Agenda cultural

Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

PROGRAMA

MARZO DE 2023

La Filmoteca Española propone este mes sendos ciclos de los directores Margarita Alexandre (1923-2015) y José María Forqué (1923-1995), que invitan a repensar de algún modo la historia del cine español, especialmente en el periodo decisivo de los años cincuenta, y apreciar una versatilidad que seguramente la tradición cultural no nos haya dado a entender. Proponemos una selección de títulos de la extensa y muy ecléctica filmografía del director de Atraco a las tres (1962), que se atrevió prácticamente con todos los géneros, especialmente con la comedia, y que en todos ellos aportó su edificante profesionalidad, su capacidad para amoldar la sintaxis del cine, que dominó como pocos, a las necesidades de cada relato.

La admirable figura de Margarita Alexandre, directora, productora y actriz, primera de las mujeres junto a Ana Mariscal que dirigió cine bajo el franquismo, y por cuya libertad pagó no pocos precios, entre ellos el exilio y el olvido, brillará con luz propia en las salas del Doré. Su cine, casi siempre en connivencia con Rafael Torrecilla y Juan Mariné, abandera una suerte de libertad capaz de abrir puertas a territorios ignotos por entonces.

Cuando apenas hace una semanas que nos dejó Carlos Saura, y cuyo recuerdo dará nombre a partir de ahora a nuestro Centro de Conservación y Restauración, dedicamos de la mano de CIMA una sesión a los documentales que dirigió Adela Medrano, la primera mujer del autor de La caza (1965), y también tendremos en el recuerdo a Eugenio Martín, recientemente fallecido, con la proyección de algunos de sus títulos más queridos y emblemáticos, como Pánico en el transiberiano (1972).

Continuando con los “renacimientos” que conforman la programación del mes en el que daremos la bienvenida a la primavera, los del polaco Jerzy Skolimovski son numerosos. Durante varios meses, hasta su propia visita a Madrid en mayo para clausurar la retrospectiva, sus “identidades múltiples” desfilarán por la pantalla para redescubrir a un cineasta que ya en sus primeros años era comparado con los grandes maestros europeos y que ha cruzado todo tipo de tormentas en forma de censuras, ideológicas y mercantiles.

Se completa la programación con un nuevo periodo en la obra de Douglas Sirk, en el que tendremos la oportunidad de recuperar algunas de sus obras maestras menos conocidas, como Escándalo en París (1946) o La primera legión (1951), y que será objeto de una mesa redonda de ponentes internacionales, como el investigador y cocomisario del ciclo Roberto Turigliatto, y el cineasta alemán Roman Hüben, autor del valioso documental Douglas Sirk.

- Miércoles 1 de marzo

18:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Slightly French (Douglas Sirk, 1949). Int.: Dorothy Lamour, Don Ameche, Janis Carter, Willard Parker, Frank Ferguson. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 81’.

Tras despedir a una estrella de cine francesa, un director de Hollywood contrata a una joven cantante estadounidense para sustituirla.

«Slightly French es como un juego de espejos en el que lo que es real y lo que es artificio se vuelven indistinguibles, hasta el punto de ser inseparables. […] Es como si la trama de Slightly French se moviera en una dirección, mientras que Sirk la guía escépticamente en otra, completamente en desacuerdo con el espíritu de la comedia romántica de Hollywood. El enfoque estratégicamente subversivo del cineasta no solo es evidente en la forma en que la película rechaza favorecer la empatía con los protagonistas, sino también en la representación intransigente del Hollywood que iba a ser el lugar de trabajo de Sirk durante una década más. Además, e igual de importante, está la forma en que el habitual diseño de iluminación del género, que evita cualquier presencia de la oscuridad, es ignorado en favor de una fotografía altamente contrastada y escenarios cargados de sombras que resultan más desconcertantes que tranquilizadores». (Tom Ryan)

Segunda proyección el D12 a las 20.30 h.

20:30 · Sala 1 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

La gata (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1956). Int.: Aurora Bautista, Jorge Mistral, José Nieto, Nani Fernández. España. DCP REST. Color. 94’

La hija del mayoral de un cortijo andaluz es pretendida por varios hombres del pueblo. Sin embargo, ella está enamorada de un apuesto trabajador que sueña con ser torero.

«La primera película española que utiliza el CinemaScope y el sonido estereofónico, que en 1955 son sistemas de impactante actualidad. […] Junto a su imaginativo sentido del encuadre, tanto en la captación del paisaje andaluz (la marisma, los cercados, los montes) como en las escenas dramáticas, destaca también el valor histórico de esta pionera aportación española a los formatos anamórficos. […] aborda, en pleno franquismo folclorista, una historia de la España racial sin tópicos, huyendo del estereotipo y fijándose en la representación naturalista de la Andalucía rural, la de la marisma de Huelva, para la mejor adecuación con el sentido primitivo e instintivo de las pasiones de los protagonistas». (Fernando Gabriel Martín)

Copia restaurada por Filmoteca Española. Presentación a cargo de Sonia García López, investigadora especializada en Margarita Alexandre. Duración aproximada de la presentación: 30’. Total sesión: 125’.

Segunda proyección el S25 a las 19.30 h.

- Jueves 2 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

La primera legión (The First Legion, Douglas Sirk, 1951). Int.: Charles Boyer, William Demarest, Lyle Bettger, Barbara Rush, Leo G. Carroll, H.B. Warner. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 86’.

Un jesuita se prepara para abandonar el seminario cuando una serie de milagros hacen que se replantee su decisión.

«Lo que intenté fue llevarla decididamente hacia la comedia. Hay un milagro que no es un milagro, pero a causa del cual le suceden un montón de cosas a ese pequeño monasterio, y entonces Dios dice: “Ahora les mandaré un milagro de verdad”. Es como si Dios se presentara y dijese: “Parece que ha habido por aquí un falso milagro, cosa a que nadie puede hacerle muy feliz, pero por Dios que habrá uno de verdad. Ahora veréis”, y empieza a arremangarse». (Douglas Sirk)

Segunda proyección el M7 a las 21.00 h.

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

11 Minutes (Jerzy Skolimowski, 2015). Int.: Richard Dormer, Agata Buzek, Andrzej Chyra, Dawid Ogrodnik. Polonia, Irlanda. DCP. VOSI/E. Color. 81’.

El impacto de un suceso extraordinario, la aparición de un extraño objeto en el cielo, visto a través de la vida de diferentes habitantes de Varsovia.

«En su poco ortodoxa respuesta al cine de acción de Hollywood, Jerzy Skolimowski ha hecho una película que es más de lo que parece (o quizá es exactamente eso). En términos narrativos, tenemos la lucha (inconsciente) por la supervivencia de un grupo de gente que se enfrenta a su destino entre las 17:00 y las 17:11 de un día cualquiera. Lo extraordinario aquí es que, dentro de la concisa geometría del guion, Skolimowski se libera de la carga psicológica del cine. Hay algún que otro rasgo psicológico aquí y allá (los celos de un esposo, una ruptura sentimental), pero la mayoría de las historias entrelazadas se desarrollan sin exponer de forma clara las motivaciones de los personajes, que permanecen suspendidos en el limbo del suspense». (Manu Yáñez).

Segunda proyección el M21 a las 21.00 h.

20:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Atraco a las tres (José María Forqué, 1962). Int.: José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre, Alfredo Landa, Katia Loritz, Manuel Díaz González, Agustín González, José Orjas, Lola Gaos, Rafaela Aparicio. España. 35 mm. B/N. 92’.

Un hombre que trabaja como cajero un banco convence a sus compañeros para atracar su propia sucursal.

«Lo cierto es que pocas veces se ha visto en el cine español un entrelazamiento tan pertinente de las situaciones repetitivas que constituyen el relato paródico y sobre todo el gran acierto de la oposición de los estereotipos creados por cada personaje. Como en las mejores y más canónicas comedias, el espectador intuye cuáles serán las reacciones de los oficinistas ante las situaciones diarias o frente a las cuitas del atraco; el resultado es que el espectador disfruta sin parar del diseño de los personajes, de los conflictos entre ellos y de las expectativas planteadas […] Atraco a las tres es algo más que el resultado del saber hacer en el montaje o la puesta en escena de un director artesano». (José María Forqué)

Presentación a cargo de Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española, y Enrique Cerezo, presidente de Egeda. Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 110’).

Segunda proyección el D26 a las 17.00 h.

- Viernes 3 de marzo

17:30 · Sala 1 · Sesión especial

Yo confieso (I Confess, Alfred Hitchcock, 1953). Int.: Montgomery Clift, Anne Baxter, Karl Malden, Brian Aherne, O.E. Hasse, Dolly Haas. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 95’

Convertido en sospechoso de asesinato, un sacerdote se debate entre romper el secreto de confesión o ser acusado de un crimen que no ha cometido.

«El tema del film es la transferencia de la culpabilidad, pero renovado aquí por la religión y por una idea absoluta de la confesión. A partir del instante en que Montgomery Clift recibe en confesión la declaración del crimen cometido por Otto Hasse es el sacerdote quien se convierte realmente en culpable y así es como lo entiende el asesino». (François Truffaut).

Presentación a cargo de Ronald Brouwer, coordinador artístico del Teatro de la Abadía. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 115’).

19:00 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

Cristo (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1954). Int.: Fernando Rey, José María Seoane, María Jesús Valdés, José María Lado. España. BSP. B/N. 73’.

Adaptación del libro Vida de Cristo, de Fray Justo Pérez de Urbel, construida a partir de grandes ejemplos de la pintura religiosa.

«Hemos creído que en esta película, como en todas, el logro principal es la unidad. Y, en todo lo posible, esa unidad la hemos querido conseguir utilizando en cada una de las definidas secuencias de nuestra película las obras de un mismo maestro, o, al menos, con las de un mismo estilo, escuela o época. […] Nuestra película comienza por tener, por su propio y solemne tema, una intemporalidad que le pone a salvo de gustos y modas. Sirve al más alto empeño –la fe- que el cine puede abordar y, al mismo tiempo, supone un desfile pictórico, que se ordena por primera vez en el cine: un tesoro plástico que el cine va a vulgarizar con su enorme poder de extensión». (Margarita Alexandre)

Segunda proyección el J16 a las 17.30 h.

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

El cuchillo en el agua (Nóz w wodzie, Roman Polanski, 1962). Int.: Leon Neimczyck, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. Polonia. DCP. VOSE. B/N. 94’.

Un matrimonio en crisis recoge a un autoestopista y le invitan a pasar el día con ellos en su yate. Según pasan las horas, la tensión entre el marido y el autoestopista va creciendo. El primer largometraje de Roman Polanski, que contó con la colaboración de Jerzy Skolimowski en el guion.

«Cada uno de los cortometrajes de Polanski trataba de interacciones humanas en términos íntimos, a menudo uno a uno, por lo que tenía sentido que su primer largometraje contuviera sólo tres personajes. Polanski y sus coguionistas Jerzy Skolimowski y Kuba Goldberg trabajaron en el guion durante tres semanas antes de presentar un borrador al Ministerio de Cultura. Skolimowski, otro graduado de la Escuela de Cine de Lodz, animó a Polanski a reducir el periodo de la historia a una extensión ajustada de 24 horas, lo que ayudó a exagerar la intensidad de las emociones y a aumentar las tensiones de una escena a otra. Esta historia contada a lo largo de varios días podría haber resultado melodramática, pero al limitar el tiempo que los personajes pasan juntos, se convierte en un relato que se embellece con un propósito tan específico como digno de la deliberación del público. Polanski declaró más tarde a “The New York Times”, en una entrevista de 1971: "Lo que me gusta son las situaciones realistas en la que las cosas no encajan del todo"». (Brian Eggert)

Segunda proyección el M28 a las 20.30 h.

