Programa del Cine Doré (Filmoteca Española)

Fecha: Desde el 01/04/2021 hasta el 23/04/2021
Días de vigencia:
Sede: Cine Doré
Lugar: MADRID (MADRID)
Categoría: Cine y vídeo 
Institución organizadora: Filmoteca Española

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Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré; tampoco el 1 y 2 de abril, por la Semana Santa.

 

PROGRAMA

 

ABRIL DE 2021

Comienza el ciclo ”Cine espectáculo”, que entre abril y junio ofrecerá una selección de títulos que ”deben experimentarse en pantalla grande, en una sala oscura, con otros públicos”, como explica Carlos Reviriego. Por otra parte, la retrospectiva dedicada a Agnès Varda llega este mes a su ecuador. Continúan las celebraciones por el centenario de Fernando Fernán Gómez, que se extenderán hasta finales de año. Ahora le toca el turno a su producción como cineasta en los 60, que contiene películas tan notables como El extraño viaje y El mundo sigue. En abril también se recupera la obra del director de animación Cruz Delgado, se dedica un espacio en el programa a restauraciones de la Cinemateca Portuguesa y otro al vanguardista neoyorkino Amos Vogel, y prosiguen las propuestas musicales, ahora con jazz latino y La mujer y el pelele.

 

Sábado 3 de abril


17:00 · Sala 2 · Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca Junior

Los viajes de Gulliver (Cruz Delgado, 1983). España. 35 mm. Color. 80’.

Tercer largometraje dirigido por Cruz Delgado, que aquí adaptó la famosa novela de Jonathan Swift. Cuenta la historia de un joven que viaja a Brobdingnag, una tierra habitada por personas gigantescas.

«Sinceramente creo que no es exagerado considerar a Cruz Delgado como el realizador español de dibujos animados más importante». (José María Candel)


19:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

2001: una odisea del espacio (2001: A Space Odissey, Stanley Kubrick, 1968). Int.: Keir Dullea, Garry Lockwood, William Sylvester, Daniel Ritcher. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 149´. Copia restaurada por Warner Bros. y supervisada por el cineasta Christopher Nolan.

El descubrimiento de un misterioso artefacto en la Luna provoca el lanzamiento de una misión espacial destinada a hallar su origen y, quizás, el origen de la raza humana.

«La ciencia ficción murió después de 2001». (Ridley Scott).

«Me hizo sentir que las películas podían conseguir cualquier cosa. Lo que Kubrick logró en 1968 simplemente se negaba a tener en cuenta que había ciertas reglas que tenías que cumplir en términos de narrativa». (Christopher Nolan).

«Su magnificencia, su elegancia, su perfección son absolutamente intimidantes. Por más que pasen los años por ella –¡y ya va más de medio siglo!–, su espectacularidad nos hace pequeños, indefensos frente a las posibilidades del lenguaje fílmico, que en las manos de los grandes maestros como Kubrick puede incluso competir con la filosofía, la metafísica y hasta la ciencia espacial. Pocos autores han escalado montañas tan altas en el arte cinematográfico como Stanley Kubrick, y 2001: una odisea del espacio es sin duda su cima, el olimpo desde el que admirarle, la gran obra maestra de la modernidad que propulsó el cine a un lugar hasta entonces desconocido… y quizá nunca más revisitado. La espectacularidad del film viene dada por la absoluta perfección de su planteamiento y su ejecución, que aún hoy deja en pañales a multimillonarias obras de ciencia-ficción, pero sobre todo por la poesía visual en perfecta combinación con el rigor tecnológico y científico. Trazar la historia de la humanidad en una elipsis, hacer bailar la galaxia al ritmo de El Danubio azul, convencernos de que las máquinas pueden ser más humanas que los hombres o explorar los límites del cosmos más allá del infinito, hasta prácticamente hacer desaparecer las nociones de espacio y tiempo, son conquistas del relato cinematográfico (y su espectacularidad) de tal magnitud que aún nos preguntamos cómo fue posible que en 1968 una odisea así pudiera realmente consumarse. Quizá solo el monolito de Kubrick, es decir, el legado de su inteligencia, tiene la respuesta». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

Segunda proyección en junio.


20:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Sin techo ni ley (Sans toit ni loi, Agnès Varda, 1985). Int.: Sandrine Bonnaire, Macha Méril, Stéphane Freiss. Francia. DCP. VOSE. Color. 105’.

En la campiña del sur de Francia, el cadáver de una mujer aparece en una zanja. Mediante recuerdos y entrevistas, la película narra sus últimas semanas de vida, sus encuentros, su soledad.

«Se trata de estudiar el efecto que produce un personaje que no quiere nada sobre unas personas que representan la Francia profunda, muy ligada a tradiciones como el trabajo, la propiedad, la honestidad, la familia y, finalmente, la patria». (Agnès Varda)

Antes de la proyección de Sin techo ni ley se podrá ver el cortometraje Histoire d'une vieille dame (Agnès Varda, 1985). Duración total de la sesión: 109’. Segunda proyección en mayo.

 

Domingo 4 de abril


18:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Documenteur (Agnès Varda, 1981). Int.: Sabine Mamou, Mathieu Demy. Francia, EEUU. DCP. VOSE. Color. 65’.

Ficción y documental se mezclan en esta historia sobre una mujer y su hijo que buscan alojamiento en Los Ángeles.

«Hice esta película como si el dolor fuese un lugar a través del cual circulamos. Yendo muy lejos, a través de un cierto desgarro, me preocupé de la escritura cinematográfica, depuré los sentimientos dejando un lugar en el que el espectador puede aportar sus propias sensaciones». (Agnès Varda).


19:00 · Sala 1 ·
Sound & Vision Filmoteca

Calle 54 (Fernando Trueba, 2000). España, Francia, Italia, México, Bélgica. DCP. Color. 105’

Documental que recorre diferentes conciertos de algunos de los mejores representantes del jazz latino, desde Eliane Elias a Michel Camilo, Chucho Valdés, Chano Domínguez o Jerry González.

«La cuestión era no hacer algo visualmente amanerado. De hecho, tomaba muchos riesgos porque en algún instante podía perderme algo. Las seis cámaras estaban en constante movimiento. Quería que tuviera mucho nervio, aun a riesgo de que fuera imperfecta en algunos momentos pero que estuviera latiendo siempre. El latido de la música». (Fernando Trueba).

Presentación a cargo del director, Fernando Trueba. Después de la proyección de Calle 54 tendrá lugar un concierto a cargo de Iván “Melon” Lewis Trío Band. Duración total de la sesión: 150’.

 

Martes 6 de abril

 

18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Varda por Agnès (Varda par Agnès, Agnès Varda, 2019). Francia. DCP. VOSE. Color. 115’.

Miniserie para televisión en la que Agnès Varda recorre su obra como cineasta, fotógrafa y pionera de la Nouvelle Vague mediante fotos, material grabado y recuerdos.

«Siempre supe que mis aciertos llegarían observando a la gente, mostrando su lado más especial, interesante. Nunca peleé contra mis instintos». (Agnès Varda).

Antes de la película se proyectará una pieza de 3 minutos, emitida originalmente en la televisión francesa, que recoge declaraciones de Agnès Varda respecto al feminismo. Duración total de la sesión: 118’.

Segunda proyección en mayo.


19:00 · Sala 1 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

O Taxi 9297 (Reinaldo Ferreira, 1927). Int.: Maria Emília Castelo Branco, Alvaro Da Costa, Alexandre Amores, Fernanda Alves da Costa. Portugal. DCP. MRP/E. B/N. 129´. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Basada en el asesinato real de la actriz María Alves, de cuya investigación se encargó el director cuando trabajaba como periodista. Un joven militar estadounidense llega a Lisboa y es invitado a la fiesta de un millonario lisboeta. Para llegar allí toma un taxi donde fue asesinada un año antes una famosa actriz. Este descubrimiento desatará una serie de investigaciones que destaparán una oscura trama.

«Usa el modelo de ficción detectivesca para entretener y criticar. Esta doble función es un rasgo que se desvanecería bajo la dictadura de Salazar que, así se estableció, comenzó a sofocar la voz crítica de la cultura popular a través de las oficinas de la junta de censores». (Nancy Vosburg).

 

Miércoles 7 de abril

 

18:00 · Sala 2 · Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

Lisboa, Crónica Anedótica (José Leitão de Barros, 1930). Portugal. DCP. MRP/E. B/N. 88´. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Una sinfonía urbana sobre la ciudad de Lisboa, un recorrido por los barrios de la urbe portuguesa a ritmo del trabajo de sus habitantes.

«En ella coexisten los elementos generadores de dos tradiciones cinematográficas posteriores tan diversas, tan autónomas y tan diferentes como, en primer lugar, el documental modernista (como las “sinfonías urbanas” europeas) y, por otro lado, el género del cine de ficción (como las comedias “a la portuguesa”)». (Tiago Baptista).


19:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Ran (Akira Kurosawa, 1985). Int.: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu, Daisuke Ryu. Japón, Francia. DCP. VOSE. Color. 162´. Copia restaurada por StudioCanal y Kadokawa Pictures, y supervisada por Masaharu Ueda, codirector de fotografía de la película. 

Llegado el momento de repartir su reino, un señor feudal tiene un enfrentamiento con uno de sus tres hijos y acaba enviándole al exilio. Este suceso le llevará a descubrir que la lealtad de sus hijos no es tal y como parecía a primera vista.

«De las más grandes adaptaciones de Shakespeare. Es posible que la forma en que la película de Kurosawa saca El rey Lear de su terreno habitual sirva precisamente para comprender mejor la base de la obra de Shakespeare: esa arrogancia y egocentrismo humanos que, en el momento de la muerte, necesita creer que el mundo será un lugar más pobre y pequeño cuando nos vayamos». (Peter Bradshaw).

«Esta reescritura épica de la shakesperiana El rey Lear, situada en el Japón feudal, no tiene parangón en su modo de combinar la grandilocuencia y el lirismo, el cromatismo visual con el realismo emocional. Cualquier elemento que mencionemos desde el concepto al desarrollo fotográfico, el guion y la acción de las batallas, el montaje, las interpretaciones, el sonido, la música, vestuarios y maquillaje...– solo viene a confirmar el compromiso absoluto de Akira Kurosawa con su oficio, con el cine, y su creencia en las posibilidades del séptimo arte para capturar un espíritu y una emoción y embalsamarlo en celuloide para la posteridad. Ran, que significa “caos”, logra transformar el horror de la existencia en arte y belleza, creando una conmoción en el espectador que solo puede encontrar una respuesta válida en el silencio, la estupefacción. Si de 1950 a 1965 el director japonés realizó doce películas, Ran fue su cuarto film en veinte años, debido a la dificultad de reunir financiación para una épica que llevaría al límite los recursos humanos y materiales para su producción, comandada por Serge Silberman. El relato es tanto un ensayo sobre el orgullo y la decadencia del ser humano cegado por el poder como sobre el arte de la guerra, que Kurosawa representó en la pantalla no solo desde la monumentalidad de la épica sino desde la exploración de las pasiones y la psicología humanas, en una operación de refinado y sofisticación que concentraba todo lo explorado en sus épicas samuráis precedentes a lo largo de las décadas». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Jueves 8 de abril


17:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

El misterio Picasso (Le mystere Picasso, Henri-Georges Clouzot, 1955). Francia. DCP. VOSE. Color y B/N. 78’.

Película documental que permite observar el trabajo del pintor Pablo Picasso en el momento de su creación.

«La pintura es realizada directamente sobre la imagen cinematográfica, y puede ser seguida en vivo por el espectador. […] La inventiva de Henri-Georges Clouzot hace de este documental de arte un film de suspense, de aventuras, un drama psicológico y un dibujo animado, todo a la vez». (Charlotte Garson).

«El misterio de Picasso es el misterio de la creación, o lo que es lo mismo, del arte en su máxima expresión, ese que la cámara se atrevió a decodificar, o al menos a poner en evidencia, mediante una sencilla pero novedosa puesta en escena cinematográfica. Tomando la forma de un lienzo-espejo, nunca antes una cámara (el espectador) había sido testigo privilegiado y exclusivo de cómo nace, crece y culmina la obra de un gigante, el pulso de su improvisación, el trazo de su genio en el apogeo de su arte y popularidad. Picasso en su estudio invoca a las musas y crea de la nada una serie de dibujos que cristalizan en algo muy parecido al autorretrato. Solo para el espectador. La insólita técnica de registro fotográfico, reproducida muchas veces después, se inspira en la que unos años antes desplegara el ingeniero y fotógrafo Gjon Mili para la revista “Time” en el histórico reportaje conocido como las “pinturas de luz” de Picasso. Semejante ingenio técnico se traduce para la pantalla en un dispositivo que permite entrar, en tiempo real, sin filtros ni manipulaciones de montaje, en el “proceso secreto” de la creación artística, en definitiva, en el espectáculo de la creación. No es solo una película sobre el arte, sino sobre los límites y misterios de la creación humana.». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


18:00 · Sala 2 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

A Revolução de Maio (António Lopes Ribeiro, 1937). Int.: Maria Clara, Emilia D´Oliveira, Alexandre de Azevedo, Luís de Campos. Portugal. DCP. VOSE. B/N. 110’. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Una de las películas propagandísticas más famosas producidas por el régimen dictatorial de António de Oliveira Salazar. Un hombre de creencias comunistas se enamora de una mujer adepta al régimen, lo que le hace cuestionar su ideología.

«Busca establecer un efectivo vínculo entre Salazar y el pueblo a través de la yuxtaposición de imágenes de ficción con secuencias documentales de hombres del Nuevo Estado siendo aplaudidos por la multitud, diluyendo así la frontera entre los hechos reales y la trama. (…) La propaganda no es más que una mera reproducción de hechos, sino que se convierte en un método de influir y reconfigurar la realidad». (Patricia Vieira).


20:00 · Sala 1 · Flores en la sombra: Trilogía negra de Mario Gómez Martín

Esta sesión reúne los tres cortometrajes rodados por Mario Gómez Martín durante su estancia en la Escuela Oficial de Cinematografía, los tres con marcadas influencias del cine negro estadounidense y española. Los contenidos de esta sesión estarán también disponibles en el canal de Vimeo de Filmoteca Española del 9 al 16 de abril.
Los delatores (Mario Gómez Martín, 1964). España. DCP. B/N. 15’.
Más allá de las rejas (Mario Gómez Martín, 1965). España. DCP. B/N. 15’.
La sombra continúa (Mario Gómez Martín, 1966). España. DCP. B/N. 13’.
«La fragilidad de la lealtad en situaciones extremas parece ser el motor dramático de todas las piezas. Será entonces tanto una “trilogía negra” como una “trilogía de la traición”». (Carlos Reviriego).

Entrada libre hasta completar aforo, requiere reservar asiento a través de la plataforma de venta por internet. Duración total de la sesión: 43’. Presentación a cargo de Filmoteca Española.

 

Viernes 9 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

La venganza de Don Mendo (Fernando Fernán Gómez, 1961). Int.: Fernando Fernán Gómez, Paloma Valdés, Juanjo Menéndez, Lina Canalejas, Antonio Garisa. España. DCP. Color. 87’

Adaptación de la obra homónima de Pedro Muñoz Seca. Un marqués medieval es traicionado por su amada y condenado a muerte. Cuando consigue escapar, jura vengarse.

«Pensé que podía hacer una película que no reprodujese una representación, pero que se inspirase en los modos teatrales pseudorrománticos en cuanto a decoración, vestuario, trucos, interpretación… Esto ya lo había hecho Laurence Olivier en Enrique V, pero nosotros lo haríamos en broma, que siempre es más socorrido». (Fernando Fernán Gómez).


17:30 · Sala 2 · Amos Vogel. Amos en el País de las Maravillas: Programa 3: Playground

«Es seguro pensar que el éxito global de El cine como arte subversivo se debió en parte a los (contra) cambios culturales de los años sesenta. El libro de Vogel resonó con las nociones recientes de liberación social y sexual, pero también les ofreció una perspectiva histórica y estética: el cine no debería simplemente «propagar» fuerzas y figuras rebeldes como -en nuestro caso- Otto Mühl (el accionista vienés), Abbie Hoffman (cofundador de los yippies) o Wilhelm Reich (el freudomarxista original y teórico de la revolución sexual). Debe convertirse en una fuerza por derecho propio y liberarse de los grilletes de la propiedad audiovisual, narrativa y espacio-temporal». (Del catálogo de Punto de Vista).

6/64 Mama und Papa (Kurt Kren, 1964). Austria. DCP. Color. 4’.
Yippie (Yippie Film Collective, 1968). EEUU. DCP. VOSE. B/N. 13’.
Wilhelm Reich: Los misterios del organismo (Dusan Makavejev, 1971). Yugoslavia, RFA. 35 mm. VOSE. Color y B/N. 85. 

Antes de la proyección se podrán ver una presentación grabada de los comisarios de la retrospectiva, Alexander Horwath y Regina Schlagnitweit, y un extracto de una entrevista de Paul Cronin a Amos Vogel. Duración total aproximada de la sesión: 120’.


20:00 · Sala 1 · Cine espectáculo

Lola Montes (Lola Montès, Max Ophüls, 1955). Int.: Martine Carol, Peter Ustinov, Anton Walbrook, Ivan Desny. Francia, RFA. DCP. VOSE. Color. 116´.

Mientras trabaja en un circo, una bailarina recuerda sus aventuras amorosas, cuando sedujo a algunos de los hombres más importantes de la Europa de mediados del siglo XIX.

«El comentario definitivo de Ophüls sobre el acto de ver cine. […] Es su visión más audaz de una película como medio que reverencia la belleza con la intención de promover y al mismo tiempo ridiculizar los sueños». (Fernando F. Croce).

