítica a la trampa franquista de hacernos creer que el país se liberalizaba». (Luis García Berlanga).

Segunda proyección en agosto.


21:30 · Sala 1 · Cine espectáculo

El portero de noche (Il portiere di notte, Liliana Cavani, 1974)
. Int.: Dirk Bogarde, Charlotte Rampling, Philippe Leroy, Gabriele Ferzetti. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 118´.

Una década después del fin de la Segunda Guerra Mundial, una superviviente del Holocausto y un antiguo oficial de las SS, ahora reconvertido en portero de un hotel en Viena, inician una relación tormentosa.

«Aunque Liliana Cavani ya había tratado de denunciar los totalitarismos en sus documentales para la televisión, con El portero de noche dio un paso más. "Todos somos víctimas o verdugos", replicó a quienes la atacaban por su presunta humanización del personaje del agente nazi. Los abusos sexuales de él sobre la joven judía encerrada en un campo de concentración se transforman con el tiempo en una ardiente historia de amor y dependencia de la que ninguno de los dos podrá liberarse. Los fantasmas del pasado vuelven a tomar forma en ellos, conduciéndoles a una tenebrosa vía sin salida». (Diego Galán).

«A fuerza de volver a él una y otra vez, el cine no ha podido (o no ha sabido) evitar convertir el Holocausto en la gran historia de terror de nuestro tiempo, en el espectáculo paradigmático de la representación del horror y la locura. De ahí a la farsa hay solo unos pocos pasos, lo que explicaría toda la gama de títulos, de muy diferente pelaje, que se ocultan bajo la etiqueta de nazisplotation. Algunas de estas películas solo buscaban hacer dinero fácil a costa del morbo y la fascinación por el sufrimiento ajeno. Otras, sin embargo, eran intentos honestos de encontrar nuevas vías de aproximación a un momento de nuestra historia que, de tanto representarse, había terminado por convertirse en un suceso ficticio. Ahí nos encontramos con la película de Liliana Cavani, un acercamiento psicologista al nazismo que explora las relaciones de dominación entre víctimas y verdugos pero también la represión sexual y emocional masculina que se oculta tras los movimientos totalitarios. El relato resultante, de un marcado erotismo tan lúgubre como desesperado, no sentó nada bien a los aparatos censores: la película fue calificada con una X en países como Austria y Estados Unidos, y prohibida durante dos años en España. Esto no impidió que El portero de noche se convirtiera en un enorme éxito de taquilla, y que la icónica escena del “cabaret del horror” deviniese en perturbador mito erótico». (Pablo López).

 

Domingo 6 de junio


18:00 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Crimen imperfecto (Fernando Fernán Gómez, 1970). Int.: Fernando Fernán Gómez, José Luis López Vázquez, Rosanna Yanni, Jesús Puente, Gogó Rojo, Jorge Rigaud, Félix Dafauce, Álvaro de Luna. España. DCP. Color. 88´.

Dos detectives privados que se dedican a investigar adúlteros y pretendientes sospechosos de conductas cuestionables se ven envueltos en el robo de los fondos de una empresa. Cuando comienzan a indagar, varias personas relacionadas con el asunto aparecen muertas.


20:30 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, 1977) Int.: Richard Dreyfuss, Teri Garr, Melinda Dillon, François Truffaut. EEUU. DCP. VOSE. Color. 138´.

Tras vivir sucesos imposibles de explicar, dos individuos se convencen de que una inteligencia extraterrestre está a punto de contactar con la raza humana.

«Una gran película es aquella que puede coger incluso al más amargado de los espectadores y llenarle con un sentimiento de excitación, maravilla y pura euforia. […] Una verdadera gran película […] es la que es capaz de lograr eso incluso con espectadores décadas después de su estreno». (Peter Sobczynski)

«Dijo François Truffaut que “cuando una película alcanza cierto éxito, se convierte en un acontecimiento sociológico”. Tal fue el caso con este largometraje de Steven Spielberg, en el que el propio Truffaut interpreta a un científico explorando las posibilidades de vida extraterrestre, y que en la América post-hippie fue recibido como si fuera un mensaje religioso o una expresión del new age. Era la primera vez en todo caso que el cine americano retrataba a los alienígenas como seres civilizados, criaturas afectuosas y con inteligencia emocional, determinados a establecer contacto con la raza humana, de modo que el terror y la paranoia hacia la invasión extraterrestre que ocupó el grueso de la ciencia-ficción en los años 50 (como metáforas de la amenaza comunista) daba lugar a una nueva forma de relación social con el imaginario alienígena. El director de Tiburón alcanzó con esta película la plenitud de su lenguaje basado en el denominado “Spielberg Face” (y que ha desarrollado en toda su filmografía hasta hoy), es decir, mostrar lo espectacular mediante la reacción de asombro en los rostros de los personajes. Las palabras no pueden llegar a definir lo que están viendo, ni siquiera una imagen de aquello que ven, pero la expresión en sus miradas, y el efecto-grúa para acercarse lentamente a ellas, expresan una gama de emociones que a veces no hacen necesario mostrar el contraplano. El emocionante tercio final de la película representa un verdadero hito estético y de producción, en el que los juegos de luces y sonidos alumbran un nuevo lenguaje: el insuperable (hasta hoy) espectáculo alienígena». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

La copia que se proyecta es la de la versión conocida como “Montaje del director”, supervisada por el director, Steven Spielberg, y estrenada en 1999.



Martes 8 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Universo Berlanga

La vaquilla (Luis García Berlanga, 1985). Int.: Alfredo Landa, Guillermo Montesinos, Santiago Ramos, José Sacristán, Juanjo Puigcorbé, Violeta Cela, Agustín González, Adolfo Marsillach, Amelia de la Torre, Amparo Soler Leal, María Luisa Ponte, Carlos Tristancho, Eduardo Calvo, Luis Ciges. España. 35 mm. Color. 122’.

En plena Guerra Civil, un grupo de soldados republicanos deciden cruzar el bando nacional para robar una vaquilla y así arruinar al enemigo una corrida de toros que tienen organizada para celebrar la festividad de agosto.

«Mi proyecto favorito fue siempre La vaquilla. La historia estaba en mi cabeza desde 1940 […] Me ocurrió eso que me ha pasado a menudo durante toda mi vida: que a los comunistas y a los socialistas la película les pareció más bien fascistoide y, en cambio, a la gente de derechas le pareció una película de unos rojos indecentes». (Luis García Berlanga).

Segunda proyección en julio.


20:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

¡Bruja, más que bruja! (Fernando Fernán Gómez, 1977). Int.: Fernando Fernán Gómez, Emma Cohen, Mary Santpere, Francisco Algora, Fernando Sánchez Polack, José Lifante, Carmen Martínez Sierra. España. DCP. Color. 88’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Un joven abandona su pueblo para hacer la mili. Cuando regresa, descubre que la que fuera su novia se ha casado con el despiadado cacique local. Los dos amantes, incapaces de reprimir sus sentimientos, buscan la ayuda de una “bruja”.

«Fernán Gómez recurre a la zarzuela para desmontar algunos de los tópicos asociados a la representación popular en el género chico. ¡Bruja, más que bruja! rehúye el costumbrismo colorista para adentrarnos en una España negra y asfixiante en que los personajes buscan soluciones mágicas a unos problemas que se ven incapaces de solventar por ellos mismos. Pero lo lleva a cabo desde cierto registro de comedia grotesca que entronca con toda una tradición literaria española dispuesta a desplegar un espejo deformante frente a la realidad». (Eulàlia Iglesias).

 

Miércoles 9 de junio

 

18:00 · Sala 2 · Universo Berlanga

Novio a la vista (Luis García Berlanga, 1954). Int.: Josette Arno, Jorge Vico, Julia Caba Alba, Antonio Riquelme, Julia Lajos, José Luis López Vázquez, José María Rodero, Mercedes Muñoz Sampietro, Terele Pávez. España. 35 mm. B/N. 83´.

Durante el verano, una madre y su hija viajan a la playa. La madre espera que la joven encuentre un novio que le convenga, pero esta se ha enamorado de un chico de su edad con el que juega a ser espía y hacer la guerra.

«En la época en que yo me preocupaba más por la forma es, precisamente, cuando se decía que era muy descuidado. […] En Novio a la vista, recuerdo, me mataba por mimar los encuadres, inventar cosas. Todavía miraba por la cámara, luego dejé de mirar. Siempre he sido fiel al objetivo único, a no deshumanizar el encuadre, y quizá por ello he dado la impresión de ser indiferente respecto a la técnica». (Luis García Berlanga).

Segunda proyección en julio.