- Sábado 4 de marzo

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

La vaca y el prisionero (La vache et le prisonnier, Henri Verneuil, 1959). Int.: Fernandel, Pierre-Louis, Ellen Schwiers, Ingeborg Schöner. Francia, Italia. DCP. VOSE. B/N. 119’.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un prisionero de guerra francés huye de Alemania acompañado de una vaca, que utiliza para hacerse pasar por ganadero.

«Desde La table aux crevés, el director Henri Verneuil y el actor Fernandel habían colaborado juntos en varias producciones. Esta fue quizás la guinda del pastel, ya que, aunque no era el mejor papel de Fernandel en la pantalla, estaba muy en consonancia con los estándares de la época por su tema ligeramente francés. Además, saber que un artista como Fernandel compartía el papel principal con una vaca, Marguerite, no dejaba de despertar la curiosidad de los espectadores, que se reían a carcajadas... ¿y por qué no? Es cierto que asistimos más a una comedia de situación en la que destaca Fernandel que a una comedia filosófica, porque si nos deleitamos siguiendo este "paseo" no es ciertamente gracias a los diálogos, que de hecho son muy pobres. Esta obra pertenece a una época en la que íbamos al cine a ver actuar a un actor y, desde este punto de vista, no nos decepciona. La prueba: la receta sigue funcionando y todavía nos complace degustar esta producción de Henri Verneuil». (Gérard Rocher).

18:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

¿Alguien ha visto a mi chica? (Has Anybody Seen My Gal, Douglas Sirk, 1952). Int.: Piper Laurie, Rock Hudson, Charles Coburn, Gigi Perreau, Lynn Bari, William Reynolds, Larry Gates, Skip Homeier, Paul Harvey, Gloria Holden, Frank Ferguson. EEUU. DCP. VOSE. Color. 88’.

Un anciano millonario sin herederos decide legar toda su fortuna a la familia de su primera novia. Para asegurarse de que no está cometiendo un error, finge ser pobre y alquila una habitación en su casa.

«Había surgido en la Universal una especie de producción de serie B en contra de la tendencia de la época, según yo pensaba, y el tiempo me dio la razón. Ello era en parte debido a la falta de estrellas bajo contrato del estudio. Lo único que se podía hacer en estas circunstancias era fabricar una estrella, porque el conseguir más dinero dependía de tener un nombre en la película. Así que busqué por allá y vi una película en la que actuaba Rock Hudson, con Jeff Chandler de protagonista (Iron Man, Joseph Pevney, 1951). Tenía un papel pequeño y era muy inferior a Chandler, pero creí ver algo en él. Preparé una reunión y, a primera vista, no parecía ser gran cosa, salvo muy guapo. Pero la cámara ve con su propio ojo. Ve cosas que el ojo humano no detecta. Y al fin aprendes a confiar en tu cámara». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el J30 a las 17.30 h.

20:00 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín, 1972). Int.: Christopher Lee, Peter Cushing, Alberto de Mendoza, Telly Savalas, Silvia Tortosa, Julio Peña, George Rigaud, Ángel del Pozo España, Reino Unido. 35 mm. VE. Color. 88’.

Un antropólogo inglés descubre en Manchuria una criatura prehistórica congelada que decide llevar a Inglaterra a bordo del Transiberiano. El despertar del fósil convierte el viaje un auténtico pasaje del terror.

«[El terror] puede ser burdo, como en el caso del gore, que me parece detestable y encima aburrido, pero también puede ser apasionante cuando introduces elementos no cartesianos en situaciones realistas. Este tipo de cine fantástico recoge todos los mundos posibles que la mente humana puede poner en pie, y puede hacerlo con la suficiente coherencia para que lleguen a impresionarnos y a emocionarnos». (Eugenio Martín)

Presentación a cargo de la actriz Lone Fleming. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 110’).

- Domingo 5 de marzo

17:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Pacto tenebroso (Sleep, My Love, Douglas Sirk, 1948). Int.: Claudette Colbert, Robert Cummings, Don Ameche, Rita Johnson, George Coulouris, Queenie Smith, Ralph Morgan, Raymond Burr. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 97’.

Una mujer se despierta en un tren en marcha, incapaz de recordar cómo ha llegado allí.

«Incluso con el problema de casting que es Claudette Colbert, la película es, como decía James Harvey en “Film Comment”, una maravilla. Además, todo el metraje está surcado por un tema muy propio de los años 40 y que Sirk amplificó, el de una mujer que descubre su propia identidad bajo todas las mentiras que ha estado aceptando durante años. “Eso no es propio de mi chica”, le dice el antagonista a su cómplice, a lo que esta responde: “Tu chica es muchas chicas”. Las damas perversas siempre saben mucho de la vida; son las bondadosas las que tienen que romper con la hipnosis». (Farran Smith Nehme)

Antes de la proyección de Pacto tenebroso se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine. Duración total de la sesión: 120’.

Segunda proyección el V10 a las 20.00 h.

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Trabajo clandestino (Moonlighting, Jerzy Skolimowski, 1982). Int.: Jeremy Irons, Eugene Lipinski, Jiri Stanislav, Eugeniusz Haczkiewicz. Reino Unido. 35 mm. VOSE. Color. 97’.

Cuatro obreros polacos llegan a Londres para acometer un trabajo. A las dificultades propias de trabajar sin ningún tipo de permiso se suma la declaración en Polonia de la ley marcial.

«Skolimowski (que ha vivido y trabajado principalmente en Inglaterra durante la última década) concibió Trabajo clandestino pocos días después del golpe militar de diciembre del 81, escribió el guion en una semana y media, consiguió la financiación (2 millones de dólares) durante un partido de tenis, rodó la película y la presentó en el Festival de Cannes en la primavera de 1982. […] Es el tipo de película que me hace maravillarme de cómo alguien puede tener una idea tan genial y llevarla a cabo de forma tan redonda, con medios casi cómicamente modestos». (Richard T. Jameson).

Segunda proyección el S25 a las 21.30 h.

20:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Amanecer en Puerta Oscura (José María Forqué, 1957). Int.: Francisco Rabal, Luis Peña, Alberto Farnese, Isabel de Pomés, Luisella Boni, José Marco Davó, José Sepúlveda. España. DCP. Color. 85’.

En la Andalucía del siglo XIX, tres forajidos se enfrentan a una despiadada compañía minera.

«Al presentar el guion en Censura, el representante del Ministerio de Gobernación nos puso una serie de reparos. Uno de ellos, que la Guardia Civil no podía disparar sin dar en el blanco, y otro que el tratamiento que dábamos a la situación en las minas podía molestar a los americanos. Lo que resultaba sorprendente, primero, porque la acción se desarrollaba en el siglo pasado y, segundo, porque en las minas no intervinieron nunca los americanos sino los ingleses. Lo que sí existía, como en Embajadores en el infierno, era un enfrentamiento entre españoles y extranjeros, unos los oprimidos y otros los opresores. Yo esta cuestión la sentía como propia, y la sigo sintiendo». (José María Forqué).

Segunda proyección el M21 a las 18.00 h.

- Martes 7 de marzo

18:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Maribel y la extraña familia (José María Forqué, 1960). Int.: Silvia Pinal, Adolfo Marsillach, Julia Caba Alba, Guadalupe Muñoz Sampedro, Trini Alonso, Gracita Morales. España. 35 mm. B/N. 101’.

Un tímido provinciano le presenta a su madre y a su tía la joven con la que se va a casar, sin saber que se dedica a la prostitución. Adaptación de la obra de teatro de Miguel Mihura.

«Pese al humor que destila, la obra de teatro es una comedia ácida, atrevida y casi subversiva para el momento. Y José María Forqué –que había asistido en la terraza del Café Gijón a la gestación de la obra de su amigo Miguel Mihura junto a “Tono” y Mingote- supo respetar ese espíritu en su adaptación al cine. El director mantiene prácticamente el mismo esquema teatral y respeta unos diálogos casi idénticos a los de la comedia, reforzando con las posibilidades de la cámara –que le permite crear las secuencias de la pensión de las prostitutas- la división de diferentes ambientes donde se desarrollan las dos formas de vida. Ambientes que Forqué construye con exquisito cuidado». (Fernando Lara y Eduardo Rodríguez).

Segunda proyección el S18 a las 19.00 h.

21:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

La primera legión (The First Legion, Douglas Sirk, 1951). Int.: Charles Boyer, William Demarest, Lyle Bettger, Barbara Rush. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 86’.

Un jesuita se prepara para abandonar el seminario cuando una serie de milagros hacen que se replantee su decisión.

«Lo que intenté fue llevarla decididamente hacia la comedia. Hay un milagro que no es un milagro, pero a causa del cual le suceden un montón de cosas a ese pequeño monasterio, y entonces Dios dice: “Ahora les mandaré un milagro de verdad”. Es como si Dios se presentara y dijese: “Parece que ha habido por aquí un falso milagro, cosa a que nadie puede hacerle muy feliz, pero por Dios que habrá uno de verdad. Ahora veréis”, y empieza a arremangarse». (Douglas Sirk).

- Miércoles 8 de marzo

18:00 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Ferdydurke (Jerzy Skolimowski, 1991). Int.: Iain Glen, Robert Stephens, Crispin Glover, Judith Godrèche. Polonia. DCP. VOSE. Color. 90’.

En 1939, un escrito polaco afronta la Segunda Guerra Mundial rememorando su infancia. Adaptación de la novela homónima de Witold Gombrowicz.

«Poco vista, Ferdydurke es la película que provocó el silencio de diecisiete años de Jerzy Skolimowski como director -un Skolimowski decepcionado se retiró a su casa de Malibú y se dedicó a pintar y a algún que otro papel como actor- […] El regreso cinematográfico de Skolimowski a su patria, adaptación de un clásico moderno querido y admirado y, al mismo tiempo, su primera película rodada en Polonia desde los años sesenta, parece haber sido para él una forma de conectar con Polonia y los polacos, de los que había vivido tanto tiempo exiliado. Es una afirmación de su propia identidad polaca, pero es una afirmación que, en el estilo característico de Skolimowski y Gombrowicz, ironiza, se burla y cuestiona». (Ian Johnston).

Segunda proyección el J30 a las 19.30 h.

21:00 · Sala 1 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

La ciudad perdida (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1955). Int.: Cosetta Greco, Fausto Tozzi, María Dolores Pradera, Félix Dafauce. España. BSP. B/N. 67’.

Durante la dictadura franquista, un republicano regresa a España con la intención de llevar a cabo un acto terrorista contra el régimen. Sin embargo, la misión es un fracaso y se ve obligado a tomar a una mujer como rehén para huir.

«Una insólita propuesta de Alexandre y Torrecilla, en un contexto marcado por la emergencia de nuevos discursos sobre la Guerra Civil, alejados del cine de cruzada, y de planteamientos visuales que conectan con tendencias internacionales como el neorrealismo italiano o el cine negro, estadounidense o europeo. […] La ciudad perdida constituye una suerte de mutación en virtud de la cual la trama policial sirve como pretexto para llevar hasta los límites de la permisividad la figuración del vencido —para emplear la terminología oficial de la época— y la representación del pasado». (Sonia García López).

Segunda proyección el J23 a las 21.30 h.