«Único film en color que filmó, broche de oro a su carrera cinematográfica, el maestro Max Ophüls se despidió con una obra crucial para recorrer los grandes puntos de giro en la estética cinematográfica. Con Lola Montes abrió el ancho de la pantalla para, según el gran crítico Andrew Sarris, completar “la película más grande de todos los tiempos” y, tal y como apuntó François Truffaut, “extraer el máximo potencial del Cinemascope por primera vez”. Y efectivamente será difícil encontrar un aprovechamiento tan inusual y poético del formato expandido que emprendía su propia batalla contra la popularización de la ficción televisiva, mediante planos barrocos, sobrescritos, divididos en zonas especialmente definidas que actúan como metáfora espacial de las relaciones que establecen las pasionales y apasionadas criaturas del drama. La historia del personaje histórico español cuya belleza arrastró a la perdición a tantos hombres relevantes de la aristocracia europea retrata en última instancia el modo en que un cuerpo objeto de escándalo burgués deviene en atracción de feria. El espectáculo del circo ejerciendo como filtro distanciador de naturaleza casi brechtiana nos permite comprender por qué la influencia de Ophüls se manifestó en cineastas tan divergentes como Stanley Kubrick, Jacques Demy o Todd Haynes». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).



Sábado 10 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Cine espectáculo / Filmoteca Junior

El ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad, Ludwig Berger y Michael Powell, 1940). Int.: Conrad Veidt, Sabu, June Duprez, John Justin. Reino Unido, EEUU. DCP. VOSE. Color. 106´.

Cuando el malvado Jaffar engaña al rey Ahmad para echarlo del palacio, este decide aliarse con el ladrón Abu para luchar por su trono, su ciudad y el amor de su vida.

«Es una de las grandes películas de entretenimiento. Eleva el espíritu. Una de las primeras en adoptar el Technicolor, usa el color con arrojo y exuberancia, componiendo un arcoíris con el vestuario. Tiene aventuras, romance, canciones y una banda sonora de Miklos Rosza que un crítico calificó como “una sinfonía acompañada por una película”. Tuvo múltiples directores; como productor, Alexander Korda cambió de caballo varias veces durante la carrera. Aun así, mantiene un espíritu constante, el espíritu de contar una historia con excitado entusiasmo». (Roger Ebert).

«Respuesta de Alexander Korda al colorido de El mago de Oz, que se había realizado el año anterior, esta versión de la clásica fábula de origen árabe es, simplemente, una de las grandes aventuras cinemáticas jamás filmada. Se trata de la primera producción que se rodó con “blue screens” (pantallas azules), el ingenio original que ha evolucionado hasta los actuales rodajes con pantallas verdes para integrar elementos CGI en la acción, llevados a un nuevo nivel de percepción por las hermanas Wachowski, James Cameron, Peter Jackson y, sobre todo, las producciones de superhéroes. Esta técnica es la que permite que actores y modelos a escala interactúen en situaciones totalmente imaginarias dando una plena sensación de realismo fotográfico. Hoy esta técnica, que ha virado de lo físico a lo virtual, está tan extendida que ni nos damos cuenta, si bien cuando Korda produjo la cinta –que llegó a contar con seis directores distintos durante la producción– el efecto óptico que generaba la dimensión del genio de la lamparita y el ladrón Abu cuando comparten plano era de una espectacularidad sin precedentes». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


18:30 · Sala 2 ·
Amos Vogel. Amos en el País de las Maravillas: Programa 4: Children Have Their Own Laws

«El título del programa es una cita de Franz Ci¿ek, un pionero en la educación artística de los niños. Amos, el niño cuya madre era una educadora progresista que trabajó con Alfred Adler en el apogeo de la reforma escolar de la “Viena Roja”, disfrutó mucho de los cursos de Ci¿ek. Y dedicaría gran parte de su vida adulta al impulso artístico-pedagógico. Era una pedagogía con un giro, por supuesto, como esta selección de películas pretende reflejar: “La única buena educación, la única verdadera educación es subversiva. Es la única forma de aprender algo” (Abbie Hoffman)». (Del catálogo de Punto de Vista).

• March 26, 2020: How Little Lori Visited Times Square Read by Matthew (Amy Bowman, 2020). EEUU. DCP. VOSE. Color. 7’
J’ai huit ans (Yann Le Masson y Olga Poliakoff, 1961). Túnez, Francia. DCP. VOSE. Color. 13’
Saute ma ville (Chantal Akerman, 1968). Bélgica. DCP. VOSE. B/N. 13’
Solitary Acts #4 (Nazli Dinçel, 2015). EEUU. 16 mm. VOSE. Color. 8’
World of Tomorrow (Don Hertzfeldt, 2015). EEUU. DCP. VOSE. Color. 17’

Duración total de la sesión: 58’.


20:15 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

El extraño viaje (Fernando Fernán Gómez, 1964). Int.: Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco, Rafaela Aparicio. España. 35 mm. B/N. 92´.

Inspirada en el crimen de Mazarrón, la película cuenta la historia de tres hermanos que viven en un pequeño pueblo. Una noche de tormenta, dos de los hermanos creen ver a alguien en la habitación de su hermana, quien en realidad tiene un plan para huir con un galán que necesita dinero.

«El extraño viaje no fue un proyecto personal. Fue una especie de milagro recibir la oferta, dado mi desprestigio como director. […] Creo que surgió una rarísima película en mi filmografía […] Es una película que hice con gran entusiasmo y gran amor por lo que me gustaba el guion, por lo que me gustaba el ambiente, por lo identificado que me notaba con todo aquel mundo». (Fernando Fernán Gómez).

Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE.

 

Domingo 11 de abril

 

17:30 · Sala 2 · Amos Vogel. Amos en el País de las Maravillas: Programa 6: Topsy-Turvy

«En Cinema 16, a Vogel le encantaba poner en contacto la agitación, la animación y la aspiración vanguardista, con cierta respetabilidad académica siempre presente en la mezcla. Las películas se cuestionaban entre sí y también las expectativas del público. Un universo aparentemente estable de valores, relaciones de poder y sistemas de conocimiento podría caer rápidamente y girar. Se propondrían fórmulas secretas para volver a ver el mundo desde el interior y el exterior. Sí, esta civilización podría zozobrar y hundirse. Si a pesar de todo no nos desesperamos por ella, es porque su propia situación irremediable nos llena de esperanza». (Del catálogo de Punto de Vista).

Men and Dust (Lee Dick y Sheldon Dick, 1940). EEUU. DCP. VOSE. B/N. 16’
Living in a Reversed World (Theodor Erismann e Ivo Kohler, 1954). Austria. DCP. VOSE. B/N. 11’
La fórmula secreta (Rubén Gámez, 1965). México. 35 mm. B/N. 44’.
The External World (David O’Reilly, 2010). Irlanda, Alemania. DCP. VOSE. Color. 17’.

Antes de la proyección se podrá ver un extracto de cinco minutos de Film as a Subversive Art: Amos Vogel and Cinema 16. Duración total de la sesión: 58’.


19:00 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

El caballo de Turín (A torinói ló, Béla Tarr y Ágnes Hranitzky, 2011). Int.: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos, Ricsi. Hungría. 35 mm. VOSE. B/N. 155’.

Basándose en una anécdota de la vida del filósofo Friedrich Nietzsche, relata como un granjero se ve obligado a enfrentarse al hecho de que su caballo es un ser mortal.

«El mundo de El caballo de Turín no se descubre o se enseña, no se relata, se examina o se muestra. Simplemente está ahí, en cada momento, tanto como es posible y más de lo que creemos que podemos soportar, desafiándonos a, simplemente, ser conscientes de ello». (Jonathan Rosenbaum).

«En el fundido, una imagen se convierte en otra. En el fundido a negro, una imagen es devorada por la oscuridad. Es lo que en término anglosajón se conoce como el fade out, es decir, el gesto de desaparecer. Quizá el húngaro Béla Tarr imaginó el fundido a negro más elemental, (meta)físico y perfecto de la historia del cine. Fue su último gesto, también, como cineasta. Tiene sentido desde el momento en que en un mundo pequeño y hostil, recluido en una casa de piedra aislada en un páramo, pone en escena un Apocalipsis que coincide, en los primeros compases del tercer milenio, con toda una serie de producciones que fabularon con el Armageddon de todas las formas posibles y mediante toda suerte de cataclismos espectaculares. Toda la película, fotografiada en blanco y negro por el alemán Fred Keleman, es un consciente ejercicio de dialéctica entre la luz y la oscuridad, una batalla entre las intensidades y los desvanecimientos de la iluminación, entre la presencia y el vacío. El trabajo sonoro, a su vez, es tan narrativo y poético como el trabajo visual. La experiencia es completamente física, corpórea y palpable. Béla Tarr demuestra que el mejor efecto especial para recrear el fin de todas las cosas, el más aterrador, es un simple, elemental, perfecto fundido a negro. Ingresamos en el vacío, la nada. O el espectáculo del negro arrojando luz cuando la luz se desintegra». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Martes 13 de abril

 

18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo: Cortometrajes de Agnès Varda I

Esta sesión reúne los primeros trabajos de Agnès Varda dentro del terreno del cortometraje, en los que ya se pueden ver buena parte de los temas y estilos que marcarían sus obras posteriores.