20:00 · Sala 1 ·
Filmadrid

Destello bravío (Ainhoa Rodríguez, 2021). Int.: Guadalupe Gutiérrez, Carmen Valverde, Isabel María Mendoza. España. DCP. Color. 98’.

Largometraje construido a partir de los relatos, fábulas y leyendas que los habitantes de Tierra de Barros (Extremadura) compartieron con la directora durante los nueve meses que pasó allí.

«Rodar en estos lugares ha sido una vivencia emocionante, porque estas personas podían haber sido los vecinos de mi abuela Concha y mi abuelo Antonio. La idea inicial era mostrar cómo gente trabajadora en algo tan duro como es el campo fabula de un modo u otro, ya sea de una forma religiosa, esotérica e incluso psicodélica, para encontrar un sentido a su existencia». (Ainhoa Rodríguez)

Inauguración de Filmadrid 2021. Presentación a cargo de la directora, Ainhoa Rodríguez, y el productor, Lluís Miñarro.

Duración total aproximada de la sesión: 130’.

 

Jueves 10 de junio


17:00 · Sala 1 · Sesión especial
Cortometrajes de Julio Diamante

Tres cortometrajes del cineasta Julio Diamante rodados durante su estancia en la Escuela Oficial de Cinematografía.

• Antes del desayuno (Julio Diamante, 1954). España. BDG. B/N. 15’.
• El proceso (Julio Diamante, 1954). España. BDG. B/N. 20’.
• La lagrima del diablo (Julio Diamante, 1961). España. 35 mm. B/N. 21’.

«Para La lagrima del diablo me inspiré en un relato de Téophile Gautier. No puedo disimular mi simpatía por los románticos. Pero, claro está, en nuestros días el romanticismo no se puede tomar excesivamente en serio, por lo cual lo trate con gran libertad introduciendo en él momentos de humor que lo distancian del espectador actual». (Julio Diamante).

Presentación del libro 'Del cine y otros amores', escrito por Julio Diamante, a cargo de Fernando Lara, periodista y escritor cinematográfico; Carlos F. Heredero, historiador y crítico; y Sagrario Muñoz, docente, investigadora y viuda de Julio Diamante.

Duración total aproximada de la sesión: 90’.


17:45 · Sala 2 ·
Filmadrid

Capitu e o capítulo (Júlio Bressane, 2021). Int.: Mariana Ximenes, Enrique Diaz, Vladimir Brichta, Djin Sganzerla. Brasil. DCP. VOSE. Color. 75’.

Adaptación de la novela Dom Casmurro, escrita por Machado de Assis a finales del siglo XIX, en la que el cineasta Júlio Bressane explora diferentes formas de representación y recupera materiales de sus anteriores trabajos. La película llega a Filmadrid y el Doré apenas unos días después de su estreno en el Festival de Rotterdam.

Antes de la proyección de Capitu e o capítulo se podrá ver el cortometraje Demonic (Pia Borg, 2019).

Duración total de la sesión: 103’.


21:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Intimidad (Intimacy, Patrice Chéreau, 2001). Int.: Kerry Fox, Mark Rylance, Timothy Spall, Philippe Calvario. Francia, Reino Unido, Alemania, España. 35 mm. VOSE. Color. 124’.

Ganadora del Oso de Oro de Berlín en 2001, esta adaptación de la novela homónima de Hanif Kureishi narra la historia de un hombre y una mujer que mantienen una relación estrictamente sexual, hasta que él empieza a sentirse emocionalmente atraído por ella.

«Desde El último tango en París, ninguna película había explorado con tanta intensidad las múltiples y sutiles conexiones entre deseo, intimidad física y romance. […] una película inusualmente compleja. Para el director, el sexo, igual que el teatro, se convierte en algo similar al arte de la interpretación». (Ed Gonzalez).

«En referencia a las escenas de sexo, las palabras de Patrice Chéreau son elocuentes: “Todas fueron ensayadas con precisión. No quería hurtarle nada al espectador. Decidí no insistir en los detalles, pero tampoco en esconder nada. Todas las escenas de sexo, incluso la más larga, se rodaron en una sola secuencia, sin una sola interrupción. Es impresionante ver dos cuerpos tratando de encontrarse, buscando juntos el placer, escuchándose el uno al otro. Es un trabajo. Pero es lo que quería ver”. El cineasta francés, en su primera película en lengua inglesa, adaptando al escritor Hanif Kureishi, entendió enseguida que el desafío de la película pasaba por expresar la emoción a través de la carne, que solo las propiedades físicas de la imagen podían canalizar el estado emocional de sus protagonistas. En un exigente tour de force, Mark Rylance y Kerry Fox, en la piel de Jay y Claire, dan vida a la pareja de amantes desconocidos que cada miércoles se reúnen en un sótano de Londres para entregarse solo en cuerpo, no en alma, tratando de escapar de un pasado traumático. Mucho más que una derivada contemporánea de El último tango en París, el último filme del escenógrafo y cineasta Chéreau, premiado en el Festival de Berlín, incorpora las técnicas del teatro al lenguaje cinematográfico con un colosal atrevimiento, armando el melodrama más físico posible, bajo la sospecha de que, queramos o no, el cuerpo siempre acaba siendo una extensión de los sentimientos. Allí donde la emoción quiere ocultarse, acaba inevitablemente por encontrar salida, incluso de forma torrencial, especialmente cuando Jay rompe su pacto y empieza a interesarse por la vida de Claire». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Viernes 11 de junio


17:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Niágara (Niagara, Henry Hathaway, 1953). Int.: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Casey Adams, Max Showalter, Denis O'Dea. EEUU. DCP. VOSE. Color. 92´.

Cuando dos parejas coinciden en un viaje a las cataratas del Niágara, la tensión entre una de ellas acaba conduciéndoles al crimen.

«Un habitual lugar común dice que los estadounidenses se sienten cómodos con la violencia cinematográfica de la misma forma en que no se sienten cómodos con la sexualidad en el cine. Puede que sea cierto, pero también es cierto que el erotismo de Marilyn Monroe es un acto de violencia, una distorsión del orden heterosexual natural y esperable tan extrema que resulta destructiva». (Philippa Snow)

«El erotismo de la naturaleza o la naturaleza del erotismo. ¿Cómo se filma algo así? Henry Hathaway filmó este thriller en torno a la atracción sexual y sus crímenes poniendo en relación la “espectacularidad” de dos fenómenos de la naturaleza. El apabullante espectáculo de las cataratas del Niágara, forzando hasta el límite el ancho de la pantalla, compite así con la corpórea sensualidad de Marilyn Monroe, filmada por primera vez en esplendoroso Technicolor, en un papel de múltiples rostros en el que encarnó su único rol de villana para poner en escena “un torrente de emoción que la naturaleza no puede controlar”, según la llamada promocional del film. El popular paseo de su personaje, Rose Loomis, por las calles empedradas ostenta el récord todavía del paseo más largo en la historia de Hollywood: 116 pies de celuloide. Sin duda, para Hathaway primó el sentido atmosférico y la cualidad carnal de las imágenes respecto a los pliegues narrativos del relato noir. No es un thriller compacto en su aspiración claramente hitchcockiana, pero ni siquiera el maestro del suspense en Con la muerte en los talones exploró la perversa psicología y las emociones de sus personajes a través de los espacios geográficos por los que transitan, y que sin duda les define». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


18:00 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Mi hija Hildegart (Fernando Fernán Gómez, 1977). Int.: Amparo Soler Leal, Carmen Roldán, Manuel Galiana, Carles Velat, Pedro Díez del Corral, José María Mompín, Guillermo Marín. España. 16 mm. Color. 109’.

Rafael Azcona y Fernando Fernán Gómez adaptaron la novela Aurora de sangre de Eduardo de Guzmán, a su vez basada en un hecho real sucedido durante la II República, en esta película sobre la relación entre una madre y su brillante hija.

«Esa película no podía tener un error fundamental de guion, dada mi absoluta confianza en el trabajo de Rafael Azcona. Azcona, pienso yo, debió hacer en esa película un trabajo muy a su altura de guionista, ya que es uno de los mejores de Europa». (Fernando Fernán Gómez)

Segunda proyección el día 24 a las 20.30 h.


20:30 · Sala 1 ·
Filmadrid

Slow Machine (Joe Denardo y Paul Felten, 2020). Int.: Stephanie Hayes, Scott Shepherd, Eleanor Friedberger, Ean Sheehy. EEUU. DCP. VOSE. Color. 72’.

Tras un desastre sentimental con un agente antiterrorista, una actriz se refugia junto a un grupo de música que está componiendo su nuevo disco.