- Jueves 9 de marzo

17:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Casi un caballero (José María Forqué, 1964). Int.: Alberto Closas, Concha Velasco, José Luis López Vázquez, Alfredo Landa, Ana Castor, Antonio Ferrandis, Agustín González. España. 35 mm. B/N. 98’.

Una ladrona inexperta y sus dos compinches conocen a un elegante ladrón de guante blanco.

«En Casi un caballero experimenté efectos, que ya había apuntado en Atraco a las tres, en el juego del humor. Se nos ocurrió poner juntos a López Vázquez y Alfredo Landa, formando esa pareja de payaso y "clown", de listo y tonto, que siempre funciona de maravilla y que, en el cine, enmascarada de una forma u otra, tanto se ha prodigado. Inventamos también una nueva Concha Velasco, en un personaje más sofisticado, cuando ella, hasta entonces, hacía sólo papeles de sainete. Se adaptó muy bien porque tiene un gran talento intuitivo, aparte de su enorme encanto personal. Creamos muchos "gags" y nos divertimos mucho en el rodaje». (José María Forqué).

19:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Raza de violencia (Taza, Son of Cochise, Douglas Sirk, 1954). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Gregg Palmer, Rex Reason, Morris Ankrum, Eugene Iglesias, Hugh O´Brian. EEUU. B-R. VOSE. Color. 79’.

Tras la muerte de un jefe apache, la tribu debe elegir entre sus dos hijos un nuevo líder que sepa cómo lidiar con la amenaza del hombre blanco: uno es un pacifista, el otro aboga por la lucha.

«Quería hacer un wéstern. Y después de ¿Alguien ha visto a mi chica?, Hudson quería volver a trabajar conmigo, así que hicimos esta película en la que interpretaba a un indio. Él quería hacer el papel, aunque al estudio no le gustaba que interpretase de nuevo a un indio porque acababa de hacerlo y pensaban que podía estropear su imagen. […] Me interesaban mucho los indios y traté de incluir mucho sobre sus costumbres en la película. Se rodó por entero en Utah, en su mayor parte cerca de Moab, y un poco más arriba, en la parte del río Colorado. Se rodó completamente en exteriores y de forma improvisada. Hay algunos decorados, pero fueron construidos todos allí, en el lugar, y también por los indios. Y los indios eran auténticos, no habían sido viciados por Ford. Había una gran batalla en la película, en la que empezaron a pelear de verdad como demonios. Ninguno de ellos hablaba inglés y teníamos un par de intérpretes para las dos tribus apaches, ninguna de las cuales hablaba tampoco la otra lengua. La batalla fue una de las cosas más apasionantes que he hecho nunca». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el miércoles 22 a las 17.30 h.

20:00 · Sala 1 · Flores en la sombra

Cortometrajes de Adela Medrano:

• Las calidades de la vida (Adela Medrano, 1974). España. DCP. Color. 28’.

• Esculturas para un paisaje (Adela Medrano, 1975). España. DCP. Color. 25’.

Esta sesión acoge dos cortometrajes de la periodista y cineasta Adela Medrano, recientemente recuperados gracias al trabajo de investigación llevado a cabo por las investigadoras María del Pilar García Herrador y Amaia Zufiaur Ruiz de Eguino. Se trata de dos piezas de cine industrial que durante años se han atribuido a Luis Enrique Torán, aunque fueran realmente dirigidas por Adela Medrano.

Presentación a cargo de Cristina Andreu, directora de CIMA; Antonio Saura Medrano, productor de cine; y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española. Tras la proyección, la directora Adela Medrano participará en un coloquio con el público moderado por las investigadoras María del Pilar García Herrador y Amaia Zufiaur Ruiz de Eguino. Duración total de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 120’).

- Viernes 10 de marzo

17:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Embajadores en el infierno (José María Forqué, 1956). Int.: Antonio Vilar, Rubén Rojo, Luis Peña, Mario Berriatúa, Manuel Dicenta. España. 35 mm. B/N. 103’.

Cuatro soldados de la División azul son capturados en territorio soviético tras la expulsión de las tropas alemanas.

«En la salita de proyección del NO-DO, se reunieron para visionar la película José Luis Arrese, Ministro Secretario General del Movimiento; Muñoz Grande, Ministro del Ejército, y creo que Gabriel Arias Salgado, responsable de la censura. Yo me había introducido subrepticiamente en la sala y, cuando terminó la proyección, oí este comentario: "La cabronada es que la película es buena". Entonces se dieron cuenta de que yo estaba en la sala y me echaron destempladamente al pasillo. Al poco rato salió, creo que Arrese, y me dijo que se iba a autorizar, pero que teníamos que añadir al principio una frase rimbombante en la que se decía que la actuación de los voluntarios había sido como una prolongación de la guerra de liberación española e introducir unos planos en los que algunos prisioneros aparecieran con las flechas de la Falange, lo que era un pegote inverosímil. Como ya había pronosticado fue un éxito tremendo. Al llegar al final se hizo un gran silencio y la sala se llenó de pañuelos porque la gente lloraba. […] Resolvió mi vida profesional». (José María Forqué).

20:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Pacto tenebroso (Sleep, My Love, Douglas Sirk, 1948). Int.: Claudette Colbert, Robert Cummings, Don Ameche, Rita Johnson, George Coulouris, Queenie Smith, Ralph Morgan, Raymond Burr, Keye Luke, Hazel Brooks. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 97’.

Una mujer se despierta en un tren en marcha, incapaz de recordar cómo ha llegado allí.

«Incluso con el problema de casting que es Claudette Colbert, la película es, como decía James Harvey en “Film Comment”, una maravilla. Además, todo el metraje está surcado por un tema muy propio de los años 40 y que Sirk amplificó, el de una mujer que descubre su propia identidad bajo todas las mentiras que ha estado aceptando durante años. “Eso no es propio de mi chica”, le dice el antagonista a su cómplice, a lo que esta responde: “Tu chica es muchas chicas”. Las damas perversas siempre saben mucho de la vida; son las bondadosas las que tienen que romper con la hipnosis». (Farran Smith Nehme).

Antes de la proyección de Pacto tenebroso se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’.

21:00 · Sala 1 · Clásicos como nuevos

Mujeres enamoradas (Women in Love, Ken Russell, 1969). Int.: Alan Bates, Oliver Reed, Glenda Jackson, Jennie Linden. Reino Unido. DCP REST. VOSE. Color. 131’. Copia restaurada por MGM y Park Circus.

Adaptación de la novela homónima de D.H. Lawrence que relata las relaciones entre dos hermanas y dos amigos, los cuatro marcados por un intenso deseo.

«Russell presenta esta fascinante historia como una procesión de personajes ingeniosos, absurdos y vanguardistas que se enfrentan a grandes preguntas y aún más grandes pasiones […] Si la historia del cine se escribe en parte a través de hitos en los que lo previamente imposible de representar se torna visible, Mujeres enamoradas es uno de esos hitos. Se trata de la primera aparición, en una película de gran presupuesto y sin ningún tipo de recato, de los genitales masculinos, en una escena de amor gay velada que apareció solo dos años después de que Reino Unido legalizase la sodomía entre hombres mayores de 21 años». (Linda Ruth Williams).

- Sábado 11 de marzo

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Cortometrajes de Fleischer Studios.

• Out of the Inkwell: Modeling (Dave Fleischer, 1921). EEUU. B-R. B/N. 7’.
• Advertisement Films: In My Merry Oldsmobile (Dave Fleischer, 1931). EEUU. B-R. VOSE. B/N. 6’.
• Betty Boop: Is My Palm Read (Dave Fleischer, 1933). EEUU. B-R. VOSE. B/N. 7’.
• A Color Classic: The Little Dutch Mill (Dave Fleischer, 1934). EEUU. B-R. VOSE. Color. 9’.
• Popeye: The Paneless Window Washer (Dave Fleischer, 1937). EEUU. B-R. VOSE. B/N. 6’.
• Betty Boop: Ding Dong Doggie (Dave Fleischer, 1937). EEUU. B-R. VOSE. B/N. 7’.
• Gabby: Two for the Zoo (Dave Fleischer, 1941). EEUU. B-R. VOSE. Color. 7’.
• Gabby: Swing Cleaning (Dave Fleischer, 1941). EEUU. B-R. VOSE. Color. 7’.

Los hermanos Max y Dave Fleischer fundaron el estudio de animación Out of the Inkwell en 1921. Empezando en el sótano de un edificio de apartamentos de Nueva York, el estudio fue rápidamente creciendo hasta convertirse en una fuerza pionera de la animación, creando el primer cortometraje animado con sonido sincronizado en 1926 y alcanzando fama mundial gracias a sus trabajos con personajes como Betty Boop, Popeye, KoKo y Superman. En 1929 el estudio cambió su nombre a Fleischer Studios.

Duración total de la sesión: 55’.

19:00 · Sala 2 · El siglo de José María Forqué

El segundo poder (José María Forqué, 1976). Int.: Jon Finch, Juliet Mills, Fernando Rey, Verónica Forqué, José María Prada, África Prat, Manuel de Blas, Barta Barri, José Vivó. España. 35 mm. Color. 119’. La copia que se proyecta, la única disponible, presenta importantes deficiencias de imagen.

El hijo de Felipe II, el príncipe Carlos, sufre un accidente en el Alcázar de Madrid. Las autoridades eclesiásticas investigan el suceso como un posible atentado. Adaptación de la novela El hombre de la cruz verde, de Segundo Serrano Poncela.

«La reconstrucción de época es de un gran rigor, patente en los más mínimos detalles. La omnipotencia de una cámara penetrante que desvela rostros, actitudes, ambientes, demuestra una vez más la capacidad visualizadora, la capacidad descriptiva de Forqué y sus sobresalientes condiciones para la creación de atmósferas. A este respecto, en esta conjunción de aciertos formales, hay que reconocer los singulares méritos de los directores artístico y de fotografía, Rafael Richart y Alejandro Ulloa». (Florentino Soria)

Sesión gratuita hasta completar el aforo.

21:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Escándalo en París (A Scandal in Paris, Douglas Sirk, 1946). Int.: George Sanders, Signe Hasso, Carole Landis, Akim Tamiroff, Gene Lockhart, Jo Ann Marlowe, Alma Kruger, Alan Napier, Vladimir Sokoloff, Pedro de Cordoba. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 100’.

Nacido en la cárcel, un ladrón profesional del siglo XVIII se convierte hacia el final de su vida en el jefe de la policía parisina.

«En esta película traté de ir más allá del realismo en la forma de presentar la historia. Resultaba casi surrealista. A la manera de los surrealistas americanos, no de los franceses. La película no tuvo mucho éxito. Esto se debió presuntamente a que yo adopté una actitud que hacía surgir la ironía y esto no funcionaba nada bien con el público americano. […] Pero, por supuesto, sólo mostraba una pequeña parte de la vida de Vidocq en la película. Se podría haber hecho toda una serie de películas a partir de su vida, lo mismo que con Cagliostro. Pero la parte que utilicé es el periodo más interesante, el que se presta mejor a la ironía; hay mucha en su oscilación entre policía y ladrón. Y esto proporciona al personaje de Sanders mucho mejor margen para actuar». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el V24 a las 19.30 h.

- Domingo 12 de marzo

17:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

091: Policía al habla (José María Forqué, 1960). Int.: Adolfo Marsillach, Tony Leblanc, Susana Campos, José Luis López Vázquez, Manolo Gómez Bur, María Luisa Merlo, Luis Peña. España. 35 mm. B/N. 91’.