L'Opéra-Mouffe (Agnès Varda, 1958). Francia. DCP. VOSE. B/N. 16’
Du côté de la côte (Agnès Varda, 1958). Francia. DCP. VOSE. Color. 25’
O saisons, ô châteaux (Agnès Varda, 1958). Francia. DCP. VOSE. Color. 20’. Copia restaurada.
Les Fiancés du pont Mac Donald ou (Méfiez-vous des lunettes noires) (Agnès Varda, 1961). Francia. DCP. VOSE. B/N. 5’.

Duración total de la sesión: 66’.


19:30 · Sala 1 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

La última cinta (Claudio Guerín Hill, 1969). Int.: Fernando Fernán Gómez. España. DCP. B/N. 52’

Adaptación televisiva de la obra de teatro de Samuel Beckett 'La última cinta de Krapp', que narra la historia de un hombre recluido que pasa sus días escuchando grabaciones que hizo en su juventud.

Antes de la proyección tendrá lugar la interpretación por Ramón Barea de un discurso de Fernando Fernán Gómez durante el congreso internacional de la FIAF celebrado en España en 1999, sobre la relación entre literatura, cine y teatro. Duración total de la sesión: 90’.



Miércoles 14 de abril


18:00 · Sala 2 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

Gestos & Fragmentos - Ensaio Sobre os Militares e o Poder (Alberto Seixas Santos, 1983). Portugal. 35 mm. VOSE. Color y B/N. 90’. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Un ensayo visual sobre la revolución militar de 1974 contada desde tres puntos de vista: los de los líderes del golpe, Otelo Saraiva y Eduardo Lourenço, y el de Robert Kramer, un periodista estadounidense que quiere relatar los procesos históricos de la revolución portuguesa.

«La segunda e indispensable película de Alberto Seixas Santos del ciclo revolucionario. Quien rodara la primera película revolucionaria, filmara¿ también su epitafio, un documental en el que Otelo Saraiva de Carvalho, Eduardo Lourenc¿o y Robert Kramer reflexionan sobre el “fracaso” de la Revoluc¿a¿o. Las desilusiones políticas no tienen que ir de la mano de las estéticas». (Jaime Pena).


19:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Las cien y una noches (Les Cent et une nuits de Simon Cinéma, Agnès Varda, 1995). Int.: Michel Piccoli, Marcello Mastroianni, Henri Garcin, Julie Gayet. Reino Unido, Francia. DCP. VOSE. Color. 104’.

Las cien y una noches es una fábula-homenaje, llena de apariciones estelares, realizada con motivo de la celebración del centenario del cine, que narra lo que sucede cuando Monsieur Cinéma contrata a una joven estudiante para que le ayude a recordar las películas del pasado.

Antes de la proyección de Las cien y una noches se podrá ver el cortometraje T'as de beaux escaliers, tu sais (Agnès Varda, 1986). Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès Varda. Duración total aproximada de la sesión: 160’.

Segunda proyección en mayo.

 

Jueves 15 de abril


17:00 · Sala 1 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Las señoritas de Rochefort (Les Demoiselles de Rochefort, Jacques Demy, 1967). Int.: Catherine Deneuve, George Chakiris, Françoise Dorléac, Jacques Perrin. Francia. DCP. VOSE. Color. 120’. Copia restaurada por los laboratorios DIGimage y supervisada por la cineasta Agnès Varda.

Dos hermanas que viven en el pueblo costero de Rochefort sueñan con marcharse lejos de allí y encontrar el amor.

«Su innegable triunfo es el de conseguir ser a la vez más artificial y más realista de lo que esperamos que sean los musicales. Esto es, de hecho, uno de los factores fundamentales que hacen de la película la quintaesencia francesa». (Jonathan Rosenbaum).


18:00 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Mayores con reparos (Fernando Fernán Gómez, 1967). Int.: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Tito Mora, Manuel Alexandre. España. 35 mm. Color. 92’.

Un abogado exitoso y seductor acude a un cabaret donde conocerá a una joven trabajadora a la que intentará seducir.

«Aunque era producida e ideada por mí, la considero de encargo. O sea, como si el productor Fernando Fernán Gómez, absolutamente convencido de que con esta película se podía ganar mucho dinero, hubiera encargado al director Fernán Gómez que la hiciera aunque no le gustara. Efectivamente fue un error y posiblemente mi peor película». (Fernando Fernán Gómez).


20:15 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Les demoiselles ont eu 25 ans (Agnès Varda, 1993). Francia. DCP. VOSE. Color. 64´.

Documental en el que Agnès Varda explora el impacto de Las señoritas de Rochefort, el musical de Jaacques Demy estrenado un cuarto de siglo antes.

«Nadie ha olvidado Las señoritas de Rochefort, y menos aún la ciudad de Rochefort, cuya imagen actual es la de una “ciudad en la que se habla cantando”. Con motivo de la fiesta organizada en junio de 1992 (…) quise filmar este evento único: una ciudad que celebra una película con la que se identifica». (Agnès Varda).

Presentación a cargo de Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès Varda. Segunda proyección en mayo.

 

Viernes 16 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Les Plages d’Agnès (Agnès Varda, 2008). Francia. DCP. VOSE. Color. 112’.

Agnès Varda repasa su vida para la cámara: su infancia en Bélgica, el descubrimiento de la fotografía y el cine, su pertenencia a la Nouvelle Vague, su relación con Jacques Demy, su vejez…

«Las playas son el paisaje más perfecto del mundo. No creo que la vida sea una subida hacia una cumbre, sino que creo en la horizontalidad, en la observación de unas vistas sin interrupción. […] Hacer esta película ha sido la labor de un pájaro que coge hojas que han caído de varios árboles para hacer su nido». (Agnès Varda)

Presentación a cargo de Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès Varda. Antes de la proyección de Les Plages d’Agnès se podrá ver el cortometraje Hommage à Zgougou (Agnès Varda, 2002). Duración total de la sesión: 150’.

Segunda proyección en mayo.


19:00 · Sala 2 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

À Flor do Mar (João César Monteiro, 1986). Int.: Laura Morante, Phillip J. Spinelli, Manuela de Freitas, Teresa Villaverde. Portugal. DCP. VOSE. Color. 143’. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Una mujer abandona Portugal harta de sus obligaciones. Cuando al año vuelve y se asienta en una casa cerca del mar, descubre que todo ha cambiado.

«El director sitúa la película en una zona intermedia. Toda la obra se construye en la fricción dialéctica entre el documental y la ficción, entre lo fantástico y lo real. (…) À Flor Do Mar conjuga y hace colisionar a Murnau con Rossellini ». (Glòria Salvadó).


20:45 · Sala 1 · Cine espectáculo

Deluge (Felix E. Feist, 1933). Int.: Peggy Shannon, Lois Wilson, Sidney Blackmer, Mat Moore. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 70’. Copia restaurada por Lobster Films.

La Costa Oeste de Estados Unidos es arrasada por un enorme terremoto. La tragedia se vuelve aún peor cuando el terremoto termina causando también una gran inundación que podría llevarse la Costa Este por delante.

«Bienvenidos a Deluge, uno de los primeros ejercicios de especulación eco-apocalíptica de Hollywood. Es una película lunática, excitantemente lunática, que podría haber dirigido Abel Gance en la cumbre de su descontrolada megalomanía o en su época de menor apoyo financiero. […] Felix Feist debutó en el largometraje con ella cuando tenía solo 23 años, tras haber dirigido apenas unos pocos cortometrajes pedagógicos sobre deportes y algunas peliculitas de Robert Benchley. ¿Quién demonios le hizo el encargo? ¿Fue la propia Madre Naturaleza? Después volvería a hacer largometrajes, pero ninguno tan naif, tan hipnótico, como esta riada de qué-pasaría-sies». (Guy Maddin).

«Durante años se consideró una película perdida, hasta que apareció en una copia de pobre calidad doblada al italiano. Se trata del Santo Grial de los films de catástrofes. En 2016, Lobster Films y The Library of Congress localizaron elementos originales en 35mm del film, incluyendo el audio original en inglés, y a partir de ahí se realizó la meticulosa restauración que hoy conocemos. Debut en la dirección del productor y director Felix E. Feist, quien se labró una considerable trayectoria en el Hollywood pre-código, Deluge se mantiene todavía hoy a la altura de su reputación casi mítica. No solo las secuencias de destrucción de Nueva York como consecuencia de los efectos de un terremoto en el Pacífico son realmente extraordinarias, sino que el drama de supervivencia en las ruinas adquiere un oscuro candor mucho más complejo de lo que se puede esperar de una producción de los años treinta. Las películas de catástrofes y los survival movies que se pusieron de moda en los años setenta, y que el cine post-11S recuperó para seguir ocupando hasta el día de hoy buena parte de las producciones blockbuster, están todas en deuda con esta película seminal en su género que, 90 años después de su realización, aún nos obliga a preguntarnos cómo diablos pudo hacerse.». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Sábado 17 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Cine espectáculo / Filmoteca Junior

King Kong (Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, 1933). Int.: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Frank Reicher. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 100’.