«La mayor influencia fue mi propia ansiedad, provocada por intentar vivir en Nueva York y hacer cosas y lo que eso parecía que empezaba a significar. No quería tener que comenzar a pensar en mí mismo como “un creador” o como una marca personal o esas otras cosas de las que la gente me había empezado a hablar, un artista como una parte más del engranaje del trabajo». (Paul Felten)

Presentación a cargo de los directores, Joe Denardo, Paul Felten y Alberto Gracia. Antes de la proyección de Slow Machine se podrá ver el cortometraje Tengan cuidado ahí fuera (Alberto Gracia, 2021).

Duración total aproximada de la sesión: 120’.

 

Sábado 12 de junio

 

17:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

La tumba india (Das indische Grabmal, Fritz Lang, 1959)
. Int.: Debra Paget, Paul Hubschmid, Walther Reyer, Claus Holm. RFA, Francia, Italia. DCP. VOSE. Color. 97’.

Continuación de los eventos de El tigre de Esnapur que sigue la huida de un arquitecto alemán y su amante, una joven bailarina de la que también se ha enamorado el maharajá de Esnapur.

«Es un trabajo de orientalismo que roza lo ridículo (todos los personajes indios principales están interpretados por actores occidentales, y el retrato de la India está marcado por el exotismo), pero es una visión orientalista como ninguna otra, personal y visualmente imaginativa. El uso que hace Lang del color, el encuadre y el suspense es magistral de principio a fin». (Ben Sachs)

«Un maharajá celoso, un consejero malvado, una exótica bailarina y un tigre con el alma de un asesino, amores imposibles, venganzas retorcidas e intrigas palaciegas, decorados exuberantes y bellos paisajes… el díptico formado por El tigre de Esnapur y La tumba india tiene todos los ingredientes del serial de aventuras tan querido por el director de Las arañas y Los Nibelungos. Tras años de exilio en Hollywood, Fritz Lang volvía a dirigir una película alemana recuperando una novela de Thea von Harbou y algunas de las señas de identidad de sus primeras películas durante el periodo silente alemán. La trama, folletinesca, gira en torno al triángulo amoroso entre el Maharajá, la bailarina y un viajero extranjero, y en su conflicto pasional resuena otro sobre el encuentro de dos culturas. Aunque Lang viajó a la India para filmar algunas de las escenas de este díptico, al rigor observacional y etnográfico antepuso la fantasía, la pulsión poética y los motivos recurrentes del género. Basta dejarse conducir por el buen hacer de Fritz Lang para disfrutar del espectáculo fabulador en estado puro. En cierto modo, la renovación del cine de aventuras que años más tarde realizaría En busca del arca perdida no sería otra cosa que un retorno a la magia de estas dos películas: El tigre de Esnapur y La tumba india». (Alberto Hernando).


17:45 · Sala 2 ·
Filmadrid

Ohong Village (Luke Lungyin Lim, 2019). Int.: King Jieh-Wen, Lin Yu-Hsu, Chen Hsin-Tai. Taiwán, República Checa. DCP. VOSE. Color. 91’.

Un joven regresa a su pueblo natal, una remota aldea de pescadores de Taiwán, tras un fallido periodo en la ciudad. Para no reconocer la verdad ante su padre finge haber tenido un gran éxito y haberse convertido en un urbanita. Esa nueva personalidad molesta a su padre, pero atrae la atención de otro joven de la aldea.

«Rodada en 16 mm, la película casi parece chorrear color. El continuo zumbido de luces de neón y LED se convierte en un cálido tapiz que atrae la atención del espectador […] Pero las elecciones estéticas del director van más allá del homenaje a las seductoras distopias urbanas de cineastas como Tsai Ming-liang; Lim busca atrapar el atractivo de esas imágenes para desarrollar la lucha interna, el anhelo y la soledad de espacios como Ohong». (Zach Karpinellison).


21:30 · Sala 1 ·
Universo Berlanga

Los jueves, milagro (Luis García Berlanga, 1957). Int.: José Isbert, Richard Basehart, Paolo Stoppa, Alberto Romea, José Luis López Vázquez, Félix Fernández, Juan Calvo, Guadalupe Muñoz Sampedro, Manuel Alexandre, Manuel de Juan. España. 35 mm. B/N. 85’.

Las autoridades de un pequeño pueblo olvidado acuerdan un plan: fingir la aparición de un santo para atraer la visita de los turistas. Pronto, el plan empieza a hacer aguas.

«Yo siempre decía que la primera mitad de Los jueves, milagro era mi mejor realización, donde había armonizado mejor el texto con la imagen y donde me había encontrado más cómodo rodando. Ahora, al volver a verla, he confirmado que es una de mis películas con mayor fluidez narrativa. Pero también estoy convencido de que las imposiciones de censura arruinaron el final de la película». (Luis García Berlanga).

La copia que se proyecta tiene el metraje íntegro, incluyendo las partes que la censura franquista exigió cortar para su estreno en 1957.

 

Domingo 13 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Universo Berlanga

La boutique (Luis García Berlanga, 1967). Int.: Sonia Bruno, Rodolfo Bebán, Osvaldo Miranda, Lautaro Murúa. Argentina, España. 35 mm. Color y B/N. 98’.

Tratando de ayudar a su hija, que vive inmersa en un matrimonio infeliz con un hombre que la ignora, una mujer diseña un plan para hacerla pasar por una enferma terminal.

«Es mi película maldita. Sigo pensando que es el mejor guion que he escrito, pero es mi peor película. Desde luego se dieron muchas circunstancias anómalas durante el rodaje, pero no quiero tampoco exculparme por el resultado. Yo diría que hay esa bipolaridad que es para mí el considerarla mi mejor guion y mi peor película». (Luis García Berlanga).

Segunda proyección en julio.


21:00 · Sala 1 ·
Filmadrid

Scales (Sayyedat al-Bahr, Shahad Ameen, 2019). Int.: Basima Hajjar, Yagoub Alfarhan, Abdulaziz Shtian, Ibrahim Al-Hasawi. Arabia Saudi, Emiratos Árabes Unidos, Irak. DCP. VOSE. B/N. 74´.

Una joven que vive en un pueblo de pescadores tiene que decidir entre huir lejos de su familia o convertirse en la siguiente niña entregada en sacrificio a las criaturas que habitan las aguas cercanas.

«Una rareza original y visualmente deslumbrante. Ameen es claramente una autora con talento destinada a provocar olas aún más grandes mientras el cine saudí continua con su resurgir global». (Stephen Dalton)

Después de la proyección tendrá lugar la ceremonia de clausura y entrega de premios de Filmadrid 2021.

Duración total aproximada de la sesión: 120’.

 

Martes 15 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Espejos para Berlanga

Bajo los techos de París (Sous les toits de Paris, René Clair, 1930). Int.: Albert Préjean, Pola Illéry, Gaston Modot, Bill Bocket. Francia. DCP. VOSE. B/N. 96’. Copia restaurada.

Bajo los tejados de París late una vida bohemia: artistas, pobres, músicos y extranjeros. Un cantante se enamora de una joven polaca que está amenazada por una banda de gánsteres.

«A pesar de contar una historia dramática, mantiene en todo momento ese aire de comedia elegante, sutil, capaz de combinarse con momentos trágicos sin ningún esfuerzo aparente. Hay un claro sabor nostálgico en la película, una necesidad de recuperar un pasado esplendoroso que irremediablemente ha entrado en decadencia para dar paso al mundo moderno y su prisa por devorarlo todo de una vez». (Miguel Ángel Barroso).

Segunda proyección en julio.


21:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Lunch Break (Sharon Lockhart, 2008
). EEUU. DCP. Color. 83’.

Un plano secuencia único que recoge las actividades cotidianas de un grupo de trabajadores de un astillero estadounidense durante su descanso para comer.

«Detrás de la aparente simpleza y trivialidad de la película se encuentra un acto de denuncia política y social: Lochkart es consciente de que para las empresas el descanso de sus trabajadores supone un descenso de productividad y, por lo tanto, de ganancias. La artista decidió grabar justo ese momento de tregua en las labores productivas, después de estar más de un año siguiendo las actividades de los empleados de la fábrica». (Bea Espejo).