Un policía vive obsesionado con capturar al coche que se dio a la fuga tras el atropello de su hija.

«El que un policía diese una bofetada a un detenido no era de ningún modo admisible. Y expliqué a Arias Navarro, que entonces era Director General de Seguridad, que si el tema no se trataba dramáticamente, con cierta dureza, según el contexto de las situaciones, resultaría superfalso; la Policía iba a parecerse a los Coros y Danzas de la Sección Femenina. Me dio la razón y, en la misma tesitura, defendió el mantenimiento de algunas situaciones a las que había puesto reparos el propio representante, en la Censura, del Ministerio de la Gobernación. […] Fue otro gran éxito. Me sirvió profesionalmente para poder seguir trabajando pero, en otro orden de cosas, hizo que me pusieran la etiqueta de director muy comercial. Para mí aquello era muy halagador, pues pienso que si una película no es comercial, no es nada, pero, a partir de entonces, la crítica no fue demasiado generosa conmigo, en muchas ocasiones». (José María Forqué)

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

El grito (The Shout, Jerzy Skolimowski, 1978). Int.: Alan Bates, Susannah York, John Hurt, Robert Stephens, Tim Curry. Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 86’.

Un hombre que asegura tener el poder de matar gritando se introduce en la casa de un matrimonio y comienza a dominarles con sus extraños poderes.

«Una etérea alegoría (a partir de un relato de Robert Graves) llevada a tierra gracias a una pasión sexual mordaz. Alan Bates es el loco errante que tiene cautivos a un compositor y a su esposa. La sexualidad triunfa sobre la civilización a través de una serie de pequeñas traiciones, cada una de ellas registrada con espantosa y milimétrica precisión por la cámara de Jerzy Skolimowski. Aunque Skolimowski parecía haber retrocedido un poco en sus ambiciones formales (antaño parecía un rival real de Godard), este largometraje de 1978 es pura astucia e imaginación cinematográficas, un thriller en trance que supera a Peter Weir en su propio terreno». (Dave Kehr).

Segunda proyección el S18 a las 21.30 h.

20:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Slightly French (Douglas Sirk, 1949). Int.: Dorothy Lamour, Don Ameche, Janis Carter, Willard Parker. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 81’.

Tras despedir a una estrella de cine francesa, un director de Hollywood contrata a una joven cantante estadounidense para sustituirla.

«Slightly French es como un juego de espejos en el que lo que es real y lo que es artificio se vuelven indistinguibles, hasta el punto de ser inseparables. […] Es como si la trama de Slightly French se moviera en una dirección, mientras que Sirk la guía escépticamente en otra, completamente en desacuerdo con el espíritu de la comedia romántica de Hollywood. El enfoque estratégicamente subversivo del cineasta no solo es evidente en la forma en que la película rechaza favorecer la empatía con los protagonistas, sino también en la representación intransigente del Hollywood que iba a ser el lugar de trabajo de Sirk durante una década más. Además, e igual de importante, está la forma en que el habitual diseño de iluminación del género, que evita cualquier presencia de la oscuridad, es ignorado en favor de una fotografía altamente contrastada y escenarios cargados de sombras que resultan más desconcertantes que tranquilizadores». (Tom Ryan).

- Martes 14 de marzo

18:00 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Las aventuras de Gerard (The Adventures of Gerard, Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Peter McEnery, Claudia Cardinale, Eli Wallach, Jack Hawkins, Mark Burns, Norman Rossington, John Neville, Paolo Stoppa, Ivan Desny. Reino Unido, Suiza. 35 mm. VOSE. Color. 92’.

Napoleón designa como mensajero a un brigadier que cree ser el mejor soldado y amante del mundo, hazañas que intenta poner a prueba ante una condesa, un bandido y un oficial británico.

«Aunque la película amenaza a veces con convertirse en una serie de trucos de magia, Las aventuras de Gerard se redime en parte por su tono de fantasía barroca, al estilo del barón Munchausen, lleno de toques surrealistas, y en parte porque Gerard es un héroe cien por cien propio de Skolimowski, estrafalario y resuelto en su búsqueda de la realización personal, convirtiéndose en la contraposición napoleónica del Marc de La partida. A pesar de su apariencia caótica, Gerard tiene una personalidad inconfundible». (Nigel Andrews).

Segunda proyección el miércoles 22 a las 19.30 h.

20:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Tempestad en la cumbre (Thunder on the Hill, Douglas Sirk, 1951). Int.: Claudette Colbert, Ann Blyth, Robert Douglas, Anne Crawford, Gladys Cooper. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 84’.

Una mujer es condenada a muerte por el asesinato de su hermano. En el momento de la ejecución, una inundación obliga a todos a refugiarse en un convento cercano. Una de las monjas, convencida de la inocencia de la mujer, comienza su investigación en busca del auténtico culpable.

«La Universal me ofreció un contrato. Después de mi película con Charles Boyer, me acordé de ello y fui a verles para preguntarles si todavía estaban interesados. Y me dijeron: “Sí, pero tenemos que firmar un contrato de siete años”. Yo dije: “De acuerdo, firmaré, a condición de que me garanticéis una película de serie A”, y esta iba a ser Tempestad en la cumbre. […] Las condiciones no eran perfectas, pero cuando me quejaba de una historia me decían: “Si consigues una estrella, magnífico; puedes tener más dinero y elegir una historia mejor”. Pero al menos se me permitía trabajar sobre el material, por lo que reestructuré en cierta medida algunos de los casi imposibles guiones de las películas que tuve que dirigir. Por supuesto, tenía que seguir las reglas, evitar experimentos, atenerme a los gustos familiares, poner “finales felices” y todo eso». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Tempestad en la cumbre se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine. Duración total de la sesión: 110’.

Segunda proyección el V31 a las 17.30 h.

- Miércoles 15 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Atila, rey de los hunos (Sign of the Pagan, Douglas Sirk, 1954). Int.: Jeff Chandler, Jack Palance, Ludmilla Tchérina, Rita Gam, Jeff Morrow, George Dolenz, Eduard Franz, Alexander Scourby. EEUU. B-R. VOSE. .Color. 92’.

Atila, el huno, aúna a los pueblos bárbaros ante el divido Imperio Romano.

«Yo necesitaba a alguien para interpretar el importantísimo papel de Atila y la película corría prisa. La firme actitud de Chandler era que él tenía que ser el chico bueno, un galán de la pantalla, y que sería malo para su carrera interpretar lo que él llamaba “un villano”. Creo que a él le gustaba la idea de andar por ahí con toga y todo eso. Mientras que mi postura era que lo único interesante de la historia era la furia de Atila… este hombre que da vueltas en torno a sí mismo y a su objetivo imposible, la captura de la ciudadela de la religión, Roma, a la que cerca como un animal. Atila es uno de esos personajes que dan vueltas en torno a sí mismos que tanto me gustan. Encaja en mi galería, solo que es una variante violenta de este personaje habitualmente tranquilo, a lo Hamlet. Le dije honradamente a Chandler que en mi película el centro de atención sería Atila. Pero no quería saber nada de ello. […] Había por allá un actor menos conocido, Jack Palance. Era famoso, pero no un protagonista. […] Le dije a Chandler: “Piénsalo, porque el personaje del huno va a dominar la película”. Pero él solo decía “Nunca me ha oscurecido un villano”. Y, como sabes, la película es de Palance». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el M21 a las 19.00 h.

20:00 · Sala 1 · Los mil y un embrujos de Lola Flores

El balcón de la luna (Luis Saslavsky, 1962). Int.: Carmen Sevilla, Lola Flores, Paquita Rico, Leo Anchóriz, Paloma Valdés, María Asquerino, Manuel Monroy, Manuel Zarzo, Virgilio Teixeira, Guillermo Marín. España. 35 mm. Color. 99’.

Los romances, aventuras y desventuras de tres artistas que trabajan en un local de variedades.

«Una de las películas en las que más creadores queer participaron de todo el franquismo, un ejemplo paradigmático para evidenciar la existencia de colaboraciones creativas queer en el cine de la dictadura. […] Todos ellos compartían su predilección por la expresión creativa a través de la feminidad. En las narrativas de sus creaciones, los hombres ocupan mayoritariamente la posición de objetos de deseo […] Frente a la tradición patriarcal, aquí las mujeres son protagonistas y obtienen el poder, y los hombres son intercambiables». (Santiago Lomas Martínez).

Presentación a cargo de Santiago Lomas, autor de Creadores queer en el cine español del franquismo (Ed. Laertes, 2023). Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 115’).

21:00 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Essential Killing (Jerzy Skolimowski, 2010). Int.: Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Dariusz Juzyszyn, David L. Price. Polonia, Noruega, Irlanda, Hungría, Reino Unido. DCP. VOSI/E. Color. 83’. 

Un afgano vinculado a los talibanes es capturado por el ejército estadounidense tras atacar a un grupo de soldados y llevado a un centro de detención clandestino en Europa. Cuando logra escapar de sus captores, se inicia una agónica lucha por la supervivencia.

«Sabía de los aviones de la CIA que aterrizaban en un aeropuerto militar cercano por la prensa, y que supuestamente se llevaban prisioneros de Oriente Próximo a esta base secreta no muy lejos de mi casa. Instintivamente, me negué a pensar en ello como tema de mi próxima película por su contexto político, ya que no me considero un activista político. […] No importa si es esta o aquella guerra, si tiene lugar en Afganistán o Irak o en la frontera de Pakistán. […] Lo que me interesa es que este tipo se ve atrapado en estas dramáticas circunstancias y es llevado a este paisaje nevado que está lo más lejos posible de todo lo que ha conocido. Por un extraño giro de la suerte, o más bien de la desgracia, como pronto descubrirá, consigue escapar. La película trata de su lucha por sobrevivir». (Jerzy Skolimowski).

Segunda proyección el V31 a las 21.30 h.

- Jueves 16 de marzo

17:30 · Sala 1 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

Cristo (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1954). Int.: Fernando Rey, José María Seoane, María Jesús Valdés, José María Lado. Documental. España. BSP. B/N. 73’.

Adaptación del libro Vida de Cristo, de Fray Justo Pérez de Urbel, construida a partir de grandes ejemplos de la pintura religiosa.

«Hemos creído que en esta película, como en todas, el logro principal es la unidad. Y, en todo lo posible, esa unidad la hemos querido conseguir utilizando en cada una de las definidas secuencias de nuestra película las obras de un mismo maestro, o, al menos, con las de un mismo estilo, escuela o época. […] Nuestra película comienza por tener, por su propio y solemne tema, una intemporalidad que le pone a salvo de gustos y modas. Sirve al más alto empeño –la fe- que el cine puede abordar y, al mismo tiempo, supone un desfile pictórico, que se ordena por primera vez en el cine: un tesoro plástico que el cine va a vulgarizar con su enorme poder de extensión». (Margarita Alexandre).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Deep End (Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Jane Asher, John Moulder-Brown, Karl Michael Vogler, Christopher Sandford. Reino Unido, RFA. DCP REST. VOSE. Color. 92’. Copia restaurada por Bavaria Film.

Un adolescente que trabaja en una casa de baños se obsesiona, de forma progresivamente más enfermiza, con una de sus compañeras de trabajo.