Una expedición se dirige a una isla misteriosa para rodar una película. Una vez ahí, el secuestro de la actriz principal por un simio gigante comenzará una aventura que terminará en lo alto del Empire State de Nueva York.

«Cuando se estrenó en 1933, King Kong fue recibida con un asombro sin precedentes. […] Durante décadas, ninguna película de monstruos fue capaz de arrebatarle el pedestal, gracias en buena medida al personaje titular y al trabajo de stop-motion del mago Willis O´Brien. […] Cautivó a la audiencia y dio pie a un romance entre el mundo y un simio gigante». (James Berardinelli).

«Ni la megalómana producción de Peter Jackson del siglo XXI, ni por supuesto la roma reescritura setentera en el apogeo de los films de catástrofes, así como las secuelas posteriores, han menguado un ápice el asombro que sigue generando esta conquista seminal, y sus efectos especiales de naturaleza artesanal, en el espectador de hoy. Los movimientos del monstruo, filmados con la técnica animada del stop-motion, fueron posibles a partir de la creación de un modelo del simio gigante de 18 pulgadas, construido por Willis H. O’Brien. Se trata de las primeras maquetas de animación realizadas con esqueletos de metal y junturas de alambre, que permitían al muñeco moverse con mayor agilidad y crear una ilusión de vida hasta entonces insólita, cubriendo el esqueleto con músculos de goma que se contraían y con piel de látex y pelo de conejo. A partir de King Kong y su arrollador éxito –salvó a la RKO de la bancarrota recaudando la cifra récord, por entonces, de 90.000 dólares en el primer fin de semana–, a la industria le quedó claro que la animación fotorrealista en combinación con el registro cinematográfico puede alumbrar universos fantásticos llenos de posibilidades, que los microcosmos de juguete adquieren una extraordinaria espectacularidad en la gran pantalla». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


18:00 · Sala 2 · La imagen renacida
Sesión jonasmekas.com

«Desde 2010, a la temprana edad de 88 años, Jonas Mekas subía a su página web videos de su vida diaria convirtiéndose en uno de los primeros artistas visuales en difundir sus obras libremente al público en general. No es de sorprender que Mekas, quizás la persona que más había hecho para dar a conocer el cine experimental en los años 60, entendiese inmediatamente el valor y la importancia de la red para hacer visible su trabajo.

Con una selección nueva de estos últimos diarios de Mekas ponemos punto y final al ciclo de “La imagen renacida”, que ha transcurrido casi íntegramente durante un año de pandemia. Razón de más para dar las gracias aquí al público del Doré que nos han acompañado». (Andy Davies, comisario de la sesión).

Duración total aproximada de la sesión: 60’.


20:00 · Sala 1 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Caras y lugares (Visages villages, Agnès Varda y JR, 2017). Francia DCP. VOSE. Color. 94’.

La cineasta Agnès Varda y el fotógrafo JR recorren Francia, fotografiando a la gente que les rodea y compartiendo su forma de ver el mundo.

«Agnès Varda y el fotógrafo francés Jean René unieron fuerzas gracias a Rosalie Varda, hija de la directora. Varda y JR recorren juntos la campiña para poner el foco en personas corrientes, dándoles una plataforma no solo para sus imágenes sino para sus voces». (Wang Muyan).

Presentación a cargo de Rosalie Varda, hija y colaboradora de Agnès Varda.

Segundo pase en mayo.

 

Domingo 18 de abril

 

18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

L’Univers de Jacques Demy (Agnès Varda, 1995). Francia, Bélgica, España. DCP. VOSE. Color y B/N. 90’

Documental en el que Agnès Varda explora la obra del que fuera su marido hasta su muerte en 1990, Jacques Demy.

«Después de haber realizado un film de ficción sobre la infancia de Jacques, mi intención era hacer un documental –relativamente objetivo- sobre él como adulto y cineasta. Yo misma aporté recuerdos y documentos, pero pasé el relevo también a sus amigos, a los actores y actrices que trabajaron con él, a sus “fans” y a tres chicas que no lo conocieron pero que circulan de manera natural en su universo». (Agnès Varda).

Segunda proyección en mayo.


19:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

El mundo sigue (Fernando Fernán Gómez, 1965). Int.: Lina Canalejas, Fernando Fernán Gómez, Gemma Cuervo, Milagros Leal, Agustín González, José Morales, Francisco Pierrá, José Calvo, Fernando Guillén, María Luisa Ponte, José María Caffarel . España. DCP. B/N. 121’. Copia restaurada por Juan Estelrich hijo.

La historia de una familia que vive en una modesta casa del madrileño barrio de Maravillas, con el constante enfrentamiento entre las dos hijas como motor de la trama.

«Las vivencias de toda aquella gente como plasmación realista, y con un sarcasmo un tanto interiorizado […]; aquella sordidez, aquella impotencia de la gente. Y la carencia por parte de la gente de este estrato social de una moral auténtica, que se ven sometidos a una especie de ductilidad por el imperativo de la vida cotidiana, de esa bajeza de miras… Eso es lo que más me interesaba». (Fernando Fernán Gómez)

Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE.

 

Martes 20 de abril

 

18:00 · Sala 2 · Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Los Palomos (Fernando Fernán Gómez, 1964). Int.: José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Mabel Karr, Fernando Rey, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre. España. 16 mm. B/N. 109’.

Un empleado y su esposa son invitados a casa del jefe que pretende culparlos de un crimen que él mismo ha cometido.

«Los palomos no en opinión mía pero sí de otra gente y de los críticos, no es solo una de las peores películas que he hecho, sino una de las películas que, si quiero presumir de hacer un cine en cierta manera preocupado, casi debería avergonzarme. […] se estrenó automáticamente en cuanto se terminó, y fue una de las recaudaciones de taquilla más importante del año». (Fernando Fernán Gómez).


20:30 · Sala 1 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

Onde Bate o Sol (Joaquim Pinto, 1989). Int.: Luís Miguel Cintra, Inês de Medeiros, Maria de Medeiros, António Pedro Figueiredo. Portugal. 35 mm. VOSE. Color. 88´. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Una joven vive en el campo con su marido. Con la llegada de su hermano desde Lisboa los deseos reprimidos y los anhelos de la joven salen a la superficie.

«El director propone algo más que el marco paisajístico y climático donde ubicar una serie de pasiones de carácter sexual. De hecho, se omiten las imágenes de las relaciones amorosas entre los personajes, veladas por completo al espectador. Así¿, la información se nutre de leves pistas, casi invisibles, y de omisiones, que son las que configuran la película. En otras palabras, más allá de la mirada "sexual", la película se centra en como fluye el conocimiento y la información entre unos personajes y otros, y, sobre todo, entre el film y el espectador». (Francisco Javier Topar Paz).

 

Miércoles 21 de abril


18:30 · Sala 2 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

O Movimento das Coisas (Manuela Serra, 1985). Portugal. DCP. VOSE. Color. 85’. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

El retrato de la vida cotidiana de tres familias de un pueblo del norte de Portugal, las tres definidas por el silencio.

«La región de Trás-os-Montes, una especie de territorio mítico para el cine portugués, desde António Campos a António Reis, no sirve más como escenario para el retrato metafórico de un país aislado, encarcelado en su presente, y mitológico, síntesis anacrónica de sus raíces geográficas y culturales, ahora que el paisaje está definitivamente filmado por la televisión. Si hay un film que representa esta muerte es O Movimento das Coisas, un documental sobre un mundo al borde de la desaparición». (Aníbal Tavares).

 

19:30 · Sala 1 · Cine espectáculo

Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, Steven Spielberg, 1977) Int.: Richard Dreyfuss, Teri Garr, Melinda Dillon, François Truffaut. EEUU. DCP. VOSE. Color. 138´.

Tras vivir sucesos imposibles de explicar, dos individuos se convencen de que una inteligencia extraterrestre está a punto de contactar con la raza humana.

«Una gran película es aquella que puede coger incluso al más amargado de los espectadores y llenarle con un sentimiento de excitación, maravilla y pura euforia. […] Una verdadera gran película […] es la que es capaz de lograr eso incluso con espectadores décadas después de su estreno». (Peter Sobczynski).