«No hay que ser muy perceptivo para comprender que, al hablar de espectáculo en relación con Lunch Break, nos estamos refiriendo al espectáculo del tiempo mismo. La película consiste en un único travelling que avanza por el larguísimo pasillo de una fábrica cualquiera: un poco de investigación revela que se trata de unos astilleros en Estados Unidos, pero esa información no se le ofrece al espectador. El travelling, ya de por sí considerablemente largo, ha sido ralentizado en posproducción hasta que la acción ha adquirido el tempo de una tortuga, caminando por ese pasillo sin ninguna prisa, metódicamente, sin detenerse a observar a los trabajadores que, aprovechando la pausa para comer, pueblan el espacio, usando como asientos toda clase de cajas y contenedores, a veces en grupos, a veces solos, con el sándwich en la mano y el termo a un lado. Como en toda acción ralentizada, la mente tiende a divagar, buscando cada detalle de la imagen. Aquí, sin embargo, el detalle es el de un hostil paisaje industrial, así que acabamos buscando a las personas. No escuchamos sus conversaciones y sus gestos, casi congelados, revelan muy poco de quiénes son o qué les sucede. Lo único que queda es la sensación de que el tiempo se vuelve infinito, como si estuviéramos presenciando no una sino todas las pausas para comer que todos ellos (y ella, la única trabajadora que se puede ver, nada más empezar la película) vivirán a lo largo de su existencia. Esto se refuerza aún más por la brillante elección del espacio, ese eterno pasillo con los operarios a cada lado del travelling, que parece convertirse en un efecto óptico, una de esas galerías de espejos que replican el mismo reflejo una y mil veces. Con Lunch Break, Sharon Lockhart consiguió destilar en un solo plano la monotonía de la vida laboral, o, yendo más allá, la repetición constante que es la existencia humana». (Pablo López).

 

Miércoles 16 de junio

 

18:00 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Yo la vi primero (Fernando Fernán Gómez, 1974). Int.: Manuel Summers, María del Puy, Fernando Rubio, León Klimovsky. España. 16 mm. Color. 92’.

Trabajando a partir de un guion escrito por Chumy Chúmez, Manuel Summers y el propio Fernán Gómez, la película narra la historia de un niño que tiene un accidente que le deja en coma durante 25 años. Al despertar, descubre que su cuerpo es el de un adulto y que la niña que le gustaba está ahora casada.

«¿Qué pasaría si se viera la vida con los ojos de la pureza, pero a la edad en que a uno ya no le dejan ser puro?, se preguntaban Manolo Summers y Chumy Chúmez en su texto. ¿Qué pasaría si con arreglo a esa visión pura se quisiera vivir la vida, la que llamamos vida real; o sea, la vida convencional». (Fernando Fernán Gómez).


21:00 · Sala 1 ·
Sesión especial

El quinteto de la muerte (The Ladykillers, Alexander Mackendrick, 1955). Int.: Alec Guinness, Peter Sellers, Herbert Lom, Cecil Parker, Danny Green, Jack Warner, Katie Johnson. Reino Unido. 35 mm. VOSE. Color. 91´.

Un grupo de peculiares criminales alquila una habitación a una adorable ancianita como parte de su plan para el atraco a un banco, pero poco a poco todo lo que puede salir mal saldrá aún peor.

«Introdujo una sabiduría callejera propia del cine americano, pero manteniendo una exquisita sensibilidad inglesa: una mezcla de cinismo con inocencia sin culpa. La comedia funciona porque esta tan magníficamente construida como un thriller noir, serio hasta la médula». (Peter Bradshaw).



Jueves 17 de junio


18:00 · Sala 1 ·
Universo Berlanga

El verdugo (Luis García Berlanga, 1963). Int.: Nino Manfredi, José Isbert, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez. España. 35 mm. B/N. 87’.

Un joven empleado quiere casarse con la hija de un verdugo. Su futuro suegro le propone sustituirle cuando se jubile. El joven acepta, convencido de que nunca llegará el día en que tenga que trabajar.

«Uno de los temas más importantes de la película, para mí, es mostrar cómo un individuo cae en la trama que la sociedad le tiende, cómo por obtener una mínima seguridad en su vida cae en una trampa mortífera. Claro que el verdugo es una víctima, claro. Manfredi se hace verdugo para poder tener un piso, para asegurarse un futuro, y termina entrando en el territorio más inseguro de todos, el territorio de la muerte, de la eliminación de otros seres humanos». (Luis García Berlanga).

Segunda proyección en julio.


20:00 · Sala 2 ·
Espejos para Berlanga

La fiesta y los invitados (O slavnosti a hostech, Jan Nemec, 1966). Int.: Ivan Vyskocil, Jan Klusák, Jiri Nemec, Karel Mares. Checoslovaquia. 35 mm. VOSE. B/N. 71´.

Un grupo de personas disfrutan de un día de picnic en el campo, hasta que la aparición de otro grupo convierte lo que parecía una diversión inocente en un complejo juego lleno de reglas.

«Renoir se convierte en Buñuel y descubrimos una mordaz y pesimista declaración sobre la conducta humana bajo un totalitarismo escalofriante, eterno, e inconfortablemente familiar». (Amos Vogel).

Segunda proyección en julio.


20:45 · Sala 1 ·
Homenaje a Gil Parrondo

Patton (Franklin J. Schaffner, 1970). Int.: George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young, Michael Strong. EEUU. DCP. VOSE. Color. 172´.

Retrato del general estadounidense George S. Patton durante la Segunda Guerra Mundial, escrito por Francis Ford Coppola y que ganó siete premios Oscar, incluyendo el de Mejor Dirección de Arte para Urie McCleary, Antonio Mateos, Pierre-Louis Thévenet y Gil Parrondo.

«La película favorita de Richard M. Nixon, lo que demuestra hasta que punto estaba ciego a la ambigüedad, entre otras cosas. Lejos de ser una tosca celebración de la mística militar, la película está interesada por el cruce entre la historia y el individuo, por esos momentos en los que la personalidad se convierte en historia. Y la personalidad de Patton -desarrollada con un incisivo estilo teatral por George C. Scott- queda registrada aquí con intensos tonos de grandeza y megalomanía, genio y mezquino sadismo». (Dave Kehr).

 

Viernes 18 de junio


18:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Elogio del amor (Éloge de l'amour, Jean-Luc Godard, 2001). Int.: Bruno Putzulu, Cécile Camp, Jean Davy, Françoise Verny. Francia, Suiza. 35 mm. VOSE. Color y B/N. 97’.

Un cineasta prepara una obra que gira en torno al amor. Durante todo el proceso se reencuentra con una mujer que conoció años atrás.

«”Ahora le gustan más los muertos que los vivos” me dijo en su momento el editor de una revista francesa tras ver Elogio del amor, y durante meses le cité para explicar porque no podía entregarme totalmente a la película. Pero ahora creo que se trata de una observación errónea, porque Godard se está enfrentando al hecho de su propia vejez e intentando ser honesto sobre esa lucha». (Jonathan Rosenbaum).

«Sostiene Alain Bergala que, tras el ocaso de la Nouvelle Vague, después de Week-end, Godard dejó de convocar el romanticismo herido en sus películas. Ya no creía en el amor. Este film, con el que entraba en el nuevo siglo dispuesto a explorar las posibilidades del cine digital, explora las fases del amor ¬desde su propia estructura: el descubrimiento, la pasión, la separación y la reconciliación, visto además a través de los ojos de tres parejas: joven, adulta y anciana. De este modo, las distintas edades del amor, y su percepción en un mundo agónico, recorren la espina dorsal de un relato despedazado, inconcluso y abstracto, dividido a su vez en dos partes definidas por su estética. La primera, que sigue a un director tratando de armar un reparto para su próximo film, se filmó en 35 mm y blanco y negro, destacando el grano de la imagen. La segunda parte, que es un largo flashback a otro tiempo, lleva la saturación del color digital a un nuevo nivel expresivo. Aparte de canalizar sus contradictorios sentimientos hacia el cine de Hollywood –que idolatró en sus comienzos y detestó en su periodo político¬–, tomando a Spielberg como blanco de su diana, Elogio del amor emerge como otra reflexión del intelectual franco-suizo en torno a la Historia, la memoria y la futilidad del arte. La actitud de Godard hacia la nueva tecnología no es pasiva ni funcional, sino plenamente exploratoria. Como el pintor que en realidad siempre fue, el cineasta es capaz de crear una nueva clase de belleza a partir de viejos moldes, y perpetúa esa belleza en un nuevo contexto, haciendo uso de la tecnología digital como un artista poniendo a prueba una nueva paleta para su arte. El resultado es de una abrumadora, espectacular belleza visual y plástica». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


20:00 · Sala 2 ·
Espejos para Berlanga

Pocilga (Porcile, Pier Paolo Pasolini, 1969). Int.: Pierre Clémenti, Jean-Pierre Leaud, Alberto Lionello, Ugo Tognazzi, Anne Wiazemsky, Margarita Lozano. Italia, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 99´.

Dos historias separadas en el tiempo: un caníbal que ha devorado a su padre vaga por el desierto; el hijo de un empresario de la Alemania posbélica prefiere pasar el tiempo entre cerdos de granja que con su prometida.