«Parece que no hay límite para el número de comedias que explotan el oscuro periodo de la adolescencia en busca del humor de la vergüenza, la ansiedad y el eterno drama inherente a la búsqueda de lo que uno quiere, en este caso, acostarse con una chica guapa. Incluso se podría decir que estas historias se escriben solas. Cuando el polaco Jerzy Skolimowski rodó Deep End en 1970, el éxito de taquilla de Mike Nichols, El graduado, estaba todavía en la mente de todos, pero el segundo largometraje en inglés de Skolimowski no podía estar más alejado en tono, estilo o incluso en lo que el protagonista de 15 años parece querer, en comparación con las aventuras amorosas de Benjamin Braddock. Precediendo a Verano del 42, de Robert Mulligan, y a Taxi Driver, de Martin Scorsese, en uno y seis años, respectivamente, la alucinante, disonante pero convincente historia de confusión hormonal de Skolimowski parece anticiparse a ambas». (Jaime N. Christley).

Segunda proyección el D26 a las 20.30 h.

21:30 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

Hipnosis (Ipnosi, Eugenio Martín, 1962). Int.: Eleonora Rossi-Drago, Jean Sorel, Götz George, Mara Cruz, Massimo Serato. España, Italia, RFA, Francia. DCP. VE. B/N. 92’.

Cuando un hipnotista aparece asesinado en su camerino, un boxeador y un chico de los recados se convierten en los sospechosos principales.

«Remite a Fritz Lang, en las imágenes, y a Alfred Hitchcock, en la trama, así como, por supuesto, al más célebre episodio de Al morir la noche […] La belleza estética y los aciertos plásticos, con un magnífico uso expresivo de la fotografía en blanco y negro, redondean un gratísimo tono particular, a vez típico y atípico, que basta y sobra para reivindicar, una vez más y por si todavía hiciera falta, el magnífico cine de género en coproducción propuesto por Europa durante los años 50/60». (Carlos Aguilar y Anita Haas).

- Viernes 17 de marzo

17:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

De espaldas a la puerta (José María Forqué, 1959). Int.: Emma Penella, Amelia Bence, José Marco Davó, Luis Prendes, Félix Dafauce, José Luis López Vázquez, María Luisa Merlo. España. DCP. B/N. 88’.

Una bailarina de un local es brutalmente agredida. La policía investiga el caso haciendo creer a los sospechosos que la víctima vio el rostro del agresor.

«Todo transcurre en muy pocas horas, con feliz conversión del tiempo real al tiempo cinematográfico, y en un solo ambiente, que es el formado por las distintas dependencias ¿apenas media docena de decorados¿ de la “boite". Hay pues, unidad de acción, de lugar y de tiempo, y el director José María Forqué ha resuelto con verdadera elegancia e inteligente seguridad los problemas que su resolución le planteaba. Servido con espléndida calidad por la admirable fotografía de Enrique Guerner, maestro siempre en ambición y refinamiento, luce Forqué su flexible dominio de los recursos cinematográficos». (Carlos Fernández Cuenca).

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Orgullo de raza (Captain Lightfoot, Douglas Sirk, 1955). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Jeff Morrow, Kathleen Ryan, Finlay Currie, Denis O'Dea. EEUU. B-R. VOSE. Color. 92’.

Las aventuras de un hombre que, en el siglo XIX, se unió al capitán Thunderbolt para luchar por la independencia de Irlanda.

«El turbulento drama histórico de Douglas Sirk, ambientado en la Irlanda de 1815, es un wéstern disfrazado. A pesar del colorido de la aventura romántica, Sirk está menos interesado en la lucha de espadachines que en la estrategia: observa el alzamiento de forma analítica, señalando las amargas ironías de los astutos comandantes, obligados a contener a los audaces guerreros por el bien de la lucha a largo plazo. Describe a los colaboradores locales de las autoridades británicas, evoca la paranoica circunspección de los muy organizados luchadores por la libertad, que temen la infiltración y la delación, y evoca las amenazas de cárcel y tortura utilizadas para doblegar la voluntad de los conspiradores detenidos. Sirk —un emigrante alemán— ofrece también una visión velada de la resistencia a la ocupación nazi en la Europa de la Segunda Guerra Mundial». (Richard Brody).

Antes de la proyección de Orgullo de raza se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine. Duración total de la sesión: 120’.

Segunda proyección el M28 a las 18.00 h.

21:30 · Sala 1 · Clásicos como nuevos

Pasión (Passion, Jean-Luc Godard, 1982). Int.: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli, Jerzy Raziwilowicz, Laszlo Szabo, Myriem Roussel. Francia, Suiza. DCP REST. VOSE. Color. 88’. Copia restaurada por Gaumont.

Un director de cine que está rodando una película en la que reconstruye cuadros célebres conoce a una joven que acaba de quedarse sin empleo y ambos se enamoran.

«La constante recreación de pinturas famosas –con un detallismo tan extremo como irreverente- expone cómo el mundo del arte ha reducido el impacto del artista como trabajador. Con demasiada frecuencia consideramos la obra de arte como un objeto surgido de la inspiración divina, minusvalorando el esfuerzo del artista y anulando cualquier posible compromiso con ella. Como si dijera que, en el mundo contemporáneo, cualquier arte que aspire al realismo puede ser incluso más artificial que un sonido mal sincronizado, Godard deja al descubierto las mentiras que nos contamos, poco a poco, sobre la forma en que funciona el mundo del arte». (Justine Peres Smith).

Segunda proyección el miércoles 29 a las 19.30 h.

- Sábado 18 de marzo

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior / Clásicos como nuevos

The White Snake Enchantress (Hakujaden, Taiji Yabushita, 1958). Japón. DCP REST. VOSE. Color. 79’. Copia restaurada por Toei Animation y National Archive of Japan.

Adaptación de un cuento tradicional chino que sigue las aventuras de un joven enamorado de un espíritu. El primer largometraje de animación japonés en color y uno de los primeros en estrenarse fuera de las fronteras niponas, fue una importante proeza técnica y artística para la casa Toei, probablemente el estudio de animación más importante de la historia de Japón.

19:00 · Sala 2 · El siglo de José María Forqué

Maribel y la extraña familia (José María Forqué, 1960). Int.: Silvia Pinal, Adolfo Marsillach, Julia Caba Alba, Guadalupe Muñoz Sampedro, Trini Alonso, Gracita Morales. España. 35 mm. B/N. 101’.

Un tímido provinciano le presenta a su madre y a su tía la joven con la que se va a casar, sin saber que se dedica a la prostitución. Adaptación de la obra de teatro de Miguel Mihura.

«Pese al humor que destila, la obra de teatro es una comedia ácida, atrevida y casi subversiva para el momento. Y José María Forqué –que había asistido en la terraza del Café Gijón a la gestación de la obra de su amigo Miguel Mihura junto a “Tono” y Mingote- supo respetar ese espíritu en su adaptación al cine. El director mantiene prácticamente el mismo esquema teatral y respeta unos diálogos casi idénticos a los de la comedia, reforzando con las posibilidades de la cámara –que le permite crear las secuencias de la pensión de las prostitutas- la división de diferentes ambientes donde se desarrollan las dos formas de vida. Ambientes que Forqué construye con exquisito cuidado». (Fernando Lara y Eduardo Rodríguez).

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

El grito (The Shout, Jerzy Skolimowski, 1978). Int.: Alan Bates, Susannah York, John Hurt, Robert Stephens, Tim Curry. Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 86’.

Un hombre que asegura tener el poder de matar gritando se introduce en la casa de un matrimonio y comienza a dominarles con sus extraños poderes.

«Una etérea alegoría (a partir de un relato de Robert Graves) llevada a tierra gracias a una pasión sexual mordaz. Alan Bates es el loco errante que tiene cautivos a un compositor y a su esposa. La sexualidad triunfa sobre la civilización a través de una serie de pequeñas traiciones, cada una de ellas registrada con espantosa y milimétrica precisión por la cámara de Jerzy Skolimowski. Aunque Skolimowski parecía haber retrocedido un poco en sus ambiciones formales (antaño parecía un rival real de Godard), este largometraje de 1978 es pura astucia e imaginación cinematográficas, un thriller en trance que supera a Peter Weir en su propio terreno». (Dave Kehr).

- Domingo 19 de marzo

17:00 · Sala 1 · Sesión especial

Cría cuervos (Carlos Saura, 1976). Int.: Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Mónica Randall, Florinda Chico, Germán Cobos, Héctor Alterio, Josefina Díaz, Conchita Pérez, Mirta Miller. 35 mm. Color. 105’. 

Retrato de una familia española de clase alta en 1975, vista a través de los ojos de una niña de 8 años.

«La mirada de Ana nos va descubriendo, gracias además a una sugerente y hábil estructura en flashbacks alternos (que saltan de 1995 a 1975 en sucesivas ocasiones), distintos momentos de su historia familiar. Un microcosmos donde dominan la mentira y la hipocresía, tanto moral como amorosa, de unos personajes frustrados e infelices, incapaces de escapar a un contexto que los mantiene atrapados. Un padre militar autoritario y conservador y una madre frágil atrapada en un matrimonio sin amor que además le impide desarrollar su carrera como pianista dibujan un universo descompuesto, corrompido y angustioso que funciona como perfecta metonimia no solo de buena parte de los valores y principios de la sociedad española de entonces, sino también de lo que el régimen franquista representaba». (Jara Yáñez)

Antes de la proyección de Cría cuervos se podrá ver un breve fragmento de los títulos de crédito de Llanto por un bandido (Carlos Saura, 1964), eliminado de la versión estrenada en cines por la censura franquista.

19:30 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre / Clásicos como nuevos

La muerte de un burócrata (Tomás Gutiérrez Alea, 1966). Int.: Salvador Wood, Manuel Estanillo, Silvia Planas, Gaspar de Santelices. Cuba. DCP REST. B/N. 85’. Copia restaurada por la Cinemateca de Cuba y la Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Cuando su tío es enterrado con su carné de trabajador, un joven vive toda clase de peripecias tratando de recuperar el documento, fundamental para que la viuda pueda cobrar su pensión.

«Esta comedia absurda y satírica sobre la burocracia es probablemente la primera película cubana que tuvo un impacto internacional, ganando el Premio Especial del Jurado en el Festival de Karlovy Vary. A pesar de que La muerte de un burócrata se reía de algunos aspectos del comunismo, era un notable ejemplo de las sensibilidades creativas de Tomás Gutiérrez Alea, un cineasta rompedor capaz de criticar aspectos de su gobierno y al mismo tiempo permanecer leal a la revolución cubana». (Alejandro Veciana).

Segunda proyección el V24 a las 17.30 h.

20:30 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

El precio de un hombre (Eugenio Martín, 1966). Int.: Richard Wyler, Tomas Milian, Ella Karin, Enzo Fiermonte. España, Italia. 35 mm. VE. Color. 95’.

Perseguido por un cazarrecompensas, un forajido mexicano se refugia en su pueblo natal. Los vecinos de localidad colaboran en su encubrimiento hasta que se dan cuenta de lo mucho que ha cambiado.

«En El precio de un hombre predomina la tradición americana. Por lo menos, eso fue lo que intenté yo. Porque una cosa es que el wéstern tenga dureza, que eso lo tenían todos los americanos, porque América es un pueblo duro, y otra cosa es que tenga cinismo, que eso lo introdujo Italia, que es un pueblo cínico». (Eugenio Martín).

- Martes 21 de marzo

18:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Amanecer en Puerta Oscura (José María Forqué, 1957). Int.: Francisco Rabal, Luis Peña, Alberto Farnese, Isabel de Pomés, Luisella Boni, José Marco Davó, José Sepúlveda, Barta Barri. España. DCP. Color. 85’.

En la Andalucía del siglo XIX, tres forajidos se enfrentan a una despiadada compañía minera.