«Dijo François Truffaut que “cuando una película alcanza cierto éxito, se convierte en un acontecimiento sociológico”. Tal fue el caso con este largometraje de Steven Spielberg, en el que el propio Truffaut interpreta a un científico explorando las posibilidades de vida extraterrestre, y que en la América post-hippie fue recibido como si fuera un mensaje religioso o una expresión del new age. Era la primera vez en todo caso que el cine americano retrataba a los alienígenas como seres civilizados, criaturas afectuosas y con inteligencia emocional, determinados a establecer contacto con la raza humana, de modo que el terror y la paranoia hacia la invasión extraterrestre que ocupó el grueso de la ciencia-ficción en los años 50 (como metáforas de la amenaza comunista) daba lugar a una nueva forma de relación social con el imaginario alienígena. El director de Tiburón alcanzó con esta película la plenitud de su lenguaje basado en el denominado “Spielberg Face” (y que ha desarrollado en toda su filmografía hasta hoy), es decir, mostrar lo espectacular mediante la reacción de asombro en los rostros de los personajes. Las palabras no pueden llegar a definir lo que están viendo, ni siquiera una imagen de aquello que ven, pero la expresión en sus miradas, y el efecto-grúa para acercarse lentamente a ellas, expresan una gama de emociones que a veces no hacen necesario mostrar el contraplano. El emocionante tercio final de la película representa un verdadero hito estético y de producción, en el que los juegos de luces y sonidos alumbran un nuevo lenguaje: el insuperable (hasta hoy) espectáculo alienígena». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

La copia que se proyecta es la de la versión conocida como “Montaje del director”, supervisada por el director, Steven Spielberg, y estrenada en 1999. 

 

Jueves 22 de abril


17:00 · Sala 1 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Ninette y un señor de Murcia (Fernando Fernán Gómez, 1966). Int.: Fernando Fernán Gómez, Rosenda Monteros, Alfredo Landa, Rafael López Somoza, Aurora Redondo. España. 35 mm. B/N. 105’

Adaptación de la obra homónima de Miguel Mihura. El propietario de una tienda en Murcia recibe una herencia con la que decide viajar a París, donde conocerá a una enigmática y sensual parisina.

«El bloque de Los Palomos, Ninette y un sen¿or de Murcia, Mayores con reparos y Co¿mo casarse en siete di¿as responde a esta etapa que podríamos denominar claramente de frustración de mis proyectos, de mis ideales. Yo no tenía otra cosa que hacer más que aceptar estas propuestas -Los palomos, Ninette- o promoverlas yo mismo -Mayores con reparos-. Encargo o promoción personal, responde por un lado a la decepción mía por tener una línea auténtica, y por otro lado a la falta de ideas, porque realmente durante ese tiempo no se me ocurría nada. De todas estas la más válida me parece Ninette y un sen¿or de Murcia, porque las otras tres me parecen de lo peor que he hecho, especialmente Mayores con reparos». (Fernando Fernán Gómez).

Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE.


19:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo: Cortometrajes de Agnès Varda II

Sesión que reúne varios cortometrajes de Agnès Varda: el encuentro entre las cariátides de París y las palabras de Baudelaire; un agente inmobiliario que intenta vender dos veces seguidas la misma casa o una niña de 14 años que recibe como regalo un vestido diez veces más grande que ella.

Les Dites cariatides (Agnès Varda, 1984). Francia. DVD. VOSE. Color. 12’.
Les Dites cariatides bis (Agnès Varda, 2005). Francia. DVD. VOSE. Color. 2’.
7p., cuis., s. de b., ... à saisir (Agnès Varda, 1984). Francia. DCP. VOSE. Color. 28’.
Le Lion volatil (Agnès Varda, 2003). Francia. BDG. VOSE. Color. 12’.
Les 3 boutons (Agnès Varda, 2015). Francia. DVD. VOSE. Color. 11’.

Duración total de la sesión: 65’


20:15 · Sala 1 · Cine espectáculo

Tetsuo, el hombre de hierro (Tetsuo, Shinya Tsukamoto, 1989). Int.: Tomoroh Taguchi, Kei Fujiwara, Nobu Kanaoka, Shinya Tsukamoto. Japón. DCP. VOSE. B/N. 67´.

Un vulgar oficinista japonés empieza a transformarse en una entidad capaz de controlar el metal a su antojo.

«En general, en mis películas siempre aparece la lucha de la persona que vive una vida normal, dentro de una sociedad normal, con un yo interior que se rebela y que termina formando una entidad distinta y más fuerte». (Shinya Tsukamoto).

«”Cine espectáculo” ofrece, entre otras cosas, la posibilidad de ver dos películas japonesas que comparten una misma búsqueda, aunque la lleven a cabo por senderos muy diferentes. Mientras que Akira (Katsuhiro Otomo, 1988) hace uso de una fastuosa e hiperdetallada animación, Shinya Tsukamoto tuvo que enfrentarse a su debut en el largometraje en la más absoluta falta de medios, rodando como podía y cuando podía. Sin embargo, la conexión entre ambas películas es evidente. Tanto Akira como Tetsuo parten de personajes alienados en sociedades alienadas que buscan una transformación, un nuevo estadio de la evolución humana, que les permita seguir viviendo. Ambas películas entienden el cine como una suerte de taladradora de estímulos, que golpea incesante el cerebro de sus espectadores hasta que las imágenes quedan remachadas en el lóbulo temporal y resulta imposible deshacerse de ellas. En ambas también, claramente influidas por la obra de David Cronenberg, se mezcla lo orgánico y lo mecánico de la misma manera que lo sexual y lo violento. Incluso en sus técnicas, aparentemente diferentes, se pueden encontrar puntos de unión: Tsukamoto trabaja la imagen real casi como si fuera animación. Su película, igual que la de Otomo, no fue un éxito inmediato, sino que necesitó viajar fuera de Japón para convertirse en un fenómeno. Tras su paso por un festival italiano, donde se llevó el gran premio del jurado, el público fue poco a poco cediendo a su fuerza anárquica y lisérgica, hasta convertirse en la película de culto que hoy conocemos, esa en la que una imagen vale menos que mil imágenes». (Pablo López).

 

Viernes 23 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo: Cinévardaphoto

Compilación de tres piezas de Agnès Varda que giran en torno al poder de la fotografía: el primero explora la sociedad cubana a través de fotografías tomadas por la directora en su viaje a Cuba en 1963; en el segundo, Varda entrevista a dos personas que aparecen en una fotografía tomada 30 años antes; por último, el tercero gira en torno a la artista Ydessa Hendeles y su particular universo.

Salut les Cubains (Agnès Varda, 1964). Francia, Cuba. DCP. VOSE. B/N. 29’.
Ulysse (Agnès Varda, 1983). Francia. DCP. VOSE. Color. 22’.
Ydessa, les ours et etc… (Agnès Varda, 2004). Francia. BDG. VOSE. Color. 44’

Duración total de la sesión: 95’.


19:00 · Sala 2 ·
Los 100 de Fernando Fernán Gómez

Solo para hombres (Fernando Fernán Gómez, 1960). Int.: Analía Gadé, Fernando Fernán Gómez, Manuel Alexandre, Elvira Quintillá. España. 16 mm. B/N. 85’.

A finales del siglo XIX, una mujer empieza a trabajar en un ministerio demostrando mayor eficacia que un hombre. Este hecho provocará un gran revuelo en la sociedad.

«Cuando la vi, yo solo en la sala de proyección me gustó mucho. […] La impresión que saqué del estreno es que no le había gustado nada a nadie. […] todo eso me sumía en una profunda perplejidad: el ver que a mí me gustaba mucho, que el día del estreno no gustó, que al día siguiente gustó mucho, pero que después la crítica era malísima, y más tarde García Escudero decía que los críticos estaban equivocados. Con todo ello, volvía a ver que mi carrera como director seguía siendo exactamente igual de complicada y confusa». (Fernando Fernán Gómez).

Antes de la película se proyectará una presentación original de Fernando Fernán Gómez, grabada para el programa Cineclub de RTVE.


20:00 · Sala 1 ·
Sesión especial Día del Libro

La mujer y el pelele (La femme et le pantin, Jacques de Baroncelli, 1929). Int.: Conchita Montenegro, Raymond Destac, Henri Lévêque, Jean Dalbe. Francia. DCP. MRF/E. B/N. 110’. Copia restaurada en 2020 por la Fundación Jérôme Seydoux-Pathé a partir de los negativos originales de su colección en los laboratorios de L’Immagine Ritrovata (Cineteca di Bologna).

Adaptación de la novela de Pierre Louÿs (en la que también se basaron Josef Von Sternberg, Julien Duvivier o Luis Buñuel) que narra los encuentros y desencuentros amorosos entre Don Mateo, un rico playboy sevillano, y Conchita, una cigarrera.

«Sigue siendo fascinante la inteligencia con la que el cineasta ha sabido sacar partido de lo que constituye la esencia misma de la novela: la fascinación por unos cuerpos que se muestran y se rehúyen, que se ofrecen para a continuación no entregarse. El otro aspecto que marca la visión de la obra es la eminente modernidad: modernidad de los encuadre y del ritmo rápido de montaje, pero también y sobre todo modernidad del físico y del juego de Conchita Montenegro, desprovisto de todo el énfasis que suele hacer que el cine mudo aparezca como añejo». (Bernard Bastide)

Proyección con música en directo a cargo del organista y pianista Paul Goussot.