«Aquí encontramos secuencias enteras con planos de perfil de los personajes. Sus miradas no se encuentran, sus vidas no se encuentran. La falta de contraplano da como resultado esa falta de encuentro de las miradas, desencuentro esencial de los burgueses en su vacío, en su carencia de relaciones profundas, en la distancia insalvable entre las personas». (Lucio Blanco).

Segunda proyección en julio.


21:30 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Funny Games (Michael Haneke, 1997). Int.: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch, Frank Giering. Austria. DCP. VOSI/E. Color. 108’.

Sin ningún tipo de razón aparente, dos jóvenes retienen a una familia en su propia casa y les torturan durante horas.

«Pese a lo convencidos que estamos de que estamos del lado de las víctimas, Funny Games se atreve a sugerir que lo opuesto es verdad. Incluso mientras uno de los secuestradores nos pregunta si apoyamos a la familia, el mismo hecho de dirigirse a nosotros nos convierte en sus confidentes. Después de todo, estamos en la sala para ver un thriller, y los villanos son nuestros soldados de asalto, trabajando para hacer lo que la audiencia ha pedido con el suficiente margen de refutabilidad como para que podamos seguir dentro de la fantasía de que no tenemos nada que ver con lo que ocurre en pantalla». (Bilge Ibiri).

«La angustiosa película de Haneke es, en realidad, todo menos espectacular. De hecho, su intención es la de cuestionar, incluso demoler, cierto concepto de espectáculo que ha arraigado en la cultura (¿es algo contemporáneo, o siempre ha estado ahí?). “Quería violar al espectador hasta que fuera consciente de lo que estaba viendo”, explica el propio cineasta, reconociendo así que el propósito de la obra no es otro que ponernos frente a una pregunta incómoda. ¿qué implica la violencia ficticia a la que tanto nos hemos acostumbrado? Para ello, Haneke nos embarca en un vehículo de género fuertemente codificado, lo que podría ser una película de terror común, pero que desnuda de cualquier voluntad argumental y llena de rupturas para interrogar e incomodar al espectador. Dependiendo de cómo la encaremos, Funny Games puede ser una brutal historia sobre el mal absoluto que acecha bajo la tranquila apariencia de nuestra cotidianidad o, por el contrario, la negación absoluta del espectáculo de la violencia, una película que nos exige que tomemos una sencilla decisión: abandonar la sala o ser cómplices de lo que está ocurriendo en pantalla. Ya desde el momento de su estreno en Cannes, el público respondió al desafío: según cuenta el anecdotario del festival francés, para cuando había terminado la sesión la sala tenía un tercio menos de espectadores. Las reacciones no se hicieron esperar. Mientras Jacques Rivette aseguraba que se trataba de “una vileza y una desgracia”, Ángel Fernández Santos, que vio en ella una alegoría del resurgir del nazismo en Europa, explicaba que “sólo de un gran coraje moral y una gran clarividencia formal puede proceder esta película exacta y perturbadora hasta límites extremos”». (Pablo López).

 

Sábado 19 de junio


18:00 · Sala 1 · Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca JuniorLas andanzas del canguro Boxy

Esta sesión combina los cuatro cortometrajes que Cruz Delgado realizó en torno al personaje del canguro Boxy con una pieza sobre educación vial creada a partir de los dibujos del diseñador José Ramón Sánchez.

Boxy aprendiendo a boxear (Cruz Delgado, 1966). España. 35 mm. Color. 8’
Boxy en la venganza de Osorio (Cruz Delgado, 1966). España. 35 mm. Color. 8’
Boxy el rey del K.O. (Cruz Delgado, 1967). España. 35 mm. Color. 8’
Boxy campeón del tortazo (Cruz Delgado, 1967). España. 35 mm. Color. 10’
¿Conoces las señales? (Cruz Delgado, 1970). España. 35 mm. Color. 10’

Presentación a cargo del director, Cruz Delgado, y Elena Cualladó, responsable de la colección de fondos museográficos de Filmoteca Española. Duración total aproximada de la sesión: 60’.


20:00 · Sala 2 ·
Espejos para Berlanga

El imperio de los sentidos (Ai no korîda, Nagisa Oshima, 1976). Int.: Eiko Matsuda, Tatsuya Fuji, Aoi Nakajima, Taiji Tonoyama. Japón, Francia. DCP. VOSE. Color. 103’. Copia restaurada por Eclair y L.E. Diapason con el apoyo del Centre national du cinéma

Un hombre empieza un romance con una de sus sirvientas. La pasión de la relación termina por dominarlo todo, convirtiéndose en una obsesión.

«Al contrario de una supuesta degradación o degeneración por el sexo, la experiencia placentera límite lleva más bien a Sada y Kichisan a una suerte de proceso “santificador”, como ha sugerido el mismo Oshima, a un martirologio laico, a una purificación por el placer […] La purificación ascendente de los personajes encuentra su expresión en la decantación de la puesta en escena. En ella, el espacio se concentra y el tiempo se diluye, otros indicadores, además, de la negación de la realidad y de la Historia». (Isaac León-Frías).

Segunda proyección en julio.


21:30 · Sala 1 · Cine espectáculo

Trouble Every Day (Claire Denis, 2001). Int.: Vincent Gallo, Beatrice Dalle, Tricia Vessey, Alex Descas. Francia, Alemania, Japón. 35 mm. VOSI/E. Color. 101’.

Una pareja de recién casados celebra su luna de miel en París. Su tranquilidad se quiebra cuando el marido se encuentra con otra persona que comparte la misma extraña enfermedad que él.

«Me fascina cómo Claire Denis llega a lo psicológico desde lo físico, desde los cuerpos, los rostros, la piel, las heridas, los roces... Y cómo consigue traducir todo eso en imágenes vívidas. Tiene películas increíbles, pero siento debilidad por Trouble Every Day, en la que se metió en el terror desde rendijas hasta entonces no descubiertas por nadie. Es una obra inmensa, una exploración del deseo y el cuerpo tan terrorífica como hermosa y abrumadora». (Desirée de Fez).

«Cine de los sentidos. Cine del tiempo. Lo que le interesa a Claire Denis es la experiencia puramente sensorial, en la que el intelecto está subordinado a los sentidos. Le interesan las formas que se forman en la pantalla. “Me reconozco en un cine que deposita su confianza en la narración plástica”, sostiene. Trouble Every Day, su noveno largometraje, vendría a ser una perfecta traducción de esa idea del cine, que la directora francesa llevó a sus límites inspirándose, o tomando como partida, la literatura gótica. Siguiendo los destinos de dos parejas, una francesa y otra americana, y adentrándonos en la enfermedad que les corrompe, Trouble Every Day combina tropos y atmósferas del cine de terror, del gore, del thriller noir, pero huyendo a toda costa del pastiche. Como siempre, niega todo tipo de explicación a un relato en torno al canibalismo y la sexualidad, abre grandes lagunas narrativas que no considera necesario rellenar, sugiere y da a entender en lugar de mostrar. Denis pone así a prueba al espectador, como es característico de su estilo, para que no pierda atención a un detalle de la pantalla, porque en esas zonas de sombra o de incertidumbre es donde frecuentemente yacen los misterios de sus películas. En este caso, los efectos y las correspondencias de los movimientos de cámara, así como el modo en que desactiva las convenciones en torno a la percepción del punto de vista cinematográfico (¿quién y cómo nos es contada la película?), terminan por construir una monstruosa atmósfera de ansiedad y de terror. La película evoca la abyección mediante la transgresión del cuerpo, individual y social, de modo que deseo y sexualidad encuentran su correspondencia en la muerte y el horror». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Domingo 20 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Sesión especial

Memorias de ultramar (Carmen Bellas y Alberto Berzosa, 2021). España. DCP. Color. 49’

Memorias de ultramar es un documental producido por Filmoteca Española y realizado con imágenes rodadas por familias que vivieron en las colonias, provincias y territorios bajo dominación española entre 1940 y 1975. Una sucesión de instantáneas propias de quien se traslada a otro país y configura su nuevo hogar.

Las distintas colecciones de películas que nutren esta cinta fueron localizadas tanto en filmotecas de diferentes comunidades autónomas (Filmoteca Española, Filmoteca Valenciana, Filmoteca Canaria, Filmoteca de Navarra y Filmoteca de Andalucía) como por medio de particulares ¿los autores, sus herederos e incluso algún coleccionista¿, contactados gracias a una investigación desplegada a través de diversas asociaciones, instituciones y antiguos residentes en los territorios africanos.


20:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo / Día de la Música

Tiempo de tormenta (Stormy Weather, Andrew L. Stone, 1943). Int.: Lena Horne, Bill Robinson, Cab Calloway, Fats Waller, Katherine Dunham, Ada Brown, Dooley Wilson. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 78’.