«Al presentar el guion en Censura, el representante del Ministerio de Gobernación nos puso una serie de reparos. Uno de ellos, que la Guardia Civil no podía disparar sin dar en el blanco, y otro que el tratamiento que dábamos a la situación en las minas podía molestar a los americanos. Lo que resultaba sorprendente, primero, porque la acción se desarrollaba en el siglo pasado y, segundo, porque en las minas no intervinieron nunca los americanos sino los ingleses. Lo que sí existía, como en Embajadores en el infierno, era un enfrentamiento entre españoles y extranjeros, unos los oprimidos y otros los opresores. Yo esta cuestión la sentía como propia, y la sigo sintiendo». (José María Forqué).

19:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Atila, rey de los hunos (Sign of the Pagan, Douglas Sirk, 1954). Int.: Jeff Chandler, Jack Palance, Ludmilla Tchérina, Rita Gam, Jeff Morrow, George Dolenz, Eduard Franz, Alexander Scourby. EEUU. B-R. VOSE. Color. 92’.

Atila, el huno, aúna a los pueblos bárbaros ante el divido Imperio Romano.

«Yo necesitaba a alguien para interpretar el importantísimo papel de Atila y la película corría prisa. La firme actitud de Chandler era que él tenía que ser el chico bueno, un galán de la pantalla, y que sería malo para su carrera interpretar lo que él llamaba “un villano”. Creo que a él le gustaba la idea de andar por ahí con toga y todo eso. Mientras que mi postura era que lo único interesante de la historia era la furia de Atila… este hombre que da vueltas en torno a sí mismo y a su objetivo imposible, la captura de la ciudadela de la religión, Roma, a la que cerca como un animal. Atila es uno de esos personajes que dan vueltas en torno a sí mismos que tanto me gustan. Encaja en mi galería, solo que es una variante violenta de este personaje habitualmente tranquilo, a lo Hamlet. Le dije honradamente a Chandler que en mi película el centro de atención sería Atila. Pero no quería saber nada de ello. […] Había por allá un actor menos conocido, Jack Palance. Era famoso, pero no un protagonista. […] Le dije a Chandler: “Piénsalo, porque el personaje del huno va a dominar la película”. Pero él solo decía “Nunca me ha oscurecido un villano”. Y, como sabes, la película es de Palance». (Douglas Sirk).

21:00 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

11 Minutes (Jerzy Skolimowski, 2015). Int.: Richard Dormer, Agata Buzek, Andrzej Chyra, Dawid Ogrodnik. Polonia, Irlanda. DCP. VOSI/E. Color. 81’.

El impacto de un suceso extraordinario, la aparición de un extraño objeto en el cielo, visto a través de la vida de diferentes habitantes de Varsovia.

«En su poco ortodoxa respuesta al cine de acción de Hollywood, Jerzy Skolimowski ha hecho una película que es más de lo que parece (o quizá es exactamente eso). En términos narrativos, tenemos la lucha (inconsciente) por la supervivencia de un grupo de gente que se enfrenta a su destino entre las 17:00 y las 17:11 de un día cualquiera. Lo extraordinario aquí es que, dentro de la concisa geometría del guion, Skolimowski se libera de la carga psicológica del cine. Hay algún que otro rasgo psicológico aquí y allá (los celos de un esposo, una ruptura sentimental), pero la mayoría de las historias entrelazadas se desarrollan sin exponer de forma clara las motivaciones de los personajes, que permanecen suspendidos en el limbo del suspense». (Manu Yáñez).

- Miércoles 22 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Raza de violencia (Taza, Son of Cochise, Douglas Sirk, 1954). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Gregg Palmer, Rex Reason, Morris Ankrum, Eugene Iglesias, Hugh O´Brian. EEUU. B-R. VOSE. Color. 79’.

Tras la muerte de un jefe apache, la tribu debe elegir entre sus dos hijos un nuevo líder que sepa cómo lidiar con la amenaza del hombre blanco: uno es un pacifista, el otro aboga por la lucha.

«Quería hacer un wéstern. Y después de ¿Alguien ha visto a mi chica?, Hudson quería volver a trabajar conmigo, así que hicimos esta película en la que interpretaba a un indio. Él quería hacer el papel, aunque al estudio no le gustaba que interpretase de nuevo a un indio porque acababa de hacerlo y pensaban que podía estropear su imagen. […] Me interesaban mucho los indios y traté de incluir mucho sobre sus costumbres en la película. Se rodó por entero en Utah, en su mayor parte cerca de Moab, y un poco más arriba, en la parte del río Colorado. Se rodó completamente en exteriores y de forma improvisada. Hay algunos decorados, pero fueron construidos todos allí, en el lugar, y también por los indios. Y los indios eran auténticos, no habían sido viciados por Ford. Había una gran batalla en la película, en la que empezaron a pelear de verdad como demonios. Ninguno de ellos hablaba inglés y teníamos un par de intérpretes para las dos tribus apaches, ninguna de las cuales hablaba tampoco la otra lengua. La batalla fue una de las cosas más apasionantes que he hecho nunca». (Douglas Sirk).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Las aventuras de Gerard (The Adventures of Gerard, Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Peter McEnery, Claudia Cardinale, Eli Wallach, Jack Hawkins, Mark Burns, Norman Rossington, John Neville, Paolo Stoppa, Ivan Desny, Leopoldo Trieste,. Reino Unido, Suiza. 35 mm. VOSE. Color. 92’.

Napoleón designa como mensajero a un brigadier que cree ser el mejor soldado y amante del mundo, hazañas que intenta poner a prueba ante una condesa, un bandido y un oficial británico.

«Aunque la película amenaza a veces con convertirse en una serie de trucos de magia, Las aventuras de Gerard se redime en parte por su tono de fantasía barroca, al estilo del barón Munchausen, lleno de toques surrealistas, y en parte porque Gerard es un héroe cien por cien propio de Skolimowski, estrafalario y resuelto en su búsqueda de la realización personal, convirtiéndose en la contraposición napoleónica del Marc de La partida. A pesar de su apariencia caótica, Gerard tiene una personalidad inconfundible». (Nigel Andrews).

21:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

¡Dame un poco de amooor…! (José María Forqué, 1968). Int.: Manolo Fernández, Miguel Vicens, Mike Kennedy, Pablo Sanllehi, Tony Martínez, Rosenda Monteros, Luis Peña, Laly Soldevila, José Luis Coll, Luis Sánchez Polack. España. DCP. Color. 87’.

Un seguidor de las doctrinas de Fu Manchú, en su afán por dominar el mundo con una fórmula química, secuestra al cantante de Los Bravos.

- Jueves 23 de marzo

17:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Las que tienen que servir (José María Forqué, 1967). Int.: Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Laura Valenzuela, Manolo Gómez Bur, Alfredo Landa, José Sazatornil, Margot Cottens, Lina Morgan, Florinda Chico, Charles Stalmaker, Álvaro de Luna. España. BDG. Color. 78’.

Un militar estadounidense y su mujer contratan a dos jóvenes como empleadas del hogar. La cosa se complica cuando resulta que, además de sus respectivos novios, ambas tienen pretendientes en la base militar de Torrejón de Ardoz.

«La versión cinematográfica estuvo producida y escrita por José Luis Dibildos que siempre tuvo olfato para detectar los temas de impacto, mediante aquella su "tercera vía", en la que se aliaban la contundencia comercial y cierta dignidad artística. Forqué, cultivador de diversos géneros con desigual fortuna siempre sale airoso cuando se mueve en su terreno favorito, la comedia. La obra original, que presenta los contrastes de costumbres entre españoles y americanos se aprovecha de los tópicos clichés de unos y otros, pero no deja de sacarles partido con situaciones divertidas y diálogos ocurrentes. Unas "chachas" españolas, sirviendo en el chalet de un típico matrimonio americano y con unos novios al "ibérico modo", pueden dar lugar a momentos bien regocijantes». (Florentino Soria).

19:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Douglas Sirk – Hope as in Despair (Roman Hüben, 2022). Suiza, Francia, Alemania. DCP. VOSI/E. Color y B/N. 75’.

Documental de investigación que recorre la vida de Douglas Sirk a través de testimonios de aquellos que le conocieron y de las páginas del diario de su segunda mujer.

Antes de la proyección tendrá lugar una mesa redonda con Roberto Turigliatto, cocomisario del ciclo; Paula Arantzazu Ruiz, crítica de cine; y el director, Roman Hüben. Tras la mesa redonda habrá un pequeño descanso de diez minutos y acto seguido se proyectará la película.

Duración aproximada de la mesa redonda: 60’ (Total sesión: 140’).

21:30 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

La ciudad perdida (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1955). Int.: Cosetta Greco, Fausto Tozzi, María Dolores Pradera, Félix Dafauce. España. BSP. B/N. 67’.

Durante la dictadura franquista, un republicano regresa a España con la intención de llevar a cabo un acto terrorista contra el régimen. Sin embargo, la misión es un fracaso y se ve obligado a tomar a una mujer como rehén para huir.

«Una insólita propuesta de Alexandre y Torrecilla, en un contexto marcado por la emergencia de nuevos discursos sobre la Guerra Civil, alejados del cine de cruzada, y de planteamientos visuales que conectan con tendencias internacionales como el neorrealismo italiano o el cine negro, estadounidense o europeo. […] La ciudad perdida constituye una suerte de mutación en virtud de la cual la trama policial sirve como pretexto para llevar hasta los límites de la permisividad la figuración del vencido —para emplear la terminología oficial de la época— y la representación del pasado». (Sonia García López).

- Viernes 24 de marzo

17:30 · Sala 1 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre / Clásicos como nuevos

La muerte de un burócrata (Tomás Gutiérrez Alea, 1966). Int.: Salvador Wood, Manuel Estanillo, Silvia Planas, Gaspar de Santelices. Cuba. DCP REST. B/N. 85’. Copia restaurada por la Cinemateca de Cuba y la Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Cuando su tío es enterrado con su carné de trabajador, un joven vive toda clase de peripecias tratando de recuperar el documento, fundamental para que la viuda pueda cobrar su pensión.

«Esta comedia absurda y satírica sobre la burocracia es probablemente la primera película cubana que tuvo un impacto internacional, ganando el Premio Especial del Jurado en el Festival de Karlovy Vary. A pesar de que La muerte de un burócrata se reía de algunos aspectos del comunismo, era un notable ejemplo de las sensibilidades creativas de Tomás Gutiérrez Alea, un cineasta rompedor capaz de criticar aspectos de su gobierno y al mismo tiempo permanecer leal a la revolución cubana». (Alejandro Veciana).

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Escándalo en París (A Scandal in Paris, Douglas Sirk, 1946). Int.: George Sanders, Signe Hasso, Carole Landis, Akim Tamiroff, Gene Lockhart, Jo Ann Marlowe, Alma Kruger, Alan Napier, Vladimir Sokoloff, Pedro de Cordoba. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 100’.

Nacido en la cárcel, un ladrón profesional del siglo XVIII se convierte hacia el final de su vida en el jefe de la policía parisina.

«En esta película traté de ir más allá del realismo en la forma de presentar la historia. Resultaba casi surrealista. A la manera de los surrealistas americanos, no de los franceses. La película no tuvo mucho éxito. Esto se debió presuntamente a que yo adopté una actitud que hacía surgir la ironía y esto no funcionaba nada bien con el público americano. […] Pero, por supuesto, sólo mostraba una pequeña parte de la vida de Vidocq en la película. Se podría haber hecho toda una serie de películas a partir de su vida, lo mismo que con Cagliostro. Pero la parte que utilicé es el periodo más interesante, el que se presta mejor a la ironía; hay mucha en su oscilación entre policía y ladrón. Y esto proporciona al personaje de Sanders mucho mejor margen para actuar». (Douglas Sirk).