 

Sábado 24 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Cruz Delgado. El quijote de la animación / Filmoteca Junior

Los 4 músicos de Bremen (Cruz Delgado, 1989). España. 35 mm. Color. 86’.

Adaptación del relato de los hermanos Grimm que sigue a cuatro animales de granja que se unen para montar un grupo de música y terminan enfrentándose a una banda de ladrones. Fue la primera película que ganó el Goya a Mejor Película de Animación y contó con una popular versión televisiva, la serie Los Trotamúsicos.

«El estilo formal de Cruz Delgado, aunque parte de Disney, es mucho menos redondeado y más anguloso, quizá por influencia de otros autores norteamericanos y europeos a los que también admira: Tex Avery, los animadores de la UPA, John Halas, la escuela de Zagreb...». (Jerónimo José Martín Sánchez).


18:00 · Sala 2 ·
Agnès Varda. De marzo a mayo

Mur murs (Agnès Varda, 1981). Francia, EEUU. DCP. VOSE. Color. 82’.

Un documental que recorre las calles de Los Ángeles en busca de murales y arte urbano, convirtiéndose en un fresco de las expresiones comunitarias y la diversidad de la ciudad.

«Atención, los muros tienen la palabra, una boca y una gran garganta. Tienen algo que decir». (Agnès Varda).


19:45 · Sala 1 ·
Cine espectáculo

La gran comilona (La grande bouffe, Marco Ferreri, 1973). Int.: Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, Philippe Noiret, Ugo Tognazzi, Andréa Ferréol. Francia. DCP. VOSE. Color. 130´.

Un grupo de hombres va a un pueblo de Francia con un propósito: matarse comiendo.

«La metáfora aquí es claramente obvia: estos cuatro hombres son un reflejo del desprecio de Ferreri por el capitalismo burgués. Tan egoístas y corrompidos por el exceso están estos hombres que preferirán satisfacerse ellos mismos hasta la muerte que practicar algún tipo de autocontrol». (Jenna Ipcar)

«Crónica de la gula y el autodesprecio, cuando Marco Ferreri puso en escena esta historia de cuatro amigos determinados a suicidarse por empacho gastronómico, latía la ambición de representar para las cámaras el espectáculo de la decadencia, de modo que los ojos del espectador fueran testigos de los mecanismos de la degradación humana. Muy exitosa al tiempo que extraordinariamente polémica, los críticos decidieron tomar postura y atacarla o bien porque se trataba del film más desagradable y decadente de la historia del cine francés o bien debido a su radical, salvaje ataque al establishment de la burguesía gala, difuminando las fronteras entre el ser humano y el cerdo. El film golpea la sensibilidad del espectador hasta dejarlo exhausto, en una experiencia en la que se combina la náusea, el cinismo y la obscenidad sin solución de continuidad. La gran comilona nos reafirma en la idea de que las imágenes nunca son inocentes, al tiempo que refuerza nuestra fe en el potencial expresivo del cine para ofender y violentar al espectador». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Domingo 25 de abril


18:30 · Sala 1 · Cine espectáculo

Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979). Int.: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Sam Bottoms, Laurence Fishburne, Harrison Ford. EEUU. DCP. VOSE. Color. 196´. La copia que se proyecta es la de la versión conocida como “Redux”, un remontaje llevado a cabo por Francis Ford Coppola y Walter Murch en 2001 para reintegrar escenas descartadas en la versión original de 1979.

Durante la guerra de Vietnam, un oficial de los Estados Unidos recibe la misión de adentrarse en la selva de Camboya y asesinar a un coronel que está fuera de control.

«No es una película sobre grandes ideas que se revelan al llegar al final del camino. No es una película sobre grandes ideas en absoluto, ni sobre Kurtz sentado en su templo a la muerte, mostrando con orgullo su calva. Como en toda película estadounidense, como con los propios Estados Unidos, lo importante en la película de Coppola no es el final del camino, es lo que supone llegar ahí. Lo importante es el viaje, lo importante es hacer películas. Aún lo es». (Manohla Dargis).

«Pocas películas pueden competir a la altura de su leyenda como lo hace esta infernal producción bélica, libre adaptación de El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, con la que Coppola no quiso solo hacer una película sobre Vietnam, sino arrojar al espectador al infierno y la demencia de una guerra perdida, inútil. Su legendario y larguísimo rodaje en las selvas de Filipinas no solo sobrepasó toda previsión presupuestaria –el propio Coppola hipotecó su casa para aportar 7 millones de dólares de su bolsillo–, sino que se enfrentó a los elementos más adversos –desde tifones que paralizaron el rodaje durante meses hasta un protagonista alcohólico que sufrió un infarto de miocardio en pleno rodaje, pasando por diversos intentos de suicidio del propio director y sus constantes peleas con la estrella Marlon Brando para que entregara la interpretación definitiva–, poniendo al límite las fuerzas y la cordura de todos los integrantes. Todo ello está presente en los fotogramas de esta película absolutamente irrepetible, portadora de todo el ruido y la furia de una guerra salvaje y demencial –era la primera vez que se grababa con el sistema Dobly Stereo Surround 70mm-, y cuyas imágenes han sido objeto de culto, en distintas versiones del film, para las sucesivas generaciones.». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).


19:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Daguerréotypes (Agnès Varda, 1976). RFA, Francia. DCP. VOSE. Color. 80’.

Documental observacional con el que Agnès Varda retrata y rinde homenaje a la calle Daguerre de París, donde vivió durante varios años, y a todos aquellos que formaban parte de su rutina diaria.

«No quería filmar un película política. […] Busqué, por el contrario, una aproximación completamente cotidiana. Trataba de captar su manera de vivir, sus gestos. Hay toda una gestualidad de las relaciones humanas en el interior de un pequeño comercio que me fascina». (Agnès Varda).



Martes 27 de abril


18:00 · Sala 2 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

Relação Fiel e Verdadeira (Margarida Gil, 1987). Int.: Catarina Alves Costa, António Sequeira Lopes, Jorge Rolla, Laura Soveral. Portugal. 35 mm. VOSE. Color. 85´. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Una joven es entregada en matrimonio por su madre a causa de los oscuros intereses familiares de los aristócratas rurales.


19:00 · Sala 1 · Agnès Varda. De marzo a mayo / La mirada verde

Los espigadores y la espigadora (Les Glaneurs et la glaneuse, Agnès Varda, 2000). Francia. 35 mm. VOSE. Color. 82’.

Documental que sigue a la cineasta a través de Francia en busca de todas aquellas personas que, como forma de vida, se dedican a recopilar lo que otros dejan atrás.

«A veces está en el azar el origen de las películas. Cuando estaba tomando un café en el mercado, en un momento muy corto de tiempo vi recoger a un grupo de personas los deshechos antes de que pasara el equipo de limpieza, y comencé una investigación». (Agnès Varda).

Presentación a cargo de Marta García Larriu, directora de Another Way Film Festival. Después de la proyección de Los espigadores y la espigadora se podrá ver el largometraje 2 años después (Los espigadores y la espigadora 2) (Deux ans après, Agnès Varda, 2002). Duración total de la sesión: 160’.

 

Miércoles 28 de abril

 

18:00 · Sala 2 · Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

As Ilhas Encantadas (Carlos Vilardebó, 1965). Int.: Amália Rodrigues, Pierre Clémenti, Pierre Vaneck, JoãoGuedes. Portugal. 35 mm. VOSE. Color. 98´. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

En una isla del Atlántico, en el siglo XIX, conviven idílicamente un marinero francés, una viuda y dos pescadores portugueses. Con la llegada de un velero portugués este paraíso se verá forzosamente interrumpido.

«Película “maldita” del cine portugués […] hecha de fragmentos y reminiscencias, pone a dos personajes en un enfrentamiento más visual que narrativo: la viuda solitaria -figura hierática y trágicamente cortada, como una heroína griega- y un marinero francés andrógino que desertó del barco para quedarse con ella. El carácter evocador, la dureza del entorno y el perfil de un amor, casi incestuoso, idílico y trágico hace de ella […] una fascinante cápsula del tiempo en la peculiar relación construida entre los dos náufragos». (Carlos Valente).


19:00 · Sala 1 · La muerte del cine

Eega (S.S. Rajamouli y J.V.V. Sathyanarayana, 2012). Int.: Sudeep, Nani, Samantha Akkineni, Hamsa Nandini. India. DCP. VOSE. Color. 135’.

Sudeep, un poderoso empresario, y Nani, un joven pirotécnico, están enamorados de Bindu, una artista que dirige una ONG. Cuando Sudeep asesina a Nani, este regresa reencarnado en una mosca y deseoso de vengarse.

«Hay una buena razón por la que S.S. Rajamouli es considerado como el director más innovador de la industria de cine en telugu, y Eega es el ejemplo perfecto para ilustrar porque merece tal etiqueta. Es una película completamente enloquecida, infinitamente disfrutable y totalmente única». (J Hurtado).