Un bailarín afroamericano regresa a casa tras combatir en la Primera Guerra Mundial y trata de hacerse un hueco en el mundo del espectáculo. Por el camino se enamorará de una cantante.

«El subgénero de musical con protagonista negro es notablemente consistente en sus patrones, y al mismo tiempo se amolda a un patrón concreto, explícitamente marcado en el pasado y cada vez más lejano (especialmente en el terreno musical) de “la gente” a la que quiere representar. En este contexto, Tiempo de tormenta resulta única. Ofrece un modelo que representa el camino raras veces tomado por Hollywood y la cultura estadounidense en general en un momento crucial de la historia. El eco de esa decisión se sigue oyendo hoy día». (Arthur Knight).

«Desde la llegada del sonido el género musical del Hollywood clásico estuvo ligado a la música jazz, pero ninguna película ha representado mejor su variedad de subgéneros como Tiempo de tormenta, de Andrew L. Stone, en esta recopilación de los mayores músicos y artistas afroamericanos de su tiempo que incluye números de Broadway, de swing, de blues, de claqué y de scat. Producida por 20th Century-Fox, Tiempo de tormenta no sólo reproduce los principales rasgos del espectáculo musical de la década de los 40, desde las coreografías teatrales a los números de claqué (nada que envidar de los de Fred Astaire y Ginger Rogers, por cierto), sino que los deja en manos de algunos de los mayores artistas del jazz, todos ellos afroamericanos. Protagonizada por el bailarín Bill Robinson y la cantante Lena Horne a partir de una biografía ficticia de este, en los fabulosos y muy variados números musicales de Tiempo de tormenta encontramos al pianista Fats Waller, a los impresionantes Nicholas Brothers y a Cab Calloway, a Dooley Wilson antes de convertirse en el célebre Sam de Casablanca, a Zutty Singleton, a Ada Brownm y a Benny Carter en un espectáculo que pone la música, la buena música, por encima de todo». (Alberto Hernando).

 

Martes 22 de junio

 

18:00 · Sala 2 · Espejos para Berlanga

Umberto D. (Vittorio De Sica, 1952). Int.: Carlo Battisti, Maria Pia Casilio, Lina Gennari, Memmo Carotenuto. Italia. 35 mm. VOSE. B/N. 89’.

Un jubilado y su perro intentan sobrevivir con una miserable pensión que no le permite ni poder pagar el alquiler. Ante esta situación, el hombre se ve forzado a pedir limosna e incluso baraja la opción del suicidio.

«Yo no dudaría en afirmar que el cine raramente ha ido tan lejos en la toma de conciencia del hecho de ser hombre (y también, después de todo, del hecho de ser perro)». (André Bazin).

Segunda proyección en julio.


20:30 · Sala 1 ·
La mirada verde

Un día vi 10.000 elefantes (Alex Guimerà y Juan Pajares, 2015). España. DCP. Color. 76’

Un octogenario guineano rememora la expedición en la que, junto a un cineasta madrileño y el equipo de Hermic Films, recorrió entre 1944 y 1946 Guinea Ecuatorial en busca de un misterioso lago, donde según contaba la leyenda, se podían ver 10.000 elefantes juntos.

«El relato, puntuado casi musicalmente por la voz pausada del protagonista, es apasionante, nos transporta a un pasado no muy lejano pero que parece transcurrir en los universos de El ladrón de Bagdad o Las mil y una noches; sin resentimiento, emerge sin embargo, aquí y allí, una crítica severa del colonialismo». (Jordi Batlle Caminal).

Presentación a cargo de Marta García Larriú, directora de Another Way Film Festival.

 

Miércoles 23 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Universo Berlanga

Todos a la cárcel (Luis Garcia Berlanga, 1993). Int.: José Sazatornil, José Sacristán, Agustín Gónzalez, Juan Luis Galiardo, José Luis López Vázquez, Chus Lampreave, Luis Ciges, Manuel Alexandre. España. 35 mm. Color. 99’.

En una cárcel valenciana se va a celebrar una fiesta en homenaje a los presos del franquismo. A dicho evento viajan todas las figuras de la alta sociedad con la intención de hacer negocios y sacar beneficios.

«Sin Rafael Azcona en el guion y rodada en una prisión valenciana, Todos a la cárcel es Berlanga en estado puro e incansable, un reflejo esperpéntico del momento y una premonición- más cárcel para los corruptos- de lo que vendría después. Montaña rusa en constante movimiento, parece excesiva a cada momento y en cada momento termina por autocontrolarse». (Manuel Hidalgo).

Segunda proyección en agosto.


20:30 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

Los Angeles Plays Itself (Thom Andersen, 2003). EEUU. DCP. VOSE. Color y B/N. 169’.

Documental que explora la forma en que la ciudad de Los Ángeles ha sido representada en el cine y confronta esos retratos con la historia real de esta urbe de doce millones de habitantes.

«Ensambla piezas de 191 películas que se desarrollan en Los Ángeles, yuxtaponiendo sus fantasías con la ciudad real tal y como la ve un leal y bien informado nativo. […] Andersen se centra en la gente y la arquitectura de la ciudad, pero su ocurrente discurso es lo suficientemente amplio como para incluir todo abundante folklore local, un agridulce tributo a la cultura del coche, una historia crítica del transporte de masas en el sur de California y un canto nostálgico a los estilos de vida y vecindarios desaparecidos. Absorbente y reveladora, la película es cine crítico del más alto nivel». (Jonathan Rosenbaum).

«Cuando David Robert Mitchell realizó Lo que esconde Silver Lake (2018), resultaba imposible apartar del imaginario este monumental, enciclopédico film que nos adentra y revela la ciudad oculta en Los Ángeles. De hecho, es probable que cualquier película rodada en la ciudad californiana (no en vano, la “meca del cine”) en la que podamos pensar, tiene su reflejo de algún modo en Los Angeles Plays Itself que, como el propio título indica, se aproxima a la soleada urbe como una entidad orgánica, mutante, un personaje protagonista en la historia del cine occidental, que con sus múltiples rostros siempre se interpreta a sí misma. A caballo entre el sueño de la cinefilia, la meditación filosófica y el ensayo urbanístico y arquitectónico, el cineasta experimental Andersen muestra cómo la ciudad de Los Ángeles se convirtió en el gran estudio cinematográfico del siglo XX, pero también en su gran protagonista. Disgustado por la artificialidad de las películas, Andersen se propone buscar lo “real” y lo “literal” de sus espacios, celebrando aquellas películas –como la memorable El beso mortal (1955), de Robert Aldrich– que han respetado la topografía y los contornos naturales de la ciudad para sus propósitos. La imágenes de Perdición (1944), Chinatown (1974), Blade Runner (1982) o ¿Quién engañó a Robert Rabbit? (1988), entre mucha otras, trazan la frágil línea entre historia y ficción en esta oda a Los Ángeles que, especialmente en su segunda parte, recorre con lucidez y belleza la historia oculta de la ciudad mediante las crónicas de tierras y aguas expoliadas, altercados raciales, batallas en el transporte público y brutalidad policial, acaso para hacernos ver que el espectáculo del cine siempre encuentra su reflejo en el espectáculo de la ciudad y la vida». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Jueves 24 de junio


18:00 · Sala 1 ·
Universo Berlanga

Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem y Luis García Berlanga, 1951). Int.: Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá, José Luis Ozores, Félix Fernández, Antonio Garisa, José Luiz Ozores, Matilde Muñoz Sampedro. España. DCP. B/N. 90’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

Un humilde matrimonio gana un concurso publicitario que les permite ser agasajados e invitados a grandes eventos durante veinticuatro horas. La película ha sido recientemente objeto de una restauración digital en los laboratorios del Centro de Conservación y Restauración de Filmoteca Española.

«Originariamente, Esa pareja feliz era una historia dramático-sentimental, con una visión más triste y un tanto desesperanzada del mundo que quería retratar. Tuvo, desde el comienzo, cuatro modelos explícitamente declarados: Antoine et Antoniette, de Becker; Solitude, de Pal Fejos; From This Day Onward, de John Berry, y Navidades en julio, de Preston Sturges». (Juan Antonio Bardem).

«Yo admiraba el cine de Capra desde muy joven; por eso si en Esa pareja feliz hay algo capriano, se debe más a mí que a Bardem, porque a Juan Antonio no le gustaba ese anarquismo de derechas que presidía todo el cine y el mundo de Capra. Pero, aun así, yo creo que la película no puede compararse con las de Capra: a él le gustaban las películas alegres y optimistas, y nosotros quisimos hacer, hicimos, una película que relatara las contradicciones que luego han presidido todo mi cine: la amargura y la tristeza de unos personajes que, hagan lo que hagan, nunca van a poder superarse». (Luis García Berlanga).