21:30 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973). Int.: Aurora Bautista, Esperanza Roy, Judy Geeson, Lone Fleming, Blanca Estrada, Carlos Piñeiro, Loreta Tovar, Fernando Hilbeck. España. 35 mm. Color. 83’. La copia que se proyecta, la única disponible, es una copia incompleta a la que le faltan 2 minutos del tercer rollo.

Dos hermanas que regentan un pequeño hotel rural se dedican a matar a todos los huéspedes que no cumplen con sus estándares morales y religiosos.

«Concebí Una vela para el diablo no como una película de terror, sino como un drama de cierta ambición, que denunciara el fanatismo y sus secuelas. Porque todo fanático es un asesino en potencia, que asesina con tranquilidad debido a que su conciencia está libre, está limpia. […] Los españoles podemos ofrecer aspectos terroríficos, pero no en las brumas del atardecer, como los ingleses y alemanes, sino en las plazas abiertas, cuando nuestro fanatismo religioso ha torturado y quemado a sus víctimas, o cuando el fanatismo político las ha humillado y fusilado. ¿Cuántas historias de horror, de auténtico horror, permanecen ocultas en el marco de nuestra guerra civil? No hay que enfocarlas sólo como historias dramáticas estrictas, con ellas se pueden entrar también en el mundo de la fantasía negra irracional». (Eugenio Martín).

Sesión gratuita hasta completar el aforo.

- Sábado 25 de marzo

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior / El siglo de José María Forqué

Tengo 17 años (José María Forqué, 1964). Int.: Rocío Dúrcal, Pedro Osinaga, Roberto Font, Luis Peña, Emilio Gutiérrez Caba, Luis Morris. España. DCP. Color. 101’.

Una joven, harta de sentirse incomprendida, huye de su casa y termina en un pequeño pueblo, donde la acoge un grupo de alfareros.

«Nos pidieron una cosa apta para menores, lo que me permitió, la fin, hacer una película que pudieran ver mis hijos. Fue para nosotros como un juego. […] Roberto Font no era ni bueno ni malo, era un genio, un actor imposible de clasificar. No creo que su trabajo fuera meditado, estructurado; lo hacía instintivamente, y como él tenía un poder de proyección enorme, salían unas cosas maravillosas». (José María Forqué).

19:30 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

La gata (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1956). Int.: Aurora Bautista, Jorge Mistral, José Nieto, Nani Fernández. España. DCP REST. Color. 94’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

La hija del mayoral de un cortijo andaluz es pretendida por varios hombres del pueblo. Sin embargo, ella está enamorada de un apuesto trabajador que sueña con ser torero.

«La primera película española que utiliza el CinemaScope y el sonido estereofónico, que en 1955 son sistemas de impactante actualidad. […] Junto a su imaginativo sentido del encuadre, tanto en la captación del paisaje andaluz (la marisma, los cercados, los montes) como en las escenas dramáticas, destaca también el valor histórico de esta pionera aportación española a los formatos anamórficos. […] aborda, en pleno franquismo folclorista, una historia de la España racial sin tópicos, huyendo del estereotipo y fijándose en la representación naturalista de la Andalucía rural, la de la marisma de Huelva, para la mejor adecuación con el sentido primitivo e instintivo de las pasiones de los protagonistas». (Fernando Gabriel Martín).

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Trabajo clandestino (Moonlighting, Jerzy Skolimowski, 1982). Int.: Jeremy Irons, Eugene Lipinski, Jiri Stanislav, Eugeniusz Haczkiewicz. Reino Unido. 35 mm. VOSE. Color. 97’.

Cuatro obreros polacos llegan a Londres para acometer un trabajo. A las dificultades propias de trabajar sin ningún tipo de permiso se suma la declaración en Polonia de la ley marcial.

«Skolimowski (que ha vivido y trabajado principalmente en Inglaterra durante la última década) concibió Trabajo clandestino pocos días después del golpe militar de diciembre del 81, escribió el guion en una semana y media, consiguió la financiación (2 millones de dólares) durante un partido de tenis, rodó la película y la presentó en el Festival de Cannes en la primavera de 1982. […] Es el tipo de película que me hace maravillarme de cómo alguien puede tener una idea tan genial y llevarla a cabo de forma tan redonda, con medios casi cómicamente modestos». (Richard T. Jameson).

- Domingo 26 de marzo

17:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Atraco a las tres (José María Forqué, 1962). Int.: José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre, Alfredo Landa, Katia Loritz, Manuel Díaz González, Agustín González, José Orjas, Lola Gaos, Rafaela Aparicio. España. 35 mm. B/N. 92’.

Un hombre que trabaja como cajero un banco convence a sus compañeros para atracar su propia sucursal.

«Lo cierto es que pocas veces se ha visto en el cine español un entrelazamiento tan pertinente de las situaciones repetitivas que constituyen el relato paródico y sobre todo el gran acierto de la oposición de los estereotipos creados por cada personaje. Como en las mejores y más canónicas comedias, el espectador intuye cuáles serán las reacciones de los oficinistas ante las situaciones diarias o frente a las cuitas del atraco; el resultado es que el espectador disfruta sin parar del diseño de los personajes, de los conflictos entre ellos y de las expectativas planteadas […] Atracao a las tres es algo más que el resultado del saber hacer en el montaje o la puesta en escena de un director artesano». (José María Forqué).

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

The Lady Pays Off (Douglas Sirk, 1951). Int.: Linda Darnell, Stephen McNally, Gigi Perreau, Virginia Field. EEUU. 16 mm. VOSE. B/N. 80’.

Como premio por ser elegida profesora del año por la revista “Time”, una joven realiza un viaje a Las Vegas, donde termina perdiendo todo su dinero. Para pagar su deuda, acepta cuidar de la hija del mánager del casino.

«Los roles de género son el elemento principal de esta inquietante comedia romántica sobre una maestra de escuela que quiere ser percibida como una mujer en lugar de simplemente como una persona cuyas habilidades han acabado por definir como “una segunda madre”. […] Como es habitual en muchas de las películas de Sirk con protagonistas femeninos, su identidad está significativamente conectada con las circunstancias sociales que define qué es ser una mujer. Es una profesional respetada, pero sus habilidades se consideran inseparables de las necesidades del hogar. Se la alaba porque es la madre que tienen los niños cuando sus verdaderas madres no están cerca». (Tom Ryan).

20:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Deep End (Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Jane Asher, John Moulder-Brown, Karl Michael Vogler, Christopher Sandford. Reino Unido, RFA. DCP. VOSE. Color. 92’. Copia restaurada por Bavaria Film. 

Un adolescente que trabaja en una casa de baños se obsesiona, de forma progresivamente más enfermiza, con una de sus compañeras de trabajo.

«Parece que no hay límite para el número de comedias que explotan el oscuro periodo de la adolescencia en busca del humor de la vergüenza, la ansiedad y el eterno drama inherente a la búsqueda de lo que uno quiere, en este caso, acostarse con una chica guapa. Incluso se podría decir que estas historias se escriben solas. Cuando el polaco Jerzy Skolimowski rodó Deep End en 1970, el éxito de taquilla de Mike Nichols, El graduado, estaba todavía en la mente de todos, pero el segundo largometraje en inglés de Skolimowski no podía estar más alejado en tono, estilo o incluso en lo que el protagonista de 15 años parece querer, en comparación con las aventuras amorosas de Benjamin Braddock. Precediendo a Verano del 42, de Robert Mulligan, y a Taxi Driver, de Martin Scorsese, en uno y seis años, respectivamente, la alucinante, disonante pero convincente historia de confusión hormonal de Skolimowski parece anticiparse a ambas». (Jaime N. Christley).

- Martes 28 de marzo

18:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Orgullo de raza (Captain Lightfoot, Douglas Sirk, 1955). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Jeff Morrow, Kathleen Ryan, Finlay Currie, Denis O'Dea. EEUU. B-R. VOSE. Color. 92’.

Las aventuras de un hombre que, en el siglo XIX, se unió al capitán Thunderbolt para luchar por la independencia de Irlanda.

«El turbulento drama histórico de Douglas Sirk, ambientado en la Irlanda de 1815, es un wéstern disfrazado. A pesar del colorido de la aventura romántica, Sirk está menos interesado en la lucha de espadachines que en la estrategia: observa el alzamiento de forma analítica, señalando las amargas ironías de los astutos comandantes, obligados a contener a los audaces guerreros por el bien de la lucha a largo plazo. Describe a los colaboradores locales de las autoridades británicas, evoca la paranoica circunspección de los muy organizados luchadores por la libertad, que temen la infiltración y la delación, y evoca las amenazas de cárcel y tortura utilizadas para doblegar la voluntad de los conspiradores detenidos. Sirk —un emigrante alemán— ofrece también una visión velada de la resistencia a la ocupación nazi en la Europa de la Segunda Guerra Mundial». (Richard Brody).

Antes de la proyección de Orgullo de raza se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’.

20:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

El cuchillo en el agua (Nóz w wodzie, Roman Polanski, 1962). Int.: Leon Neimczyck, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. Polonia. DCP. VOSE. B/N. 94’.

Un matrimonio en crisis recoge a un autoestopista y le invitan a pasar el día con ellos en su yate. Según pasan las horas, la tensión entre el marido y el autoestopista va creciendo. El primer largometraje de Roman Polanski, que contó con la colaboración de Jerzy Skolimowski en el guion.

«Cada uno de los cortometrajes de Polanski trataba de interacciones humanas en términos íntimos, a menudo uno a uno, por lo que tenía sentido que su primer largometraje contuviera sólo tres personajes. Polanski y sus coguionistas Jerzy Skolimowski y Kuba Goldberg trabajaron en el guion durante tres semanas antes de presentar un borrador al Ministerio de Cultura. Skolimowski, otro graduado de la Escuela de Cine de Lodz, animó a Polanski a reducir el periodo de la historia a una extensión ajustada de 24 horas, lo que ayudó a exagerar la intensidad de las emociones y a aumentar las tensiones de una escena a otra. Esta historia contada a lo largo de varios días podría haber resultado melodramática, pero al limitar el tiempo que los personajes pasan juntos, se convierte en un relato que se embellece con un propósito tan específico como digno de la deliberación del público. Polanski declaró más tarde a “The New York Times”, en una entrevista de 1971: "Lo que me gusta son las situaciones realistas en la que las cosas no encajan del todo"». (Brian Eggert).

- Miércoles 29 de marzo

18:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Yo he visto la muerte (José María Forqué, 1967). Int.: Álvaro Domecq Romero, Antonio Bienvenida, Antonio Gandía, José Mejías Bienvenida. España. DCP. B/N. 101’

Cuatro episodios reales sobre la tauromaquia contados por sus protagonistas.

«No se planteó como una película sino como una serie de televisión. Quería hacer con Armiñán, que fue realmente el creador de la idea, una gran crónica sobre el toro, el toreo y el público, compuesta de trece o catorce capítulos. El proyecto no prosperó en TVE pero, como ya teníamos escritos cuatro capítulos, me dio pena desaprovecharlos. Creí que sería interesante mostrar el mundo de los toros desde dentro y a los toreros en zapatillas. Jaime de Armiñán conocía muy bien el tema desde antiguo pues su padre había sido un prestigioso crítico de toros. Nos interesaba reflejar, en forma de docudrama, una realidad, sin las deformaciones habituales». (José María Forqué)

19:30 · Sala 2 · Clásicos como nuevos

Pasión (Passion, Jean-Luc Godard, 1982). Int.: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli, Jerzy Raziwilowicz, Laszlo Szabo. Francia, Suiza. DCP. VOSE. Color. 88’. Copia restaurada por Gaumont.