 

Jueves 29 de abril


17:00 · Sala 1 ·
Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

Ana (Margarida Cordeiro y António Reis, 1982). Int.: Ana Maria Martins Guerra, Octávio Lixa Filgueiras, Mariana Margarido, Adelaide Ferreira. Portugal. 35 mm. VOSE. Color. 115’. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Una joven vive con su abuela en la región de Tras-os-montes, al noreste de Portugal. Combinando surrealismo y vocación documental, la película explora la colisión entre el mundo moderno y la tradición y la simbólica convivencia de dos generaciones.

«Reis y Cordeiro construyeron una de las filmografías más compactas, coherentes y rigurosas de todo el cine portugués, por no decir europeo. En ella, la relación con la realidad era tan inherente a la estructura como al origen de las ambigüedades, en el sentido de que la realidad negocia con diferentes niveles (geográfico, cultural, histórico…) de la realidad cultural y la identidad del país». (José Manuel Costa)


18:00 · Sala 2 · Agnès Varda. De marzo a mayo

Kung-fu Master! (Agnès Varda, 1988). Int.: Jane Birkin, Mathieu Demy, Charlotte Gainsbourg. Francia. DCP. VOSE. Color. 80’.

La historia de amor entre un adolescente y una mujer divorciada y con dos hijas.

«Jane estaba contenta por rodar con su hija (Charlotte). Yo estaba contenta de que Mathieu (mi hijo) hiciese esta película conmigo. Después, Charlotte y Mathieu cambiarán, tendrán el rastro de este trozo de sus vidas. Jane y yo tenemos la esperanza de guardar intensamente el recuerdo de este momento que pasará. Que ya ha pasado». (Agnès Varda).


20:15 · Sala 1 · Cine espectáculo

Niágara (Niagara, Henry Hathaway, 1953). Int.: Marilyn Monroe, Joseph Cotten, Jean Peters, Casey Adams. EEUU. DCP. VOSE. Color. 92´.

Cuando dos parejas coinciden en un viaje a las cataratas del Niágara, la tensión entre una de ellas acaba conduciéndoles al crimen.

«Un habitual lugar común dice que los estadounidenses se sienten cómodos con la violencia cinematográfica de la misma forma en que no se sienten cómodos con la sexualidad en el cine. Puede que sea cierto, pero también es cierto que el erotismo de Marilyn Monroe es un acto de violencia, una distorsión del orden heterosexual natural y esperable tan extrema que resulta destructiva». (Philippa Snow)

«El erotismo de la naturaleza o la naturaleza del erotismo. ¿Cómo se filma algo así? Henry Hathaway filmó este thriller en torno a la atracción sexual y sus crímenes poniendo en relación la “espectacularidad” de dos fenómenos de la naturaleza. El apabullante espectáculo de las cataratas del Niágara, forzando hasta el límite el ancho de la pantalla, compite así con la corpórea sensualidad de Marilyn Monroe, filmada por primera vez en esplendoroso Technicolor, en un papel de múltiples rostros en el que encarnó su único rol de villana para poner en escena “un torrente de emoción que la naturaleza no puede controlar”, según la llamada promocional del film. El popular paseo de su personaje, Rose Loomis, por las calles empedradas ostenta el récord todavía del paseo más largo en la historia de Hollywood: 116 pies de celuloide. Sin duda, para Hathaway primó el sentido atmosférico y la cualidad carnal de las imágenes respecto a los pliegues narrativos del relato noir. No es un thriller compacto en su aspiración claramente hitchcockiana, pero ni siquiera el maestro del suspense en Con la muerte en los talones exploró la perversa psicología y las emociones de sus personajes a través de los espacios geográficos por los que transitan, y que sin duda les define». (Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española).

 

Viernes 30 de abril

 

17:00 · Sala 1 · Restauraciones de la Cinemateca Portuguesa

O Pão (Manoel de Oliveira, 1959). Portugal. DCP. VOSE. Color. 57’. Copia restaurada por los laboratorios de la Cinemateca Portuguesa.

Documental que cuenta la labor de los trabajadores del trigo, desde la recolecta hasta su transformación en pan.

«Luís de Pina, en febrero de 1960, en la revista de cine “Filme”, sintió la necesidad de darle el siguiente título a su artículo sobre O Pão: “El cine portugués existe”. Y es en esa década donde se empieza a afirmar la existencia del Novo Cinema Portugués». (Paulo Filipe Monteiro).


19:00 · Sala 2 · Sala:B

La casa de las mujeres perdidas (Jesús Franco, 1983). Int.: Lina Romay, Antonio Mayans, Carmen Carrión, Susana Kerr. España. 35 mm. Color. 90’.

«”Sala:B” quiere recordar con esta sesión a la actriz Carmen Carrión (1946-2020), uno de los rostros más carismáticos de nuestra serie B y parte de la troupe de Jess Franco durante los 80, tanto delante como detrás de las cámaras. Carmen falleció en Madrid el pasado noviembre. Generalmente curtida en papeles de reparto, Carmen encontró en la compañía franquiana el lugar ideal para dar rienda suelta a sus personajes más inolvidables y desatados, casi siempre como enigmática villana. La Dulcinea de La casa de las mujeres perdidas es de los mejores ejemplos, una versión escabrosa y sádica de aquellas figuras femeninas atormentadas que Bergman retraba en la isla de Fårö. La desintegración de los Pontecorvo, familia endogámica y grotesca, sirve a Jess Franco para pintar una sátira brutal y biliosa sobre la industria del espectáculo y la cultura pop en la España de los primeros 80. Inspirada en una historia que le regaló el guionista Jean-Claude Carrière, el director la consideraba una de sus películas “más españolas” y desconocidas. Y, como aperitivo, veremos un episodio de la serie de TVE Crónicas urbanas (1991-92) titulado “Un negocio familiar”; último trabajo como actriz de Carmen Carrión, con curiosos paralelismos con Dulcinea y la película de Franco. Escrito y dirigido por Angelino Fons, narra las desventuras de una familia propietaria de un videoclub durante el auge de los sex-shops en España. Crónicas urbanas fue una serie creada por José Luis Rodríguez Puértolas, director de Vivir cada día, y fue pionera a la hora de combinar ficción y actualidad con una fórmula aún hoy rompedora». (Álex Mendíbil, comisario de la sesión).

Presentación a cargo de Álex Mendíbil, comisario de la sesión, y Antonio Mayans, protagonista de La casa de las mujeres perdidas. Antes de la proyección del largometraje se podrá ver el episodio “Un negocio familiar” de la serie Crónicas urbanas. Duración total de la sesión: 160’.


19:45 · Sala 1 · Cine espectáculo

Akira (Katsuhiro Otomo, 1988). Japón. DCP. VOSE. Color. 124’. Copia restaurada por Kodansha y supervisada por el director, Katsuhiro Otomo.

La ciudad de Neo-Tokio, construida sobre las cenizas de la antigua capital de Japón, destruida por una inmensa explosión, se vuelve a enfrentar al desastre cuando un experimento militar fallido pone en riesgo la propia existencia de la especie humana.

«La extrañeza de Akira es muy sorprendente, en ocasiones desconcertante. Pero hay un éxtasis de muerte en la visión de un mundo entero que llega a su fin y renace como algo totalmente distinto». (Peter Bradshaw)

«Si la llegada de Rashomon al Festival de Venecia en 1951 supuso, para todo el universo cinéfilo occidental, el descubrimiento de Asia como fuerza cinematográfica indiscutible, Akira logró algo similar para la animación japonesa. Aunque la industria del anime se había abierto camino en Europa y Estados Unidos ya en los setenta, principalmente a través de la televisión, la aparición de esta brutal ametralladora de imágenes (parafraseando a Tony Rayns) fue el verdadero cambio de paradigma. Katsuhiro Otomo, adaptando su propia serie de cómics y manejando el mayor presupuesto hasta la fecha de la historia del cine de animación japonés, logró derribar todas las fronteras, generando un boom mundial del anime y el manga que aún pervive, pulverizando la convicción occidental de que la animación era un juego de niños y marcando a toda una generación de adolescentes. Pocas películas han mostrado el potencial de la animación para la hipérbole, la furia y el ruido como Akira, un film que empieza con una explosión y no para de subir y subir. Es fácil sentirse confuso ante su exuberancia argumental, resultado de comprimir cientos de páginas del manga original en poco más de dos horas, pero como en cualquier gran espectáculo, la trama es un poco lo de menos. Tras toda su abundante violencia física y verbal, su laberíntica ciudad cyberpunk, su miríada de personajes y sus millones de referencias late un objetivo más sencillo: sentir el descontrol y la rabia, la angustia existencial de un adolescente en una sociedad tan alienante y a la vez rica en posibilidades como la japonesa en los años 80». (Pablo López).

 


LOCALIDADES

 

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también, desde el 3 de abril, en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.


Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

 

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html

 

 

 

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