Presentación del libro 'Esa pareja feliz. Inventos, concursos y verbena' a cargo de la coordinadora del volumen, Marina Díaz López. Duración total aproximada de la sesión: 120’.

Segunda proyección en julio.


20:30 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Mi hija Hildegart (Fernando Fernán Gómez, 1977). Int.: Amparo Soler Leal, Carmen Roldán, Manuel Galiana, Carles Velat, Pedro Díez del Corral, Guillermo Marín. España. 16 mm. Color. 109’.

Rafael Azcona y Fernando Fernán Gómez adaptaron la novela Aurora de sangre de Eduardo de Guzmán, a su vez basada en un hecho real sucedido durante la II República, en esta película sobre la relación entre una madre y su brillante hija.

«Esa película no podía tener un error fundamental de guion, dada mi absoluta confianza en el trabajo de Rafael Azcona. Azcona, pienso yo, debió hacer en esa película un trabajo muy a su altura de guionista, ya que es uno de los mejores de Europa». (Fernando Fernán Gómez).


21:30 · Sala 1 ·
Espejos para Berlanga

Los viajes de Sullivan (Sullivan´s Travels, Preston Sturges, 1941). Int.: Joel McCrea, Veronica Lake, Robert Warwick, William Demarest, Franklin Pangborn, Porter Hall. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 90’.

Un director de cine encasillado en la comedia quiere hacer un drama social. Para ello convence a los ejecutivos de que tiene que hacerse pasar por vagabundo para conocer los ambientes que quiere retratar en su película.

«Tras ver un par de películas dirigidas por algunos de colegas del cine de comedia en las que parecía que habían abandonado la diversión en favor del mensaje, escribí Los viajes de Sullivan para satisfacer una necesidad de decirles que se estaban metiendo en terrenos demasiado complejos, que tenían que dejar los sermones para los predicadores». (Preston Sturges).

Segunda proyección en julio.

 

Viernes 25 de junio


18:00 · Sala 1 · Universo Berlanga

Calabuch (Luis García Berlanga, 1956). Int.: Edmund Gwenn, Valentina Cortese, Franco Fabrizi, Juan Calvo, Félix Fernández, José Luis Ozores, José Isbert, Francisco Bernal, Manuel Alexandre. España, Italia. 35 mm. B/N. 93’.

Durante la Guerra Fría un científico que ha averiguado los secretos de la energía nuclear, atemorizado por su uso, se esconde en Calabuch, un pueblo donde los habitantes viven ajenos a los problemas del mundo.

«Es tal vez una de las que con más soltura, dominio, ingenio e inventiva mueve un elevado número de personajes en una complicada y divertida trama que combina hábilmente ciertas influencias italianas (en particular, el Fellini de Los inútiles, tal vez sin saberlo el de El jeque blanco) con la de las comedias inglesas de la Ealing (Mackendrick, Hamer, Chrichton, Frend, Cornelius) para dar vida y espontaneidad a una parábola libertaria que consigue rehuir por completo el esquematismo y las moralejas». (Miguel Marías).

Segunda proyección en agosto.


20:30 · Sala 2 ·
Sala:B

Hagan juego, señoras (Faites vos jeux, mesdames, Marcel Ophüls, 1965). Int.: Eddie Constantine, Nelly Benedetti, Daniel Ceccaldi, Laura Valenzuela. Francia, España. 35 mm. B/N. 86’.

«El verano llega a «Sala:B» en clave de Eurospy, el filón sesentero que combinaba agentes secretos, bikinis y argumentos descabellados, en este caso el secuestro del inventor de un anillo paralizador. Eddie Constantine es el insustituible agente del FBI y Laura Valenzuela encabeza un grupo de mujeres espías hartas del patriarcado. La adaptación y diálogos de la versión española corrieron a cargo de Jesús Franco». (Álex Mendíbil, comisario de la sesión).

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión, y Santiago Aguilar, autor del libro Operación Torremolinos. El cine español de súperagentes. Antes de la proyección de Hagan juego, señoras se podrá ver el cortometraje Plan Jac Cero Tres (Cecilia Bartolomé, 1967). Duración total aproximada de la sesión: 135’


21:30 · Sala 1 ·
Pink Films. Programado por Luis García Berlanga

A Bigger Splash (Jack Hazan, 1974). Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 106’.

Mezclando documental y ficción, la película narra la depresión en la que se sume el artista David Hockney cuando su amante, Peter Schlesinger, rompe con él, y cómo logra recuperar su inspiración observando la piscina de su casa.

«Es a la vez dispersa y honesta. Hockney ofreció al director sorprendente libertad. En un momento la cámara entra con el artista en la ducha; la escena más famosa muestra a Schlesinger en la cama con otro hombre. Por esta razón, la película recibió una calificación X en Reino Unido y fue retenida en las aduanas de Estados Unidos antes de su proyección en 1974 en el Festival de Cine de Nueva York. Los agentes de aduana la describieron como algo “repugnante e inmoral”. El propio Hockney se mostró inicialmente poco satisfecho y, según se cuenta, ofreció al director 20.000 libras por los negativos». (J. Hoberman).

 

Sábado 26 de junio


18:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo / Filmoteca Junior

El ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad, Ludwig Berger y Michael Powell, 1940). Int.: Conrad Veidt, Sabu, June Duprez, John Justin. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 106´.

Cuando el malvado Jaffar engaña al rey Ahmad para echarlo del palacio, este decide aliarse con el ladrón Abu para luchar por su trono, su ciudad y el amor de su vida.

«Es una de las grandes películas de entretenimiento. Eleva el espíritu. Una de las primeras en adoptar el Technicolor, usa el color con arrojo y exuberancia, componiendo un arcoíris con el vestuario. Tiene aventuras, romance, canciones y una banda sonora de Miklos Rosza que un crítico calificó como “una sinfonía acompañada por una película”. Tuvo múltiples directores; como productor, Alexander Korda cambió de caballo varias veces durante la carrera. Aun así, mantiene un espíritu constante, el espíritu de contar una historia con excitado entusiasmo». (Roger Ebert).

«Respuesta de Alexander Korda al colorido de El mago de Oz, que se había realizado el año anterior, esta versión de la clásica fábula de origen árabe es, simplemente, una de las grandes aventuras cinemáticas jamás filmada. Se trata de la primera producción que se rodó con “blue screens” (pantallas azules), el ingenio original que ha evolucionado hasta los actuales rodajes con pantallas verdes para integrar elementos CGI en la acción, llevados a un nuevo nivel de percepción por las hermanas Wachowski, James Cameron, Peter Jackson y, sobre todo, las producciones de superhéroes. Esta técnica es la que permite que actores y modelos a escala interactúen en situaciones totalmente imaginarias dando una plena sensación de realismo fotográfico. Hoy esta técnica, que ha virado de lo físico a lo virtual, está tan extendida que ni nos damos cuenta, si bien cuando Korda produjo la cinta –que llegó a contar con seis directores distintos durante la producción– el efecto óptico que generaba la dimensión del genio de la lamparita y el ladrón Abu cuando comparten plano era de una espectacularidad sin precedentes». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


19:30 · Sala 2 ·
Espejos para Berlanga

Dublineses (Los muertos) (The Dead, John Huston, 1987). Int.: Anjelica Huston, Donal McCann, Helena Carroll, Cathleen Delany. Reino Unido, Irlanda. 35 mm. VOSE. Color. 83’.

Adaptación del relato de James Joyce. Un matrimonio acude a una fiesta por el día de la epifanía en 1904. Tras una larga y agradable velada, el marido empieza a sentir una inexplicable melancolía. Al llegar a casa su mujer le confesará un secreto.

«Los muertos es exactamente eso, un puñado de muertos, en vida gentes de Dublín pero que ahora son sombras sin casa, sin ciudad, sin patria en que apoyar el débil soplo de su identidad que dejó tras de ellos, como un humo, la hoguera apagada de su existencia: muertos encerrados en la antesala de un gélido, estremecido, difícil de ver, filme-sepulcro». (Ángel Fernández-Santos).

Segunda proyección en julio.


21:30 · Sala 1 ·
Pink Films. Programado por Luis García Berlanga

Pink Flamingos (John Waters, 1972). Int.: Divine, David Lochary, Mink Stole, Danny Mills. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 95’.

Cuando Babs Johnson es nombrada por los medios la persona más inmunda del planeta, los Marble se disponen a arrebatarle el título y demostrar que ellos son los más depravados.