Un director de cine que está rodando una película en la que reconstruye cuadros célebres conoce a una joven que acaba de quedarse sin empleo y ambos se enamoran.

«La constante recreación de pinturas famosas –con un detallismo tan extremo como irreverente- expone cómo el mundo del arte ha reducido el impacto del artista como trabajador. Con demasiada frecuencia consideramos la obra de arte como un objeto surgido de la inspiración divina, minusvalorando el esfuerzo del artista y anulando cualquier posible compromiso con ella. Como si dijera que, en el mundo contemporáneo, cualquier arte que aspire al realismo puede ser incluso más artificial que un sonido mal sincronizado, Godard deja al descubierto las mentiras que nos contamos, poco a poco, sobre la forma en que funciona el mundo del arte». (Justine Peres Smith).

20:30 · Sala 1 · Sesión especial

Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success, Alexander Mackendrick, 1957). Int.: Tony Curtis, Burt Lancaster, Susan Harrison, Martin Milner, Sam Levene. EEUU. DCP REST. VOSE. B/N. 96’. Copia restaurada por Janus Films.

Un ambicioso agente de prensa, dispuesto a lo que sea para ascender en el mundo de la prensa, acepta ayudar a un poderoso columnista que quiere controlar las relaciones sentimentales de su hermana.

«El público de 1957 no iba a ver una película de Tony Curtis o Burt Lancaster para descubrir a personajes empapados en un desprecio que también contaminaba venerables lugares comunes de la vida estadounidense, del amor fraternal a la ambición perseverante, por no hablar de los columnistas de periódico, las chicas que venden cigarrillos, los senadores, la policía y todo aquello que brilla e ilumina el Gran Camino Blanco. Por eso no fueron a ver Chantaje en Broadway. Aquel era el año de Vidas borrascosas, El puente sobre el río Kwai y Sayonara: grandes y coloridas producciones con héroes, o al menos guías, y valores esópicos. Lo que ellos se perdieron, nosotros lo ganamos. Chantaje en Broadway es un absoluto clásico». (Gary Giddins).

Antes de la proyección se presentará la nueva edición del libro Hacer cine, de Alexander Mackendrick (Alba Editorial, 2023); la presentación correrá a cargo del escritor Daniel Tubau.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 115’).

Jueves 30 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

¿Alguien ha visto a mi chica? (Has Anybody Seen My Gal, Douglas Sirk, 1952). Int.: Piper Laurie, Rock Hudson, Charles Coburn, Gigi Perreau, Larry Gates, Frank Ferguson. EEUU. DCP. VOSE. Color. 88’.

Un anciano millonario sin herederos decide legar toda su fortuna a la familia de su primera novia. Para asegurarse de que no está cometiendo un error, finge ser pobre y alquila una habitación en su casa.

«Había surgido en la Universal una especie de producción de serie B en contra de la tendencia de la época, según yo pensaba, y el tiempo me dio la razón. Ello era en parte debido a la falta de estrellas bajo contrato del estudio. Lo único que se podía hacer en estas circunstancias era fabricar una estrella, porque el conseguir más dinero dependía de tener un nombre en la película. Así que busqué por allá y vi una película en la que actuaba Rock Hudson, con Jeff Chandler de protagonista (Iron Man, Joseph Pevney, 1951). Tenía un papel pequeño y era muy inferior a Chandler, pero creí ver algo en él. Preparé una reunión y, a primera vista, no parecía ser gran cosa, salvo muy guapo. Pero la cámara ve con su propio ojo. Ve cosas que el ojo humano no detecta. Y al fin aprendes a confiar en tu cámara». (Douglas Sirk).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Ferdydurke (Jerzy Skolimowski, 1991). Int.: Iain Glen, Robert Stephens, Crispin Glover, Judith Godrèche. Polonia. DCP. VOSE. Color. 90’.

En 1939, un escrito polaco afronta la Segunda Guerra Mundial rememorando su infancia. Adaptación de la novela homónima de Witold Gombrowicz.

«Poco vista, Ferdydurke es la película que provocó el silencio de diecisiete años de Jerzy Skolimowski como director -un Skolimowski decepcionado se retiró a su casa de Malibú y se dedicó a pintar y a algún que otro papel como actor- […] El regreso cinematográfico de Skolimowski a su patria, adaptación de un clásico moderno querido y admirado y, al mismo tiempo, su primera película rodada en Polonia desde los años sesenta, parece haber sido para él una forma de conectar con Polonia y los polacos, de los que había vivido tanto tiempo exiliado. Es una afirmación de su propia identidad polaca, pero es una afirmación que, en el estilo característico de Skolimowski y Gombrowicz, ironiza, se burla y cuestiona». (Ian Johnston).

21:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

No es nada mamá, solo un juego (José María Forqué, 1974). Int.: David Hemmings, Alida Valli, Francisco Rabal, Andrea Rau. España. DCP. VE. Color. 85’.

El joven propietario de una hacienda sufre un grave trauma hacia las mujeres por culpa de su madre. Pronto se enamora de la hija de uno de sus empleados, a la que antes maltrataba.

«Es una de mis películas predilectas. Repito en ella, por una parte, ese juego de la utilización de un ser humano que se resuelve en su rebeldía final. Por otra parte, expongo la decadencia de una raza, de una familia, con ese vástago que sustituye unos valores por otros, el dinero por unas pasiones enfermizas. Hay un cúmulo de odios y perversiones exaltados, llevados al límite. […] Cuando estaba montando la película se me ocurrió que un símbolo indicativo, un tanto surrealista, hubiera sido la expresión, con ciertas imágenes, de que, así como las plantas más bellas crecen en la putrefacción, nacen del humus, la muchacha, que había llegado a un servilismo y degradación absolutos, resurge, liberada y distinta, de la misma putrefacción». (José María Forqué).

- Viernes 31 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Tempestad en la cumbre (Thunder on the Hill, Douglas Sirk, 1951). Int.: Claudette Colbert, Ann Blyth, Robert Douglas, Anne Crawford, Gladys Cooper. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 84’.

Una mujer es condenada a muerte por el asesinato de su hermano. En el momento de la ejecución, una inundación obliga a todos a refugiarse en un convento cercano. Una de las monjas, convencida de la inocencia de la mujer, comienza su investigación en busca del auténtico culpable.

«La Universal me ofreció un contrato. Después de mi película con Charles Boyer, me acordé de ello y fui a verles para preguntarles si todavía estaban interesados. Y me dijeron: “Sí, pero tenemos que firmar un contrato de siete años”. Yo dije: “De acuerdo, firmaré, a condición de que me garanticéis una película de serie A”, y esta iba a ser Tempestad en la cumbre. […] Las condiciones no eran perfectas, pero cuando me quejaba de una historia me decían: “Si consigues una estrella, magnífico; puedes tener más dinero y elegir una historia mejor”. Pero al menos se me permitía trabajar sobre el material, por lo que reestructuré en cierta medida algunos de los casi imposibles guiones de las películas que tuve que dirigir. Por supuesto, tenía que seguir las reglas, evitar experimentos, atenerme a los gustos familiares, poner “finales felices” y todo eso». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Tempestad en la cumbre se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 110’.

20:00 · Sala 2 · «Sala:B»

«Sala:B» y el sainete fallero:

• El virgo de Visanteta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, Antonio Ferrandis, José Sancho, Josele Román. España. 35 mm. VOSE. Color. 95’.

• Visanteta, esta-te queta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, José Sancho, Josele Román, Josep Maria Angelat. España. 35 mm. VOSE. Color. 91’.

Programa doble fallero con las películas que Vicente Escrivá y Antonio Fos dedicaron al sainete valenciano de Baldoví, una de las raíces del humor y el costumbrismo español.

Desde nuestra primera sesión, reflexionar sobre los cimientos del cine popular español ha sido una de las misiones de «Sala:B». Este programa doble presenta El virgo de Visanteta con la intención de situar en ese contexto la obra de Josep Bernat i Baldoví, escritor de mediados del XIX que combinó la sátira, las costumbres religiosas y el erotismo con un controvertido uso del lenguaje valenciano, a favor del pueblo y en contra de dogmas oficialistas. La trama combina dos historias de carácter sexual, la de Visanteta (Maria Rosario Omaggio, La lozana andaluza), cuya virginidad parece protegida por poderes divinos, y la del Tío Collons (Antonio Ferrandis), aficionado a la sodomía para disgusto de su esposa. La película de Escrivá y su guionista Antonio Fos mantuvo el tono y el verso valenciano, pero se vio entonces como una alternativa menos transgresora que la de Carles Mira y La portentosa vida del Padre Vicente, del mismo año 1978. Si bien la película resulta más moralizante que la obra teatral, se trata de un rasgo tan típico del sainete clásico como del cine del destape, y lo que trasciende del film hoy en día es el descaro esperpéntico y las situaciones católico-surrealistas, que prefiguran particularmente nuestra serie B. Mención aparte merece el reparto, con una selección de actrices y actores de carácter como Josele Román, Pepe Sancho, Luis Barbero o Joan Monleón y artistas de varietés autóctonas como Queta Claver o Rosita Amores.

El éxito comercial, sobre todo en el Levante, motivó a Escrivá y Fos a continuar la saga inmediatamente con Visanteta, esta-te queta, con el mismo reparto y basada en los personajes de Baldoví, pero ahora con una trama original. Un concurso de pedos es aquí la escena más memorable, demostrando una vez más que escatología y comedia van unidas a nuestra tradición. Este díptico “erótico-vernáculo”, en palabras del investigador Pablo Adiego, son de los últimos trabajos de Antonio Fos, “un prolífico guionista, plenamente integrado en la industria de productos con tirón popular y con extrañas y apasionantes obras como Volveré a nacer, El transexual, La semana del asesino o Una vela para el diablo.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Pablo Adiego, investigador y autor de Antonio Fos, las películas de amor y muerte de Eloy de la Iglesia, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Essential Killing (Jerzy Skolimowski, 2010). Int.: Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Dariusz Juzyszyn, David L. Price. Polonia, Noruega, Irlanda, Hungría, Reino Unido. DCP. VOSI/E. Color. 83’.

Un afgano vinculado a los talibanes es capturado por el ejército estadounidense tras atacar a un grupo de soldados y llevado a un centro de detención clandestino en Europa. Cuando logra escapar de sus captores, se inicia una agónica lucha por la supervivencia.

«Sabía de los aviones de la CIA que aterrizaban en un aeropuerto militar cercano por la prensa, y que supuestamente se llevaban prisioneros de Oriente Próximo a esta base secreta no muy lejos de mi casa. Instintivamente, me negué a pensar en ello como tema de mi próxima película por su contexto político, ya que no me considero un activista político. […] No importa si es esta o aquella guerra, si tiene lugar en Afganistán o Irak o en la frontera de Pakistán. […] Lo que me interesa es que este tipo se ve atrapado en estas dramáticas circunstancias y es llevado a este paisaje nevado que está lo más lejos posible de todo lo que ha conocido. Por un extraño giro de la suerte, o más bien de la desgracia, como pronto descubrirá, consigue escapar. La película trata de su lucha por sobrevivir». (Jerzy Skolimowski).

LOCALIDADES

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.

Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html