«John Waters forjó un star system alternativo que tuvo en la dionisíaca belleza trans de Divine a su particular Marilyn Monroe, le dio a la coprofagia un lugar eterno en el imaginario cinematográfico a través de la escena final de su insuperable Pink Flamingos y, poco a poco, logró intoxicar la cultura mainstream con su particular, sofisticado, pero también benigno, purísimo y purificador sentido de la perversión estética». (Jordi Costa).

La copia que se proyecta incluye un breve extra tras la película: una presentación de John Waters y extractos de declaraciones de los espectadores del primer pase público de Pink Flamingos.



Domingo 27 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Universo Berlanga

París-Tombuctú (Luis G. Berlanga, 1999). Int.: Michel Piccoli, Concha Velasco, Juan Diego, Amparo Soler Leal, Santiago Segura, Javier Gurruchaga, José Sancho, Eusebio Lázaro. España. 35 mm. Color. 107’

Un cirujano plástico hastiado de su vida en París contempla la idea del suicidio, pero sin atreverse a dar el paso. Un día la casualidad le lleva a comprar una bicicleta y decide hacer la ruta París-Tombuctú, ciudad que se convierte para él en la tierra prometida.

«Es otra España y es otro Berlanga, más desengañado, más descreído, más acerado, más desesperado y más enfurecido. […] menos dispuesto a la ternura, la sutileza y a la comprensión. Más propenso al exabrupto y al desplante. A no calibrar, entre farsantes, la exageración de los detalles de la farsa que pone en pie. Con evidente conciencia de fin de etapa (vida) […], Berlanga cita y antologiza momentos y tipos de sus películas y completa su epilogal repliegue a la intimidad, a la desesperanzada tensión entre soledad y libertad». (Manuel Hidalgo).

Segunda proyección en julio.


20:15 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

El gatopardo (Il gatopardo, Luchino Visconti, 1963). Int.: Burt Lancaster, Alain Delon, Claudia Cardinale, Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Terence Hill, Pierre Clémenti, Giuliano Gemma, Ottavia Piccolo, Serge Reggiani. Italia. 35 mm. VOSE. Color. 187’.

En 1860, al tiempo que se sucede la Unificación italiana, el príncipe de Salina lucha por preservar su familia y clase durante los tumultos provocados por la invasión de Sicilia.

«Aunque se le considera un cineasta clásico, Visconti posee el arte de no ser ni de aquí ni de allí y su ironía personal consiste en parecer que está allá donde no está, mientras deja que se diga lo que se quiera. Pues Visconti no es clásico, pero tampoco se le puede llamar “moderno”. Su poética no es una escritura de la ruptura, del entredós o del desgarro a pesar de los vacíos o las elipsis presentes en su obra». (Suzanne Liandrat-Guigues).

«Podríamos decir que El gatopardo es un espectáculo de espectáculos. Sin duda es un espectáculo de luz y color como pocos, que tiende puentes entre la imagen en movimiento y la pintura del XIX, no con un afán referencial sino como forma de animar algo congelado en el tiempo, una de las bases narrativas de la película. Es también un espectáculo del movimiento y el rostro: Burt Lancaster construye en su príncipe de Salina uno de los personajes más complejos de la historia del cine gracias tanto a lo heredado de Lampedusa como a unos pocos recursos interpretativos manejados con un grado de control tan alto que, simplemente, parece que no requieren control alguno. Apenas verle caminar y observar el mundo que le rodea, lo que se escabulle y lo que se niega a cambiar, es suficiente para adentrarnos en su miedo y su dolor. Pero, por encima de todo, El gatopardo es el espectáculo de la muerte, o más bien, de la tensión entre lo que se niega a desvanecerse, lo que no sabe que se está consumiendo y lo que exige un lugar en la sociedad. El príncipe de Salina vaga por este mundo de lujosas telas, pan de oro y grandes jardines tratando de hacer las paces con su propia mortalidad, reflexionando con gran sabiduría sobre el declive del viejo mundo mientras intenta, en ocasiones de forma patética e infantil, negar o ajustarse al nuevo. Es, en definitiva, el espectáculo épico del fin de un estamento social, pero también el espectáculo íntimo de la muerte de un hombre que ha vivido convencido de su divinidad y ahora se encuentra frente a frente con su irrelevancia». (Pablo López).

 

Martes 29 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Espejos para Berlanga

Mecánica nacional (Luis Alcoriza, 1971). Int.: Manolo Fábregas, Lucha Villa, Héctor Suárez, Sara García. México. 35 mm. Color. 105’.

El dueño de un taller lleva a su familia a una carrera de coches. Una vez allí, viven situaciones de lo más variopintas, desde traiciones hasta la muerte de un anciano.

«Luis Alcoriza ha ofrecido un friso de la realidad de México que puede tomarse conferencia imprescindible para conocerlo en profundidad; en la medida, al menos, en que lo hizo Berlanga, por ejemplo, en los años cincuenta y sesenta». (Diego Galán).

Segunda proyección en julio.


20:30 · Sala 1 ·
Pink Films. Programado por Luis García Berlanga

Les intrigues de Sylvia Couski (Adolfo Arrieta, 1975). Int.: Marie-France, Michéle Moretti, Gaëtana Gaël, Hélène Hazéra. Francia. DCP. VOSE. Color. 71’.

La exmujer de un famoso escultor convence a su amante para que robe una estatua de su exmarido y ponga en su lugar a una modelo viva.

«La película en la que más me acerqué a mi trabajo como pintor es probablemente Les Intrigues de Sylvia Couski: esta confusión de los personajes entre ellos en colores muy violentos recuerda a algunos de mis primeros cuadros». (Adolfo Arrieta).



Miércoles 30 de junio


18:00 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

La querida (Fernando Fernán Gómez, 1976). Int.: Rocío Jurado, Fernando Fernán Gómez, Ricardo Merino, Teresa Gimpera, Maite Blasco. España. DCP. Color. 91’.

Una cantante abandona su pueblo y viaja a Madrid con la intención de convertirse en una artista de éxito. Allí conoce a un compositor que le ayuda a dar los primeros pasos en la industria y con el que comenzará una peculiar relación.

«Hay muchas cosas que yo he hecho de encargo, como La querida, por ejemplo. Yo no la rodé para que le gustara al público. Hice lo que pude, pero la hice simplemente como encargo. Pero lo que sí es cierto es que nunca he tratado de hacer películas de espaldas al público». (Fernando Fernán Gómez).


20:30 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

2001: una odisea del espacio (2001: A Space Odissey, Stanley Kubrick, 1968). Int.: Keir Dullea, Garry Lockwood, William Sylvester, Daniel Ritcher. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 149´. Copia restaurada por Warner Bros. y supervisada por el cineasta Christopher Nolan.

El descubrimiento de un misterioso artefacto en la Luna provoca el lanzamiento de una misión espacial destinada a hallar su origen y, quizás, el origen de la raza humana.

«La ciencia ficción murió después de 2001». (Ridley Scott).

«Me hizo sentir que las películas podían conseguir cualquier cosa. Lo que Kubrick logró en 1968 simplemente se negaba a tener en cuenta que había ciertas reglas que tenías que cumplir en términos de narrativa». (Christopher Nolan).

«Su magnificencia, su elegancia, su perfección son absolutamente intimidantes. Por más que pasen los años por ella –¡y ya va más de medio siglo!–, su espectacularidad nos hace pequeños, indefensos frente a las posibilidades del lenguaje fílmico, que en las manos de los grandes maestros como Kubrick puede incluso competir con la filosofía, la metafísica y hasta la ciencia espacial. Pocos autores han escalado montañas tan altas en el arte cinematográfico como Stanley Kubrick, y 2001: una odisea del espacio es sin duda su cima, el olimpo desde el que admirarle, la gran obra maestra de la modernidad que propulsó el cine a un lugar hasta entonces desconocido… y quizá nunca más revisitado. La espectacularidad del film viene dada por la absoluta perfección de su planteamiento y su ejecución, que aún hoy deja en pañales a multimillonarias obras de ciencia-ficción, pero sobre todo por la poesía visual en perfecta combinación con el rigor tecnológico y científico. Trazar la historia de la humanidad en una elipsis, hacer bailar la galaxia al ritmo de El Danubio azul, convencernos de que las máquinas pueden ser más humanas que los hombres o explorar los límites del cosmos más allá del infinito, hasta prácticamente hacer desaparecer las nociones de espacio y tiempo, son conquistas del relato cinematográfico (y su espectacularidad) de tal magnitud que aún nos preguntamos cómo fue posible que en 1968 una odisea así pudiera realmente consumarse. Quizá solo el monolito de Kubrick, es decir, el legado de su inteligencia, tiene la respuesta». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


 

LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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